Безпрецедентний погляд на дизайнерські архіви культового бренду спортивного одягу.

Восени 2024 року Музей дизайну Vitra представить першу в історії музейну виставку, присвячену Nike, найшанованішому спортивному бренду у світі. Виставка та цей супровідний каталог знаменують віхи шестидесятилітньої історії Nike та досліджують його сходження до світового бренду, який відіграє центральну роль у популярній культурі. Основна увага виставки приділяється дизайнерській практиці Nike – від заснування компанії в 1960-х роках та розробки її знаменитого логотипу «swoosh» до культових продуктів, таких як Air Max, Air Jordan та Vapor Fly, та сучасних досліджень, присвячених майбутнім матеріалам та сталому розвитку.

Основним джерелом для виставки є Департамент архівів Nike, який містить унікальну колекцію креслень, прототипів та іншої документації. Виставка знаменує собою найповніший доступ до цього архіву, який будь-коли надавався. Серед експонатів – раритети та унікальні речі з ранніх днів компанії 1960-х років, оригінальні дизайнерські креслення та прототипи культових моделей кросівок, історичні документи та фільми, а також результати співпраці з такими творчими діячами, як Вірджил Абло та Марк Ньюсон.

Виставка Nike: Form Follows Motion простежує процес дизайну Nike, який починається з наукового аналізу людського тіла в русі та дослідження матеріалів і завершується готовим продуктом та його брендингом. Поряд з такими дизайнерами Nike, як Білл Бауерман, Даян Кац, Тінкер Хетфілд та Ерік Авар, важливу роль у цьому процесі дизайну відіграли спортсмени – від найвидатніших у світі до повсякденних спортсменів.

Сюрреалізм був одним із найвпливовіших мистецьких рухів ХХ століття. Ця книга досліджує діалог між сюрреалізмом та дизайном і вперше розкриває величезний вплив цього руху на дизайн протягом останніх ста років. Він заохочував дизайнерів ставити під сумнів реальність за межами видимого та створювати об'єкти, які чинять опір, підривають рутину та порушують буденність. Спектр прикладів варіюється від реді-мейдів Дюшана та чуттєвих об'єктних скульптур Далі до робіт таких дизайнерів, як Карло Молліно чи Гае Ауленті, і включає сучасні дизайни, що аналізують нові технології чи гендерні ролі підривним чином. Очевидно, що сюрреалізм не втратив своєї актуальності — як для мистецтва, так і для дизайну.

З роботами Гае Ауленті, Андре Бретона, Ахіля Кастільоні, Ле Корбюзьє, Сальвадора Далі, Марселя Дюшана, Dunne & Raby, Ray Eames, Макса Ернста, Front Design, Iris van Herpen, Friedrich Kiesler, Shiro Kuramata, René Magritte, Lee Miller, Carlo Mollino, Isamu Noguchi, Odd Matter, Meret Oppenheim, Мімі Парент, Гаетано Пеше, Ман Рей, Роберт Стадлер, Studio Wieki Somers тощо.

Atlas of Furniture Design Музею дизайну Vitra є новою важливою працею з історії сучасного дизайну меблів. У монументальній книзі розглядаються теми, починаючи з перших днів індустріалізації та закінчуючи інноваціями цифрової ери, які сьогодні відіграють дедалі важливішу роль у дизайні меблів.

Atlas of Furniture Design, заснований на більш ніж двадцятирічних дослідженнях і містить понад 1000 сторінок, є найповнішою книгою, яка коли-небудь проливає світло на цю тему. Він документує 1740 об’єктів понад 540 дизайнерів і містить понад 2800 ілюстрацій. Atlas of Furniture Design містить понад 550 детальних текстів про ключові об’єкти, а також глибокі есе, які надають соціокультурний та історичний контекст чотирьох історичних епох і самих робіт. Крім того, книга містить вичерпний додаток із біографіями дизайнерів, інформаційною графікою та бібліографіями, а також глосарієм виробників і матеріалів.

Ці особливості роблять це видання енциклопедичним довідником і незамінним ресурсом для колекціонерів, науковців і експертів, і, безсумнівно, книгою, яку цінують любителі дизайну в усьому світі.

____________

Переглянути відео про книгу The Atlas of Furniture Design

Plastic has shaped our daily lives like no other material. Originally associated with convenience, progress, even revolution, today plastic seems to have lost its utopian appeal. Plastic is everywhere, yet most conspicuous as waste and as a key factor in the global environmental crisis. This book examines the success story of plastic in the twentieth century and at the same time presents the different discourses on how we should manage the waste the material produces and also find solutions that take into account its entire life cycle in the future.

Mark Miodownik, Susan Freinkel, and Nanjala Nyabola each contribute an essay that sheds light on the history of plastics from 1850 to today. A material-rich visual chronology illustrates how consumers’ perception of plastics has changed over the decades. Brief descriptions of a selection of 50 objects examine the importance of plastics for material culture. Reprints of fundamental texts about the history of plastics ― for example by Alexander Parkes and Roland Barthes ― provide a context from the history of ideas.

The book reflects the current discourse and state of research on plastic with numerous individual interviews and panel discussions that were held with designers, representatives from industry, researchers, and environmental activists. Underpinning these conversations are comprehensive data visualizations on plastic production and consumption, recycling.

With contributions by Susan Freinkel, Mark Miodownik and Nanjala Nyabola; interviews with Jane Atfield, Diana Cohen, John McGeehan, Klarenbeek & Dros, The Shellworks, and others.

________

More about the Exhibition Plastic: Remaking Our World

Artificial light has revolutionized our environment like almost no other medium. Today, we are experiencing a profound change in the world of artificial light, with as yet unforeseeable consequences for people’s lives. »Lightopia« presents icons and examples of lighting design, setting them in a broader cultural and historical context.

The publication comprises three separate books in a slipcase.

In volume 1, renowned authors take a close look at the cultural history of light in a number of essays dealing with topics as diverse as the scenographic significance of light or its psychological aspects.

Volume 2 presents a selection of the 100 most important luminaires from the collection of the Vitra Design Museum – dating from 1900 to today – and includes texts on the development of lighting design.

In volume 3, interviews with well-known lighting designers and artists explore how new illumination technologies revolutionize the creative use of light today.

With its three volumes, »Lightopia« constitutes a unique compendium of lighting design. It is opulently illustrated and encompasses an exceptional spectrum of examples from  design, art and architecture; with works by Olafur Eliasson, Gino Sarfatti, Ingo Maurer, mischer’traxler, Carlos Cruz-Diez, Wilhelm Wagenfeld, Richard Sapper, Achille Castiglioni, Ulrike Brandi, Pieke Bergmans and many others

Balkrishna V. Doshi (b. 1927 in Pune) is one of the most influential pioneers of modern architecture in India. His life’s work was honored in 2018 with the prestigious Pritzker Prize. Doshi has realized more than one hundred projects, including administrative and cultural facilities, housing developments, and residential buildings. He has become internationally known for his visionary urban planning and social housing projects, as well as his involvement in education. His most important buildings include the School of Architecture in Ahmedabad (1966 – 68) and the Aranya housing development in Indore (1989).

"Balkrishna Doshi: Architecture for the People" is the first overview of the architect’s work in over twenty years, analyzing his most important works and providing timely context to his oeuvre. In-depth academic texts by outstanding experts in the field, including Kenneth Frampton, Kazi Ashraf, and Juhani Pallasmaa, give insights into the inspiration behind Doshi’s work and background to his projects, as well as his lasting influence on younger generations. The richly illustrated survey comes complete with a detailed biography and new photographs of his buildings, which demonstrate the impressive timeliness of the Indian master’s approach to a wide variety of typologies.

Charles and Ray Eames were among the most influential designers of the 20th Century.

The Eames Furniture Sourcebook provides readers with a comprehensive overview of their furniture, which includes design milestones such as the Plywood Group, the Wire and the Plastic Chairs, the Aluminum Group, and the legendary Lounge Chair. Through detailed texts and extensive photographic material, it reconstructs the genesis of these and other pioneering designs, shedding light on the duo’s innovative use of materials and techniques, and analyzing the significance of their work within the context of their time.

The Eames Collection held at the Vitra Design Museum serves as the basis of this book. It is the largest collection of Eames furniture worldwide and includes prototypes, experiments, and study models from the Eames Office, as well as other key pieces.

The designer, author and design activist Victor J. Papanek anticipated an understanding of design as a tool for political change and social good that is more relevant today than ever. He was one of the first designers in the mainstream arena to critically question design's social and ecological consequences, introducing a new set of ethical questions into the design field.

Victor Papanek: The Politics of Design offers a comprehensive overview of the work of the designer, author, and activist Victor J. Papanek. His main work, the instructive guide Design for the Real World published in 1971, is as much in focus as his designs and his commitment to social minorities, the so-called Third World, and the considerate use of natural resources.

This book documents countless photographs, artistic works and designs, objects, drawings, letters, and other materials, some of which are published here for the first time. Papanek’s close exchange with contemporaries such as Richard Buckminster Fuller, George Nelson, and Marshall McLuhan is also examined. Contemporary work by Tomás Saraceno, Catherine Sarah Young, Gabriel Ann Maher, Thomas Thwaites, and Forensic Architecture, as well as Flui Coletivo and Questtonó, among others, rounds off the publication and demonstrates that Papanek’s interpretation of design as a tool for social transformation is as relevant as ever and continues to shape debate on social design, critical design, and design thinking. 

With essays by Alison J. Clarke, Amelie Klein, Jan Boelen, Felicity Scott, Jamer Hunt, Cameron Tonkinwise, among other contributors.

Nightclubs and discothèques are hotbeds of contemporary culture.

Throughout the 20th century, they have been centres of the avant-garde that question the established codes of social life and experiment with different realities, merging interior and furniture design, graphics and art with sound, light, fashion and special effects to create a modern Gesamtkunstwerk.

Night Fever. Designing Club Culture 1960 – Today is the first book to offer a comprehensive overview of the design history of the nightclub, examining its cultural context and international scope. Examples range from the Italian clubs of the 1960s created by the protagonists of Radical Design to the legendary Studio 54 where Andy Warhol was a regular and the Palladium in New York, designed by Arata Isozaki, Philippe Starck’s Les Bains Douches in Paris and the more recent Double Club in London, conceived by German artist Carsten Höller for the Prada Foundation, as well as more recent concepts by architecture studio OMA for the Ministry of Sound II in London.

Featuring films and vintage photographs, posters, flyers, and fashion, Night Fever takes the reader on a fascinating journey through a world of glamour, subculture, and the search for the night that never ends.