Книги з Веб дизайну

Довгоочікуване продовження книг Structura та Structura 2, Structura 3, – це найновіша колекція зображень від арт-директора HALO Sparth, яка запрошує глядачів у дивовижну подорож уявними країнами. Як і у попередніх бестселерах, Structura 3 не лише поділиться його захопливими роботами, але й пропонуватиме поради щодо створення правдоподібних цифрових середовищ та країн. Покрокові навчальні посібники нададуть кожному освітні інструменти, необхідні для створення власних фантастичних світів. Не пропустіть це наступне доповнення до бібліотеки Structura!

Про автора:

Sparth (Ніколя Був'є) майже два десятиліття був арт-директором та концепт-дизайнером в ігровій індустрії. Народившись у Франції, він мав честь багато подорожувати з раннього віку до таких місць, як Сінгапур, Китай та Сполучені Штати, де йому подобалося спостерігати за людьми та відзначати всі дрібні деталі життя, свідком яких він був. Його різноманітні впливи значною мірою відповідають за його численні творчі захоплення, які варіюються від космосу та будівель до робототехніки та не тільки. У професійній сфері Sparth шість років пропрацював у Darkworks Studio, паризькій ігровій студії, яка створила Alone in the Dark 4: The New Nightmare (2001), перш ніж у 2003 році переїхати до Монреаля, щоб приєднатися до Ubisoft над їхніми поточними проектами Prince of Persia та Assassin's Creed. Потім у 2005 році він покинув Монреаль і переїхав до Далласа, де провів понад три роки, працюючи в id Software. Нарешті, на початку 2009 року він переїхав до Сіетла, щоб працювати над пригодами Halo з 343 Industries компанії Microsoft, де він зараз обіймає посаду арт-директора Halo 5: Guardians, наступної частини популярної серії. Спарт брав участь у розробці кількох інших ігор з 1997 року, включаючи Cold Fear (2005) та Rage (2011), а також опублікував понад 80 обкладинок книг у Франції, Канаді та Сполучених Штатах. Творчість Sparth безмежна, коли йдеться про втілення форм та концепцій. Однією з його найбільших пристрастей залишається сучасна архітектура, принципи якої він застосовує у власному мистецтві з експериментальним та оригінальним підходом. Він також захоплюється сучасними хмарочосами, хоча й визнає, що сам не зміг би жити надто високо над землею.

Costume design is storytelling. And to do it successfully, you need to understand the five functions of a costume: to connect to plot and theme, establish the structure of society, put in a specific time and place, indicate personality, and reveal a passage of time. It is an exciting and challenging craft that involves a thoughtful and thorough examination of these various elements in order to give a costume life. In animation, games, and illustration, in particular, the designer needs to be acutely aware of the unique characteristics and limitations of each medium ― from solid research approaches and basic production pipelines to audience experience and ideal tools of the trade. 

Talking Threads: Costume Design for Entertainment Art, backed by decades of experience of five industry professionals, provides an in-depth exploration of these functions and format considerations to equip artists with the necessary knowledge and mindset to develop strong narrative-informed costume designs. Each chapter is packed with creative exercises, detailed tutorials, inspiring designs, and invaluable insights that will help artists of all levels confidently and efficiently tackle their next costume adventure.

About the Authors:

Jessie Kate is a design mentor. With her background working with her father, a master craftsman and furniture designer, she gained experience with complex creative problem-solving. Her mother's musical focus nurtured a love of entertainment, and Jessie Kate combined the two influences to choose a path in entertainment design. Her past experience includes freelance design, educational program design, production coordination for TV animation, creative direction for startups, and indie project development. When she brought her curiosity and analytical approach to the animation industry and found a gap in costume-design education, Jessie Kate decided to fill the void by gathering a team of specialists to create this book. She specializes in using personality psychology to develop authentic character arcs and immersive costume designs, guiding her mentees through narrative analysis, practical research methodology, and concept development.Jessie Kate co-instructs History of Fashion at ArtCenter College of Design with Gwyn Conaway.

Gwyn Conaway is a member of the Costume Designers Guild Local 892. She's a costume designer, fashion historian, and culture specialist living in southern California. Although she works primarily in historical and dramatic film, Gwyn also consults on costume simulation for major animation and gaming studios. She specializes in Marvelous Designer and garment model fit.Considered an authority on the intersection between clothing and social psychology, Gwyn is on the cutting edge of how the entertainment industry thinks about costume and culture as a visual language. She is often called upon to design and consult for conceptual projects in post-apocalyptic and fantasy settings. Conaway is on the faculty at ArtCenter College of Design in Pasadena, California. Her course, History of Fashion, is the first of its kind. Geared directly towards entertainment design students, the class explores Gwyn's burgeoning expertise: building cultures for film, television, and gaming from the ground up.

Rebecca Black-Gliko descends from a long line of quilters and has been sewing in some form or another since a very young age. Her devotion to learning led to a degree in illustration as well as studying abroad in Japan and New Zealand. Beki has worked for Laika Studios on the films Kubo and the Two Strings and Missing Link in both the rapid prototype and costume departments. Living in Oregon with her husband, Raul Ramos, she continues to work on projects that explore and combine a variety of mediums. She is currently working on a stop-motion graphic novel, Oni-san, that combines her love of animation, illustration, and stop-motion. Beki enjoys the challenge of translating a design on paper into a functional final product--whether the end result is digital or physical--and choosing the format that best translates the intentions of the narrative.

Maria Kercher is a visual development artist specializing in material behavior and cultural stylization for animation. She has also worked in design for indie games and illustration for live-action films. Born and raised in Brazil, Maria visited the opera and ballet frequently and participated in dance and figure skating competitions, nurturing a fascination with how costumes are used to enhance performance. Through figure skating, she gained an interest in how countries or people can be represented through simplified shapes, colors, movement, and music. Learning to sew from her mother, she began exploring her fascination through fashion.When her father introduced her to US animation, Maria fell in love with the idea of breathing life into a fictional world and came to the US to study animation. Now based in Seattle, Washington, she is focused on expanding her knowledge of materials and world cultures to better connect audiences to each other.

Blythe Russo is an illustrator and puppet builder living in Ohio. She earned a master's in illustration from the Savannah College of Art and Design and is an active member and supporter of the Kidlit community. Blythe made her debut as a children's book illustrator with the counting book, One More Wheel (Macmillan/August 2019). Her favorite stories to tell are those of friendship--that give the reader both the giggles and the warm fuzzies.As a self-taught puppet-builder, she has worked as the lead puppet builder for Madcap Puppets. She has designed and fabricated pieces for a variety of their shows, including The Case of the Kidnapped Backpack, The Wonderful Wizard of Oz, and Pinocchio. She's also been known to teach a puppet-building class every so often.

Art is constantly evolving, inviting experimentation, and, in today’s digital age, uses artificial intelligence to create entirely new realities. Data as a tool of expression is used by artists as an equal partner to break new ground at eye-level, while at the same time redefining the concept of art to revolutionize the world of design. This volume focuses on the esthetics and creativity of a new generation of designers who are using algorithm-supported tools along the vertical, from graphic design to 3D animation, kinetic objects and real-time visuals, to robotics and spatial installations, as well as hybrid approaches between digital and analogue. For this compendium, the editor was able to involve the biggest names in the world of data-driven design to present their most important work on the basis of facts, aspects, and stories and to provide insights into their creative processes. These range from the vision via the underlying code and challenges in the implementation concept, to the finished work. On a theoretical level, the presented works are significantly enriched by interviews and texts of experts and insiders of the scene.

“The Age of Data“ shows the future of art and design in this day and age in which the whole world is under close scrutiny due to the pandemic. It is an invitation to take the next steps and a motivation to keep up with the ongoing data-based design developments.

“What a wide range of works, artists, perspectives, technics – a stunning sampler of the 21st century! “
Stefan Weil
Atelier Markgraph & Museum of Modern Electronic Music

_Data-based design process throughout different categories
_A look behind-the-scene of the most important 40 pioneers
_With essays by specialists
_Promotion by Kickstarter campaign

Рон Аштіані об'єднує двадцятип'ятирічний досвід керівництва креативними проектами для ігор та фільмів, щоб поділитися тим, що потрібно, щоб бути успішним арт-директором у сучасній індустрії розваг. Використовуючи свої відточені навички арт-директора та різноманітний досвід проектів, реальні приклади та чіткі діаграми, він навчає своїх читачів кожному елементу блискучого арт-дизайну як для відеоігор, так і для фільмів.

Забезпечуючи креативне та бізнес-лідерство, а також будучи спеціалізованим консультантом та постійним галузевим та освітнім оратором, він є одним із найвинахідливіших та найосвіченіших практиків у галузі дизайну відеоігор та фільмів, що робить його ідеальним для навчання інших у цій галузі.

Повністю ілюстрована книга The Art of Direction веде читача в подорож арт-директора, від того, як створити художнє бачення, до того, як успішно керувати командою художників, втілюючи це бачення в життя та приймаючи найкращі творчі рішення на цьому шляху.

Про автора:

Рон Аштіані — нагороджений креативний бізнес-лідер, арт-директор та автор.

Рон має 25-річну кар'єру в індустрії розваг, спочатку як художник/арт-директор, потім креативний директор, а протягом останнього десятиліття – бізнес-лідер та підприємець.

Рон створив успішні команди та бізнеси, працював над трьома блокбастерами Marvel та зробив внесок у понад 30 відеоігор. Він також реалізував креативні проекти для Pottermore Дж. К. Роулінг, Warner Bros., Sony та Microsoft, і це лише деякі з них. Рон входить до списку 100 найкращих людей у ​​​​Великій Британії в галузі ігор та до списку 100 найкращих у сфері цифрових медіа.

Він надає послуги креативного та бізнес-лідера, а також спеціалізованого консультування та регулярно виступає з галузевими та освітніми публічними виступами.

Рон Аштіані об'єднує двадцятип'ятирічний досвід керівництва креативними проектами для ігор та фільмів, щоб поділитися тим, що потрібно, щоб бути успішним арт-директором у сучасній індустрії розваг. Використовуючи свої відточені навички арт-директора та різноманітний досвід проектів, реальні приклади та чіткі діаграми, він навчає своїх читачів кожному елементу блискучого арт-дизайну як для відеоігор, так і для фільмів.

Забезпечуючи креативне та бізнес-лідерство, а також будучи спеціалізованим консультантом та постійним галузевим та освітнім оратором, він є одним із найвинахідливіших та найосвіченіших практиків у галузі дизайну відеоігор та фільмів, що робить його ідеальним для навчання інших у цій галузі.

Повністю ілюстрована книга The Art of Direction веде читача в подорож арт-директора, від того, як створити художнє бачення, до того, як успішно керувати командою художників, втілюючи це бачення в життя та приймаючи найкращі творчі рішення на цьому шляху.

Про автора:

Рон Аштіані — нагороджений креативний бізнес-лідер, арт-директор та автор.

Рон має 25-річну кар'єру в індустрії розваг, спочатку як художник/арт-директор, потім креативний директор, а протягом останнього десятиліття – бізнес-лідер та підприємець.

Рон створив успішні команди та бізнеси, працював над трьома блокбастерами Marvel та зробив внесок у понад 30 відеоігор. Він також реалізував креативні проекти для Pottermore Дж. К. Роулінг, Warner Bros., Sony та Microsoft, і це лише деякі з них. Рон входить до списку 100 найкращих людей у ​​​​Великій Британії в галузі ігор та до списку 100 найкращих у сфері цифрових медіа.

Він надає послуги креативного та бізнес-лідера, а також спеціалізованого консультування та регулярно виступає з галузевими та освітніми публічними виступами.

Do you dream of becoming a concept artist in the video game industry but don't know where to start? The Big Bad World of Concept Art for Video Games: An Insider's Guide for Beginners gives aspiring artists an honest, informative, and entertaining look at what it takes to do just that.

Author Eliott Lilly will help you on your journey from finding the right school and how to get the most out of your education, to preparing your portfolio to land that first job. In addition, renowned concept artists — David Levy, Sparth, Stephan Martiniere, Ben Mauro, and Farzad Varahramyan — share their own dos and don'ts to making a career in the video game industry a reality.

Are you ready to begin your career as a concept artist in the video game industry but don't know where to start?

The Big Bad World of Concept Art for Video Games: How to Start Your Career as a Concept Artist is book two in the Big Bad series, delving deeper into the subjects and topics explored previously in An Insider's Guide for Students. Going beyond the amateur level, this guide prepares the upcoming professional, or any other artist, for a future in the entertainment industry. Whether you are a graduating student joining the workforce, a young professional who has just broken into the job market, or even an existing professional frustrated with your current situation, receive help figuring out what comes next for a fulfilling career.

Eliott Lilly is a highly sought-after concept artist with over a decade of experience in the video game industry. He has worked for such prominent game companies as id Software, Treyarch, and Activision. He has contributed to several popular franchises, including Rage, Doom, and Call of Duty. Also an educator, Eliott teaches introductory concept art classes to university students.

With his firsthand knowledge of the ins and outs of the video game industry, Eliott Lilly is an exceptional guide who can help prepare you for the rewarding journey toward realizing your ambitions.

Опануйте мистецтво дизайну користувацького досвіду за допомогою 100 законів, правил, людських упереджень та загальних міркувань у цій вичерпній міждисциплінарній енциклопедії.

Багато ілюстрована та проста в навігації, книга Universal Principles of UX поєднує чіткі пояснення кожної концепції з візуальними прикладами ідей, що застосовуються на практиці. Книга організована за шістьма широкими категоріями:

- Розгляд
- Співпереживання
- Визначення
- Дослідження
- Дизайн
- Перевірка

Також представлені такі різноманітні принципи, як:

- Дизайн не є нейтральним
- Зробіть вибір легким
- Деяку складність неможливо зменшити
- Картографуйте екосистему
- Щоб ви думали, що можете прокручувати
- Не оцінюйте власні домашні завдання

Користувацький досвід – це галузь, що вирізняється своєю широкістю, складністю та постійною еволюцією. Ця книга не є хронологічним переказом історії дизайну користувацького досвіду. Це також не технічний посібник, який покаже вам, як крок за кроком стати ідеальним дизайнером користувацького досвіду. Це філософська антологія тематичних досліджень, ситуацій, проблем та суперечностей, що виникли протягом понад п'ятнадцяти років роботи над реальними клієнтськими проектами, яка навчить вас думати, а не підкаже, що робити.

Кожен принцип представлений у форматі двох сторінок. Ліва сторінка містить стислий опис, повний опис принципу, приклади його використання та рекомендації щодо використання. Примітки праворуч від тексту містять пояснення та посилання. Права сторінка містить візуальні приклади та відповідну графіку для глибшого розуміння принципу.

Цей знаковий посібник є стандартом для дизайнерів, інженерів, менеджерів та студентів, які прагнуть розширити та покращити свої знання з дизайну користувацького досвіду.

Видання Rockport Universal series пропонують вичерпну та авторитетну інформацію, а також повчальні та надихаючі візуальні приклади з міждисциплінарних тем для дизайнерів, архітекторів, інженерів, студентів та всіх, хто зацікавлений у розширенні та збагаченні своїх знань у галузі дизайну.

Про автора:

Директорка з користувацького досвіду та дизайнерка Ірен Перейра відповідає за перетворення бізнес-вимог на інтуїтивно зрозумілі інтерактивні рішення. Вона керувала стратегічними та UX-ініціативами для клієнтів, включаючи The Met, Wacom, Balenciaga, USA Today, EA, HTC, Google, Nickelodeon, FOX, Verizon, BBC, Red Bull та багатьох інших, як для веб-, так і для кросплатформних додатків. Її роботи були відзначені Каннською премією, The Webbys, FWA, Асоціацією інтерактивного дизайну та The European Design Awards. Ірен була запрошеним спікером на численних конференціях, таких як OFFF та FITC, та викладала у престижних навчальних закладах, таких як Hyper Island у Швеції, SVA у Нью-Йорку, Elisava у Барселоні, Harbour Space у Барселоні та Академія дизайну в Нідерландах. Її персональні проекти були представлені на дизайнерських конференціях та фестивалях в Амстердамі, Антверпені, Парижі, Нью-Йорку, Сінгапурі та Тегусігуальпі. Родом з Амстердама, вона має ступінь бакалавра образотворчих мистецтв Художнього інституту Атланти та ступінь магістра наук з дизайну комунікацій Праттського інституту в Нью-Йорку. Наразі вона мешкає в Барселоні та очолює власну дизайн-студію Anton & Irene разом зі своїм креативним партнером Антоном Реппоненом.

________

Погортати книгу Universal Principles of UX: 100 Timeless Strategies to Create Positive Interactions between People and Technology на Google Books.

Захопливий погляд на відеоігри як форму мистецтва, за участю дизайнерів та творців, що отримали нагороди.

Videogames: Design / Play / Disrupt досліджує дизайн та культуру відеоігор з середини 2000-х років, досліджуючи новаторські сучасні дизайнерські роботи, креативні та бунтівні спільноти гравців, а також політичні дискусії, що визначають цей рух.

Зоряний склад авторів розглядає різноманітні ігри, від блокбастерів, таких як The Last of Us та Splatoon, та культурних явищ, таких як Minecraft, до менш мейнстрімових творів, таких як Consume Me, яка порушує складні питання сприйняття тіла та екстремальних дієт. Канадський академік та мінімалістичний дизайнер ігор Піппін Барр розглядає насильство у відеоіграх у своїй роботі над A Series of Gunshots; Кет Брюстер обговорює створення фан-арту та фанфіку у зв'язку з багатокористувацьким шутером від першої особи Overwatch; а феномен спільноти та косплею досліджує Філіппа Ворр через League of Legends та світовий фінал 2017 року в Пекіні. Тут також представлені рідко використовувані матеріали, зокрема ноутбуки дизайнерів, концепт-арт, прототипи та художні натхнення для таких ігор, як Journey, Kentucky Route Zero та No Man’s Sky.

Опублікована як супровід до великої виставки в Музеї Вікторії та Альберта в Лондоні восени 2018 року, ця публікація є справді знаковою, що вводить відеоігри в мейнстрім культурної критики та розміщує їх поруч із більш традиційними засобами творчого вираження.

Про авторів:

Марі Фоулстон — куратор відділу дизайну, архітектури та цифрових технологій у V&A.

Крістіан Фолсінг — куратор-дослідник відділу дизайну, архітектури та цифрових технологій у V&A.

Your portfolio is your first impression; it needs to draw our attention.

In this book, you'll find inspiration and global research, which will both open up your mind and surprise and impress your clients.

There are more than 300 images split between the following chapters:
-Traditional portfolio
-Digital portfolio

Thanks to the omnipresence of computers, cell phones, gaming systems, and the internet, a broad audience has traded its past reservations against technology for an almost insatiable curiosity for all things technical. Against this background, unprecedented new tools and possibilities are opening up for the world of design. In addition to sketchbooks and computers, young designers are increasingly using programming languages, soldering irons, sensors, and microprocessors as well as 3D milling or rapid prototyping machines in their work. The innovative use of powerful hardware and software has become affordable and, most of all, much easier to use. Today, the sky is the limit when it comes to ideas for experimental media, unconventional interfaces, and interactive spatial experiences.

A Touch of Code shows how information becomes experience. The book examines how surprising personal experiences are created where virtual realms meet the real world and where dataflow confronts the human senses. It presents an international spectrum of interdisciplinary projects at the intersection of laboratory, trade show, and urban space that play with the new frontiers of perception, interaction, and staging created by current technology. These include brand and product presentations as well as thematic exhibits, architecture, art, and design.

The comprehensive spectrum of innovative spatial and interactive work in A Touch of Code reveals how technology is fundamentally changing and expanding strategies for the targeted use of architecture, art, communication, and design for the future.

This second installment in TASCHEN’s advertising series joins Advertising Now! Print and the forthcoming Advertising Now! Films to provide a complete study of commercial communication in the world today. Divided into chapters by subject (from food and beverage to electronics, clothing, and more), this tome examines the most effective and important online ad campaigns by exploring the work of the globe’s top award-winning agencies, including DM9, Tribal DDB, OgilvyOne, LOWE Tesch, and 2020 London. With each chapter containing an article from one of the agencies, you’ll learn not only what the biggest campaigns are, but also what it takes to create them. From Nike to Coca Cola, FIFA, and the WWF, these are the ads that are defining the face of online advertising. The book will come with a DVD featuring the navigation of most of campaigns as well as interviews with creative directors and films produced for the internet.

Produced to celebrate agIdeas 2012, this book is an invaluable source of inspiration for anyone who buys design services, is a design educator, is considering a career in design, or is a design professional striving for excellence. Presented inside are profi les of the creative leaders who shared their insights at agIdeas 2012 International Design Week, other selected Australian designers who have been invited to showcase their work and the rising new stars of Australian design.

Through the range of programs for emerging and established designers, the business breakfast, the secondary school design forum, the research conference and the children’s workshop, and in the distribution of this book, agIdeas promotes the benefi ts of design to all groups in the community. At agIdeas 2012, more than 100,000 people will have been exposed to ideas and strategies that are helping make our world look and work better because of design. The Design Foundation is committed to raising awareness of the significant role design can play in enhancing business performance; the work featured is testament to the power and potential of good design. We encourage all businesses to capitalise on the ideas and expertise of skilled designers to help build business advantage

Blogging for Creatives is the first approachable, non-techie guide to the blogosphere, complete with hundreds of tips, tricks and motivational stories from artistic bloggers who have started from scratch. It covers everything creatives need to know about how to design a beautiful, interesting blog that people will want to return to again and again such as how to design, publish and host a blog, as well as keeping it fresh, staying motivated and forging connections with others in the field. Professional advice is highly illustrated with examples of successful blogs, broken down into succinct types that work, helping the reader to identify and develop the style of blog they want.