Мистецтво

National Portrait Gallery: The Collection is published to celebrate the reopening of the Gallery after a three-year redevelopment project.

Designed by Daniela Rocha, this engaging and inviting book takes the reader on a chronological journey through Britain’s history in portraiture, from the Tudors to Now, featuring the country’s most impactful and famous individuals, from Queen Elizabeth I to Mary Seacole, and Virginia Woolf to David Bowie. The book is richly illustrated with beautiful paintings, photographs, sculptures, drawings and digital works.

Readers will enjoy a selection of the most popular and recognisable portraits from the Collection, accompanied by short chapter introductions that introduce key historical periods, their most exciting figures, and their most important historical, political, social and cultural moments. This accessible structure allows the reader to dip into any of the beautiful portraits and their stories, and understand their place in British history.

An Introduction by Director Dr. Nicholas Cullinan will highlight why portraiture has been fundamental to people and society historically, but also to contemporary audiences, by exploring themes of culture, identity and the representation of diversity. This will also introduce readers to the nation’s newly reopened National Portrait Gallery, explaining how it came to be the nation’s home of portraits and the world’s most significant Collection of people.

About the Author:

Rab MacGibbon is Cross-Collections Curator at the National Portrait Gallery, London. He is the author of Icons and Identities (2021), and a contributor to Love Stories: Art, Passion & Tragedy (2020), Elizabethan Treasures: Miniatures from Hilliard to Oliver (2019) and The Lost Prince: The Life & Death of Henry Stuart (2012).

Dr Nicholas Cullinan is Director of the National Portrait Gallery, London.

New Surrealism: The Uncanny in Contemporary Painting by Robert Zeller offers a sweeping exposition of both historical Surrealism and its legacy in the world of contemporary art. It demonstrates the many ways in which the most significant art movement of the last century continues to be relevant today, featuring an international selection of contemporary artists whose compositions and studio practice reveal its influence.

There are many modalities of historical Surrealism that still maintain contemporary currency: presenting the familiar as unfamiliar and uncanny, the juxtaposition of seemingly unrelated imagery, the use of absurdity to critique political or social issues, and the use of erotic imagery in an irrational, non-linear context. Not all the artists brought together in this book self-identify as Surrealist, per se, but each uses some variation of Surrealism in a personal manner.

The book begins with a study of the origins, leadership, participating artists, and major milestones of historical Surrealism. Zeller chronicles the movement starting at the end of World War I and the birth of Dada. The most important players and events emerge throughout the timeline of events―including World War II, and such notable artists as Max Ernst, Marcel Duchamp, Leonora Carrington, and many others―up until the death of its leader Andre Breton in 1966.

Zeller then explores how elements of New Surrealism are being put into practice in the contemporary art world. Section Two offers a survey of 29 contemporary artists who engage in New Surrealism’s seemingly unlimited variations of the movement’s original themes, including Rosa Loy, Glenn Brown, and Arghavan Khosravi. Section Three features 14 artists, including important contemporary artists such as Inka Essenhigh, Ginny Casey and Anna Weyant, who speak to Surrealism’s influence on their studio practice, detailing in their own words how they create a composition from start to finish.

About the Author:

Robert Zeller is a visual artist and writer who received a BFA from a joint program of the Boston Museum School and Tufts University and an MFA from the New York Academy of Art. Following his bestselling The Figurative Artist's Handbook (2017), New Surrealism: The Uncanny in Contemporary Painting is his second book published by Monacelli Studio. He contributed a chapter about Surrealist photography to the exhibition catalog Photography: Real and Imagined (2024), profiling the permanent collection of the National Gallery of Victoria in Melbourne, Australia, and has also written for The Brooklyn Rail and other influential art periodicals and blogs. In 2009, he founded The Teaching Studios of Art, an in-person and online art school devoted to instruction in figurative art. Zeller maintains a studio practice in Brooklyn, New York, and is the recipient of two Posey Fellowships and a Pollock-Krasner Foundation Grant. He has curated group exhibitions and shown his own work at galleries in the United States and Europe.

У той час як скульптура залишалася центральною в його мистецькій практиці, інтереси Ісаму Ногучі (1904–1988) охоплювали надзвичайно широку територію, яка включала меблі та лампи, декорації для танців, площі, внутрішні дворики та сади. Ногучі не робив різниці між дизайном, ремеслом і так званим образотворчим мистецтвом: на його думку, усі вони можуть вважатися мистецтвом, якщо їхні естетичні якості значною мірою перевершують ті, що породжені простою адресою потреби.

Незважаючи на те, що його сади включають кілька найвідоміших ландшафтних проектів двадцятого століття і отримали майже загальну похвалу, Ногучі, тим не менш, займає місце, далеке від звичайної практики ландшафтної архітектури. Як митець він більше покладався на інтуїцію – підкріплену цілеспрямованим дослідженням, де це було необхідно – ніж на об’єктивний аналіз, і він формував свої пейзажі як скульптуру, з простором як основним транспортним засобом. Для Ногучі ландшафтний дизайн був просторовим і формальним мистецтвом, і від його перших екологічних проектів до творів його пізньої зрілості йому вдалося задумати та побудувати низку чудових місць.

У цьому всебічному та багато ілюстрованому дослідженні садів Ногуті відомий ландшафтний історик Марк Трейб описує та критикує проекти, які датуються його ранніми нереалізованими проектами дитячих майданчиків і пам’ятників у великому парку в Саппоро, Японія, будівництво якого було завершено лише посмертно. Розповідь починається з обговорення скульптури Ногуті, яка певним чином пов’язана з реальними пейзажами, потім переходить до танцювальних сценографій для Марти Грем, нарешті потрапляючи в царство справжніх пейзажів із його садами для офісів Reader’s Digest у Токіо та Будинку ЮНЕСКО в Парижі. Далі було багато інших проектів у Сполучених Штатах, Японії та Ізраїлі.

Кілька розділів, що відрізняються за своїм змістом і структурою, спільно розглядають такі теми, як рельєф, вода та подвір’я, тоді як інші монографічно зосереджуються на основних садах. У супроводі приголомшливих зображень з архівів Фонду Ісаму Ногучі та архівів Музею Саду, а також власних фотографій автора, історія Noguchi’s Gardens: Landscape as Sculpture винагородить тих, хто цікавиться ландшафтною архітектурою, історією мистецтва, садовим дизайном і мистецтвом у цілому.

Про автора:

Марк Трейб, почесний професор архітектури Каліфорнійського університету в Берклі, є істориком і критиком ландшафту та архітектури, який має багато публікацій на сучасні та історичні теми в Сполучених Штатах, Японії та Скандинавії. Книги, опубліковані ORO Editions, включають Landscapes of Modern Architecture; Austere Gardens; The Landscapes of Georges Descombes: Doing Almost Nothing; and Thinking a Modern Landscape Architecture, West and East; та недавнi The Aesthetics of Contemporary Planting Design та Serious Fun: The Landscapes of Claude Cormier.

Featuring breathtaking photographs of masks created by a renowned twenty-first-century craftsman, this book provides a unique perspective into noh and kyogen, two of the oldest surviving forms of theater in the world.

Kitazawa Hideta is a traditional Japanese master craftsman, Shinto-temple carver and mask maker for both classical noh and kyogen theater. This gorgeous volume features more than sixty of his performance masks, presented in striking full-page photographs that allow readers to appreciate their level of detail. These meticulous creations are carved from hinoki wood, decorated with layers of gesso-paint, and thin watercolor antiquing, and sometimes include materials such as horsehair and gold paint.

Readers are introduced first to classical and then to contemporary noh and kyogen masks and are invited into Hideta’s workshop to explore the characteristics of the wood he uses, and the processes of creating, restoring, and wearing the masks. An overview of the basic elements of noh and kyogen theater, and reflections from museums that have worked with Kitazawa, complete this vibrant, immersive journey that celebrates the work of a contemporary artist who is not only preserving a centuriesold theatrical tradition, but also remaking it for modern audiences.

About the Authors:

Jannette Cheong is a poet, playwright, and designer. She has collaborated with Oshima Noh Theatre, Richard Emmert, and Kitazawa Hideta for almost two decades. Uniquely, she has written three noh pieces in English: Pagoda (2009, 2011); Opposites-InVerse (2017), blending noh, opera and ballet; and Between the Stones (2020). She lives in London.

Richard Emmert is the founder and former artistic director of Theatre Nohgaku, which is dedicated to performing noh in English. He has worked in North America, Europe and Asia and has composed music in noh style for English, French, and Spanish language noh. Awarded the Koizumi Prize in 2019, he is Professor Emeritus of Musashino University. He lives in Tokyo.

Перша ілюстрована монографія про письменницю, журналістку та режисерку Нору Ефрон, провидця, яка створила «Коли Гаррі зустрів Саллі», «Безсонні в Сіетлі» та «У вас є пошта».«Візуальне відзначення особливого підходу сценариста-режисера до створення світу». (Vanity Fair)

Nora Ephron at the Movies пропонує невідфільтрований погляд на Ефрон як на захисницю rom-com і як на феміністичну першовідкривачку Голлівуду. Він досліджує її життя та роботу, поєднуючи детальну критику з ексклюзивними інтерв’ю з ключовими співробітниками Ефрона, зокрема Енді МакДауелл та Дженн Кейтін Робінсон, щоб додати колориту та нюансів її життю та спадщині.

Завдяки своєму унікальному голосу Нора Ефрон процвітала як домінантна сила в індустрії розваг, зосереджуючись на ідіосинкразіях романтики, які були повсюдно пов’язані.

Жінки в її оповіданнях були аналогічні реальності — покривало піднято, глянцевий блиск прибрано. Її герої поділяють непохитне почуття гумору щодо життєвих невдач, і вони ніколи не сприймають себе надто серйозно, як Джулі, яка намагається оволодіти мистецтвом приготування омарів у Джулі та Джулії, театральний фальшивий оргазм Саллі в гастрономі Каца у Коли Гаррі зустрів Саллі, або Рейчел, яка вдосконалює пиріг з лаймом, щоб кинути його в обличчя чоловікові-зраднику у Печії.

Завдяки своєму гострому самосвідомому гумору та напівавтобіографічним історіям Ефрон залишила після себе новаторську спадщину як улюблена журналістка, есеїстка, сценаристка, письменниця, продюсерка, режисерка та феміністка, яка розповідала історії про стійкість, вбудовані в гострий дотеп і високі пейзажі. Через цю призму вона стала емблемою романтичних коміксів, змінюючи та переосмислюючи розмови про складні стосунки та жінок, які їх мають.

This heartfelt tribute to Americas best-known, best-loved illustrator, first published shortly after his death in 1978 is an inspiring examination of Norman Rockwell's vision of America, one that is especially appreciated today.

Rockwell's famous Saturday Evening Post covers, the four Freedoms he painted during the years of World War II, his depictions of American towns, families, and traditions are all represented in this enchanting volume. They offer a picture of America that we hold dear, representing a world of hope and humanity.

Fred Bauer writes about Rockwell's message of optimism and the artist's faith in America and its people in a forthright and sympathetic text complemented by numerous Rockwell favourites in all their warmth and colour. Bauer visits Stockbridge, Massachusetts, and Arlington, Vermont, talking to the people who lived with Rockwell and posed for his anecdotal pictures, the people about whom the artist said, "If you are interested in the characters you draw and understand them and love them, why, the people who see your pictures are bound to feel the same way." This lovely book enables us to partake once again of that unique love and understanding that Norman Rockwell still communicates to America.

The first book on the brilliant yet little-seen drawings of Norman Rockwell — including side-by-side comparisons of his drawings and his finished paintings.

Before Norman Rockwell put paintbrush to canvas, he had a precise idea of what he wanted to create. A perfectionist and analytical thinker, Rockwell completed numerous preparatory drawings in the process of developing his paintings, much like the Old Masters before him. He worked in several stages, including thumbnail sketches and studies of particular details – culminating in a meticulous tonal drawing that served as a basis for the final painting. But Rockwell’s drawing was not only in the service of his painting: he also executed finished illustrations in pencil and charcoal; kept travel sketchbooks; and shared illustrated letters, caricatures, and comics with his family and friends.

This abundantly illustrated book reveals the entire scope of Rockwell’s work as a draftsman. It reproduces the full sequence of preliminary drawings (and reference photographs) that led up to some of his most famous Saturday Evening Post covers – and it also presents a generous sampling of his standalone drawings, many of them rarely published. The text, by curators at the Norman Rockwell Museum, illuminates and contextualises the different aspects of Rockwell’s drawing practice.

Norman Rockwell: Drawings, which accompanies an exhibition at the Norman Rockwell Museum, will be a must-have reference for artists and illustrators, and a delight for art lovers.

About the Authors:

Stephanie Haboush Plunkett is Deputy Director/Chief Curator of the Norman Rockwell Museum. She currently leads the Rockwell Center for American Visual Studies and has organized many illustration-based exhibitions, including Inventing America: Rockwell and Warhol; Rockwell and Realism in an Abstract World; The Unknown Hopper: Edward Hopper as Illustrator; William Steig: Love & Laughter; and Ephemeral Beauty: Al Parker and the American Women’s Magazine, 1940–1960; as well as the international traveling exhibition Enduring Ideals: Rockwell, Roosevelt & the Four Freedoms. Her most recent publication is Drawing Lessons from the Famous Artists School: Classic Techniques and Expert Tips from the Golden Age of Illustration.

Jesse M. Kowalski, Curator of Exhibitions, joined Norman Rockwell Museum in 2015. Since coming on board, he has curated Enchanted: A History of Fantasy Illustration; Hanna-Barbera: The Architects of Saturday Morning; Inventing America: Rockwell and Warhol; The Art & Wit of Rube Goldberg; Superheroes and Superstars: The Art of Alex Ross; and Never Abandon Imagination: The Fantastical Art of Tony DiTerlizzi, and is currently preparing additional exhibitions. Prior to joining Norman Rockwell Museum, Kowalski served as Director of Exhibitions at The Andy Warhol Museum, where he was employed for eighteen of the Museum’s 20 years, curating many of the Warhol Museum’s popular traveling and in-house exhibitions.

Louis Henry Mitchell is the Creative Director of Character Design for Sesame Workshop, where he directs and oversees all aspects of character art. Most recently, he designed Julia, the first Sesame Street character on the autism spectrum, from initial character illustration to final sculpted Muppet. Mitchell studied at the School of Visual and The Art Students League, and credits Norman Rockwell as a major inspiration in his desire to become an artist.

Mighty nature: The pioneering forms of Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe (1887-1986) was a major figure in modern American art for some seven decades. Importantly, her fame was not associated with shifting art styles and trends, but rather with her own unique vision, based on finding essential and abstract forms in nature.

O'Keeffe s primary subjects were landscapes, flowers, and bones, each explored in successive series over several years. Certain works went on for decades, producing 12 or more variations of an original image. Among these, O'Keeffe s magnified pictures of calla lilies and irises are her most famous. Enlarging the tiniest petals to fill an entire canvas, O'Keeffe created a proto-abstract vocabulary of shapes and lines, earning her the moniker mother of American modernism. In 1946, O'Keeffe became the first female artist to be given a solo show at the MoMA in New York.

This introductory book from TASCHEN Basic Art 2.0 traces O'Keeffe s long and luminous career through key paintings, contemporary photographs, and portraits taken by Alfred Stieglitz, to whom O'Keeffe was married. We follow the artist through her pioneering innovations, major breakthroughs, and her travels and inspirations in Southeast Asia, India, the Middle East, and, above all, New Mexico, where she was particularly inspired by the majestic landscapes, vivid colours and exotic vegetation.

About the series:

Each book in TASCHEN's Basic Art series features:

- a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance
- a concise biography
- approximately 100 illustrations with explanatory captions

Rizzoli із задоволенням повертає до друку першу книгу Шепарда Фейрі, опубліковану в 2006 році та дещо оновлену в 2009 році, OBEY: Supply and Demand, яка демонструє кар’єру художника від його перших років навчання в мистецькій школі до створення його знаменитих плакатів Obama HOPE and CHANGE і є ідеальним доповненням до першої спільної роботи Rizzoli з Шепардом Фейрі Covert to Overt.

Повернута до друку перша всеохоплююча монографія Шепарда Фейрі, яка розповідає про його ранні роки навчання в мистецькій школі, його вірусну кампанію наклейок Andre the Giant у 1990-х роках, створення надзвичайно успішного бренду одягу OBEY і його давню роль вуличного художника-активіста.

Про автора:

Shepard Fairey – американський сучасний вуличний художник, графічний дизайнер та ілюстратор, який прийшов зі сцени скейтбордингу. У 1992 році він отримав ступінь бакалавра образотворчого мистецтва з ілюстрації в Школі дизайну Род-Айленда. Він найбільш відомий своїм плакатом Барака Обами «Надія», який він створив на підтримку президентської кампанії 2008 року. Його роботи були включені до колекцій кількох музеїв, включаючи Смітсонівський у Вашингтоні, округ Колумбія; Художній музей округу Лос-Анджелес; Музей сучасного мистецтва, Нью-Йорк; та Музей Вікторії та Альберта, Лондон.

__________

Пролистать книгу OBEY: Supply and Demand 

Surrealism was one of the most influential art movements of the twentieth century. This book examines the dialogue between Surrealism and design and, for the first time, reveals the enormous influence the movement has had on design over the last hundred years. It has encouraged designers to question the reality beyond what is visible and to design objects that offer resistance, undermine routine, and disrupt the quotidian. The spectrum of examples ranges from Duchamp’s ready-mades and Dalí’s sensual object sculptures to works by designers like Carlo Mollino or Gae Aulenti and includes current designs that analyse new technologies or gender roles in subversive ways. Evidently, Surrealism has lost none of its relevance — for art as well as for design.

With works by Gae Aulenti, André Breton, Achille Castiglioni, Le Corbusier, Salvador Dalí, Marcel Duchamp, Dunne & Raby, Ray Eames, Max Ernst, Front Design, Iris van Herpen, Friedrich Kiesler, Shiro Kuramata, René Magritte, Lee Miller, Carlo Mollino, Isamu Noguchi, Odd Matter, Meret Oppenheim, Mimi Parent, Gaetano Pesce, Man Ray, Robert Stadler, Studio Wieki Somers, among others.

A clear, concise and detailed historical analysis of the eclectic and arcane visual and material culture of the occult

Searching for the philosophers’ stone in the pursuit of transmutation and immortality; harnessing the properties of the natural world to cast magic spells; seeking visionary experiences to connect with the spiritual world; conjuring demons to enact our desires; using the tarot and astrology to divine the future – the quest to understand the mysteries of the universe and to tap into its powers has fuelled manifold occult philosophies from the early esoteric traditions of the ancient Egyptians to the practices of modern occultists.

For hundreds of years, occult – or hidden – knowledge has been recorded in esoteric manuscripts, enshrined in illustrated grimoires, inscribed in stelae, incorporated in cryptic paintings and embodied in arcane ritual objects. Delve within these pages and pore over myriad intricate images, ornate manuscripts and intriguing ritual objects, and discover the meaning concealed within the secret ciphers, mysterious symbols and covert rituals of the occult.

Contents List:

Introduction: As Above, So Below
Foundations
1. Astrology
2. Alchemy
3. Kabbalah
Occult Philosophy
1. Natural Magic
2. Astral Magic
3. Ritual Magic
Occult Revival
1. Occultism
2. Tarot
3. New Age & Occulture

About the Author:

Peter Forshaw is a researcher interested in the history of alchemy, magic, Kabbalah, astrology, ritual activity and esotericism. He has a doctorate in Intellectual History and is Associate Professor of Western Esotericism in the Early Modern Period at the Centre for History of Hermetic Philosophy, University of Amsterdam. In addition to editing several volumes on occult and esoteric subjects, he is the author of The Mage’s Images: Heinrich Khunrath in his Oratory and Laboratory and served as editor-in-chief of Aries: Journal for the Study of Western Esotericism for 10 years. He has contributed to TV and Radio programmes including BBC Radio 4’s In Our Time series and Channel 5’s The Philosophers’ Stone – The True Story. His Instagram page of esoteric art attracts more than 58,000 followers.

Interdisciplinary artist Olaf Breuning depicts the world we live in with a keen sense of irony.

Born in Switzerland and now based in New York, Olaf Breuning works in a variety of media including photography, video, installation, drawing, and painting. Testing the limits of humor and contemporary aesthetics, Breuning’s photo-collages, sculptures, paintings, and comics are simultaneously funny and provocative, absurd and eerie, tragic and fragile. His work provides ironic commentary on the clichés and trappings of our time.

The NRW-Forum Düsseldorf, an international cultural center focusing on contemporary photography and visual art, is presenting an Olaf Breuning retrospective in the summer of 2016. This publication accompanies the exhibition. Documenting a cross section of Breuning’s extensive work, it provides a compelling overview of his oeuvre.

Samurai warriors and heroes are illustrated by the greatest ukiyo-e masters.

This book is full of great samurai warriors and heroes in Ukiyo-e masterpieces. It showcases various samurai warriors and heroes, including the Genji and Heike clans (hereditary clan names bestowed by the emperors of the Heian period), samurai warriors of the Sengoku period (a century-long period of political upheaval and warlordism in Japan), the swordsman and poet Miyamoto Musashi, Eight Dog Warriors from the novel The Eight Dog Chronicles written in the Edo period, Jiraiya (the toad-riding Ninja character from Japanese folklore), Forty-seven Ronin, the Chinese hero Guan-Yu, and more.

All the illustrations are by legendary ukiyo-e artists such as Hokusai, Hiroshige, Kuniyoshi and Yoshitoshi. Vigorous and powerful characters illustrated in vibrant and dynamic compositions are simply overwhelming and stunningly beautiful. If you love samurai and ukiyo-e, this follow-up to the bestselling book, Something Wicked from Japan, is for you. This is also the perfect reference book for tattoo artists.

About the Author:

Ei Nakau is a member of the executive board of the International ukiyo-e Society, ukiyo-e collector, abstract artist and businessman from Kobe, Japan.

Багата, яскраво ілюстрована розповідь про історію та джерела манги

Останніми роками манґа досягла феноменального світового успіху й не має жодних ознак сповільнення. Незважаючи на те, що ця форма графічного мистецтва може здатися читачам за межами Японії сучасною, манга є плодом давньої художньої традиції. Манга, якою ми її знаємо сьогодні, глибоко вкорінена в стародавній японській культурі, і її сліди можна знайти в розписах храмів сьомого століття, складних ширмах, прикрашених комічними персонажами, і розписних сувоях. Більш звичні сучасні комікси про мангу, орієнтовані на широку аудиторію як дорослих, так і дітей, повторюють схожі теми та спираються на форми розповіді з усієї багатої історії Японії.

Ця книга охоплює історію манги у всій її пишноті та розмаїтті. Від основоположної манги Хокусая 1814 року до творів Тедзуки Осаму, що формують жанр, від доброзичливих привидів і монстрів, створених Мідзукі Сігеру, до величезних франшиз, таких як One Piece і Demon Slayer, охоплено кожен період. One Thousand Years of Manga — це багата документальна розповідь і візуальна насолода, наповнена понад 400 ілюстраціями, які демонструють, як цей масовий носій став ключовим аспектом японської культури, якою тепер насолоджується весь світ.

Список вмісту:

1. Походження Manga
2. Магія сувою: від найдавніших карикатур до появи коміксів
3. Народження японської гравюри: Золотий вік карикатури
4. Поява нового типу карикатури: Японія відкривається Заходу
5. Підйом коміксів до Другої світової війни
6. Тезука Осаму: «Бог» сучасної манги
7. Манга сьогодні
8. Вибрані портрети художників манги
9. Від манги до аніме: робота Studio Ghibli
10. Зворотні впливи

Про автора:

Бріжит Кояма-Річард — професор порівняльного літературознавства та історії мистецтва в Університеті Мусасі в Токіо. Вона опублікувала кілька робіт про Японію, зокрема L’Animation japonaise, і регулярно співпрацює з Les Nouvelles éditions de la Scala, що спеціалізується на мистецтві та японській культурі.

_________

Останніми роками манга досягла феноменального успіху не лише в Японії, де вона домінує у видавничій галузі, а й на Заході, де її популярність і вплив постійно зростають. Якою б швидкою та раптовою не здавалася популярність цього виду графічного мистецтва, насправді манґа має глибоке коріння в японській культурі, спираючись на багатовікові мистецькі традиції. Ще в дванадцятому столітті існували сувої Емакімоно — форма розповіді, у якій усілякі історії — романтичні, фантастичні й навіть комічні — розповідалися за допомогою комбінованого використання тексту й ілюстрації. Японське мистецтво продовжувало змінюватися, оскільки глибокі політичні, соціальні та економічні перетворення перебудовували країну в наступні століття. Сьогодні майже немає сумнівів ні щодо значення терміну «манга», ні щодо вражаючої популярності форми, — але мало хто на Заході розуміє довгу мистецьку історію, яка породила це явище, і соціальні фактори, які продовжують формувати його сьогодні. «Тисяча років манги» — це водночас інформативна розповідь про генезис форми та візуальне задоволення.

Завдяки захоплюючим ілюстраціям і повчальному тексту книга розміщує манґу в її належному контексті, оцінюючи її такою, якою вона є насправді: невід’ємною частиною японського мистецтва та культури, яка настільки ж багата й показова, як і популярна.

Experience the passion and drama of the world's greatest operas with this sumptuously illustrated visual guide.

Immerse yourself in more than 400 years of the world's most celebrated operas and discover the fascinating stories behind them. Explore the lives of singers such as Maria Callas, Luciano Pavarotti, and Jonas Kaufmann. Meet composers like Mozart, Wagner, and Britten, and the librettists with whom they collaborated to create the magical blend of words and music that make up opera.

From its origins in the 17th-century courts of Italy to live screenings in public spaces today, Opera: The Definitive Illustrated Story follows the history of opera from Monteverdi's L'Orfeo in 1607, to Cosi fan Tutte, La Bohème, and modern operas such as Brokeback Mountain. It explains musical terminology, traces historical developments, and sets everything in cultural context.

This awe-inspiring opera book further features:
-Includes all of the most important operas from the Renaissance to the 21st century
-Profiles the key composers, librettists, performers, and companies, with details of their lives, works, and influence
-Arranged in chronological order to show the evolution of the genre
-Clear, informative explanation of musical terminology and different types of opera

Filled with photographs of all the key figures and performances, this book revels in the sets and costumes that make up the grand spectacle of opera. It also explores the great opera houses of the world, such as La Scala, Milan, the Met in New York, and the Sydney Opera House. Opera: The Definitive Illustrated Story is the essential book for anyone who wants to understand and enjoy the constantly evolving world of this beloved art form.

Did you know that there are more than 25,000 opera performances per year worldwide? Opera: The Definitive Illustrated Story can be regarded as the most lavishly illustrated history of opera currently available, covering all of the most important operas from the Renaissance to the 21st century, and is completely global in scope. A must-have volume for opera buffs, whether as a gift or self-purchase, if you're a music lover looking for an accessible introduction to opera, then this is the book for you!

About the Authors:

Alan Riding is a former European arts correspondent of The New York Times and author of several books.
Leslie Dunton-Downer is a librettist who has collaborated with leading composers, conductors, and directors.

_________

Пролистать книгу Opera: The Definitive Illustrated Story на Google Books