Мистецтво

Цей новий, витончений, вичерпний довідник надихне та навчить художників, як поводитися з сучасними акриловими фарбами інноваційним та індивідуальним способом.

Акрилові фарби перетворилися на найбільш адаптивний художній матеріал для сучасної епохи. Розвиток пігментної індустрії надав акриловим фарбам надзвичайно стійку, багату та ряснішу палітру, що зробило їх улюбленим матеріалом багатьох сучасних художників. У міру розробки кольорів їхні хімічні компоненти також покращуються для кращої текстури та обробки.

Постачальники художніх матеріалів тепер пропонують акрилові матеріали для розведення, загущення, глазурування, формування, заливання, текстурування та десятків інших застосувань. Навіть досвідчені художники, що працюють з акриловими фарбами, можуть бути спантеличені – навіть залякані – цим приголомшливим розмаїттям продуктів. Художниця та експертка з художніх матеріалів Рені Таухід спрощує цю складну тему, чітко пояснюючи кожен тип матеріалу та пропонуючи способи, якими він може покращити вашу практику малювання.

Понад двадцять покрокових демонстрацій навчать вас, як застосовувати матеріали для створення яскравих кольорів, чуттєвих поверхонь та вражаючих візуальних ефектів. Сотні чудових фотографій ілюструють майже безмежний потенціал художніх матеріалів та показують, як інші художники – як абстрактні, так і реалістичні – використовують ці матеріали, щоб просувати своє мистецтво в нових творчих напрямках. Ця книга, перша у своєму роді, є важливим довідником, який має бути на полиці кожного художника, що пише акрил.

Включає роботи сучасних майстрів: Ніка Бантока, Даян Блек, Бруно Каполонго, Полін Конлі, Марка Куртеманша, Марі-Клода Делькур, Клер Дежарден, Маріон Фішер, Гізер Гейнс, Лорени Клостербур, Сьюзі Ламонт, Марі Ланну, Конні Морріс, Баррі Орецкі, Лорі Річардс, Гестер Сімпсон, Ксенії Сізаї, Рені Таухід, Аліси Тейхерт, Бет тен Хоув, Шарлені Вуд та Гізер Мідорі Ямада.

Цей новий, вишуканий, всебічний довідник надихне та навчить художників, як поводитися з сучасними акриловими фарбами інноваційним та індивідуалізованим способом.

Music from the punk era transformed the world of music. If you could play three chords, you could make records. You didn’t even need a record label. You could start your own.

The same thing happened in graphic design. All you needed were a few sheets of Letraset and access to a photocopier, and you could make your own record covers. And lots of people did just that.

Action Time Vision: Punk & Post-Punk 7" Record Sleeves is a celebration of DIY graphics from the punk and post-punk eras. You might call it outsider graphic design.

With a few exceptions, trained designers rarely did 7” singles covers for this notoriously shouty and aggressive music. Apart from a few covers done by Barney Bubbles and Peter Saville, most punk and post-punk covers were designed by band members, label owners or friends.

Few of the sleeves showcased here are beautiful in the normal sense of the word. But they all have an urgency and an exhilarating disregard for design conventions that makes them exceptional. They are all clarion calls for independence and freedom from pop industry norms.

The work in this book is culled from the record collections of designer (and Unit Editions co-founder) Tony Brook, and leading punk scholar Russ Bestley. As one of the world’s leading authorities on punk and post-punk music, Russ has contributed an insightful essay to the book.

The book also features interviews with designer Malcolm Garrett, Mute founder Daniel Miller and Sniffin’ Glue editor and musician Mark Perry.

Costume jewellery is commonly understood to mean fashionable yet affordable adornments made from non-precious material. Originating in in mid-1700s France with the rise of the bourgeoise, the earliest ‘costume jewellery’ mimicked fine jewellery styles. Since then, costume jewellery has always been evolving. From Victorian sentimentalism to the mass-produced ornaments available today, costume jewellery has developed into an artform in its own right. An encyclopaedic study of its history is long overdue. Flush with expert information, identification tips and historical anecdotes, Adorning Fashion explores the development of costume jewellery across the past four centuries. The styles of each era – Victorian, Edwardian, Arts & Crafts, Jugenstil, Art Nouveau, and each decade of the twentieth century – are given individual attention. Production methods are also explained in depth. Alloys and gilded electroplating can mimic silver and gold, while the refraction index of treated glass can, to the untrained eye, be mistaken for diamond.

Adorning Fashion discusses the contributions of a remarkable roster of designers and innovators, including Kokichi Mikimoto, Arthur L. Liberty, Carlo Giuliano, René Lalique, Elizabeth Bonté, the Castellani brothers, Jean Fouquet, Jean Després, Fulco di Verdura, Jean Schlumberger, Salvador Dalí, Miriam Haskell, Lina Baretti, Countess Cissy Zoltowska, Line Vautrin, Kenneth Jay Lane, Francisco Rebajes, Diane Love, Christian Dior, Balenciaga, Chanel, Van Cleef & Arpels, Paco Rabanne, Yves Saint Laurent, Napier, Haskell, Trifari, Brania, Bulgari, Versace and more.

- Definitive, comprehensive overview of costume jewellery
- Follows the evolution of costume jewellery from bourgeois France to the present day
- Lavishly illustrated reference book - a must-buy for jewellery enthusiasts and fashion historians
- Includes a remarkable range of designers including Lalique, Fouquet, Dior, Balenciaga, Versace and many more

About the Author:

Deanna Farneti Cera has been researching and writing on the subject of vintage jewellery for over thirty years. An international expert on European and American fashion jewellery, Deanna was the curator and acting Vice Director at the Municipal Gallery of Modern Art in Bologna from 1975-1980, and has curated the exhibitions Le giolie di Hollywood - American Designers of Fashion Jewellery 1920-1960 (1987) and Jewels of Fantasy (1991). She wrote the book Bijoux (Federico Motta Editore, 2010), which was translated into Costume Jewellery (UK Edition) and Amazing Gems (US Edition). Deanna lives and works in Mila

__________

Пролистать книгу Adorning Fashion: The History of Costume Jewellery to Modern Times

The definitive catalogue of an unparalleled collection of Indian jewelry and luxury objects made at the height of the Mughal empire and the Deccan sultanates.

This is the definitive catalogue of an unparalleled collection of Indian jewelry and jewelled luxury objects made at the height of the Mughal empire and Deccan sultanates in the 16th and 17th centuries. The collection, widely regarded as one of the finest in the world, was assembled by Sheikh Nasser and Sheikha Hussa al-Sabah for The al-Sabah Collection, Kuwait, and reveals the beauty, sophistication and diversity of Indian jewelled arts.

The Indian subcontinent is naturally rich in gems. From ancient times master jewellers developed a wide array of unique techniques and made it home to the most sophisticated jewels on earth. Exotic birds and animals, flowers, trees and mythological scenes rendered in precious gemstones, gold and enamel demonstrate these artists’ prodigious imagination and skill. They produced not only an unmatched range of jewelry to adorn the body but also ritual and household items of astonishing refinement and luxury, as well as extravagantly large engraved gemstones to serve as symbols of their princely patrons’ royal power – including a spinel of nearly 250 carats believed to be the legendary Timur Ruby.

This volume includes not only the finest and most valuable pieces in the collection – some familiar to connoisseurs, others published here for the first time – but also many previously unknown types that extend our understanding of artistic output in the region. With specially commissioned photography giving unprecedented new views of more than 300 jewelled objects, this is a publication of historic importance and beauty, for all lovers of jewelry, the arts of India and of the Islamic world.

About the Author:

Salam Kaoukji is curator and collection manager of The al-Sabah Collection, Kuwait, and an editor of Thames & Hudson’s long-running and acclaimed series of catalogues. Her previous books include Precious Indian Weapons and other Princely Accoutrements (2017) and Treasury of the World: Jewelled Arts of India in the Age of the Mughals (with Manuel Keene, 2001).

Це друга велика монографія, присвячена всесвітньо відомому колективу російських художників: AES+F.

З 1987 року AES+F працюють на стику живопису, скульптури, фотографії, відео та нових технологій. Вони отримали всесвітнє визнання в Російському павільйоні на 52-й Венеційській бієнале в 2007 році з їх провокаційним, неземним Last Riot (2007), першою з їхніх фірмових великомасштабних багатоканальних відеоінсталяцій. Завжди розширюючи межі своєї практики, між 2016 і 2019 роками колектив також працював над декораціями відео для театру та опери.

Том проллє світло на психоаналітичний підхід, який лежить в основі їхньої мови та провокацій, спрямованих на те, щоб спонукати глядача до процесу саморефлексії, змінюючи його сприйняття світу та суспільства. Їхня візуальна подорож буде розділена на три хронологічні частини, що відповідають найбільш значним змінам у їхній концептуальній еволюції та охоплюють їхню практику з 1995 по 2020 рік.

Том включає внески Тіни Р. Раян і Брук Л. Макгоуен, Тома Мортона та Хоу Ханру.

Про автора:

Сільвія Буріні є директором Центру досліджень російського мистецтва (CSAR) Університету Ка’ Фоскарі у Венеції.Джузеппе Барб’єрі – повний професор історії сучасного мистецтва Венеціанського університету Ка’ Фоскарі та керівник кафедри філософії та культурної спадщини.

Остаточна та дебютна публікація катарської колекції ARAK Collection, яка містить понад 4000 робіт художників із Африки на південь від Сахари.

У книзі представлені твори понад 100 художників колекції. Він служить основним рамковим текстом для колекції ARAK і надає вкрай необхідний погляд на сучасне мистецтво континенту. Завдяки колекції ARAK можна отримати динамічне, колективне бачення Африки.

Упорядковане відповідно до вибірково визначених тем абстракції, портрету та місця, кожна з яких супроводжується контекстуальним есе мистецтвознавця та теоретика культури Ашрафа Джамала, публікація також містить короткі інформативні тексти про кожного художника, написані Джамалом, куратором і дослідником Неомою Анжелою Окорі та істориком мистецтва та письменником Барнабасом Тіча Мувхуті.

Завдяки виваженим редакторським рішенням і захоплюючій прозі African Art: The ARAK Collection» ставить африканське мистецтво та, власне, сам континент у центр світу, і демонструє, чому решта світу починає зміщувати увагу на творчість африканських художників.

Про авторів:

Ашраф Джамал – старший науковий співробітник Дослідницького центру візуальної ідентичності в мистецтві та дизайні Університету Йоганнесбурга. Він колишній редактор Art South Africa та Art Africa.
Ннеома Анджела Окорі є куратором, письменницею та дослідницею, яка зараз живе в Аккрі, Гана. Її кураторська та дослідницька практика зосереджена на вивченні нових форм демонстрації та обговорення з використанням візуальних, текстових, активаційних, аудіо чи архівних матеріалів.
Барнабас Тіча Мувгуті — письменник та історик мистецтва з Кейптауна, який досліджує маргіналізованих чорношкірих сучасних художників-вчителів у Зімбабве та практики сучасних митців африканського континенту та його діаспорних спільнот.

Ця колекція проектів «батька сучасного орігамі» містить детальні інструкції до 60 оригінальних робіт майстра.

Майстер орігамі Акіра Йошізава був справжнім новатором, який відіграв ключову роль у відродженні орігамі в сучасному світі. Він служив мостом між минулим і сьогоденням – між давнім традиційним ремеслом і розвитком орігамі як сучасної практики – винаходячи нові техніки та зберігаючи традиційні японські форми. Фактично, система позначень діаграм, яка широко використовується сьогодні для позначення того, як складаються моделі, була розроблена головним чином ним. Перш за все, Йошізава відповідав за піднесення орігамі до статусу виду мистецтва.

Ця чудова книга про орігамі є першим всебічним оглядом надзвичайної роботи Акіри Йошізави. Окрім 60 моделей з його приватної колекції, вона містить понад 1000 оригінальних малюнків художника та англійські переклади його творів японською мовою про орігамі, всі з яких публікуються тут вперше.

Проекти орігамі включають:

- Койноборі та шолом
- Метелики всіх видів
- Казкові корони та шапки
- Маска лева
- Маски тенгу
та багато іншого!

Akira Yoshizawa також містить пояснення особистої філософії орігамі Майстра вдовою Йошізави, Кійо Йошізавою, та проникливий вступ від Роберта Ленга, провідного художника та представника мистецтва орігамі на Заході.

Про автора:

Акіра Йошізава, народжений у 1911 році, є батьком сучасного орігамі. Публікація його першої колекції моделей на початку 1950-х років викликала велику сенсацію. У 1954 році він заснував Міжнародний центр орігамі в Токіо. У 1955 році його оригінальні роботи вперше були представлені на виставці в Амстердамі, надзвичайно успішній події, яка познайомила його із Заходом. Саме в ці роки він розробив систему позначення, засновану на серії символів та графічних знаків, що позначають різні типи складок, і таким чином створив метод, який пізніше був прийнятий багатьма художниками орігамі та використовується донині. У наступні десятиліття Йошізава складав та викладав орігамі, публікував книги про це мистецтво та брав участь у незліченних заходах міжнародного масштабу. Зі зростанням його слави по всьому світу його почали вважати найвидатнішим представником цього мистецтва, піонером багатьох технік, що використовуються в сучасному орігамі. Йошізава помер у 2005 році, в день свого 94-го дня народження.

Alan Chan, the renowned designer with an impeccable eye for Asian artifacts, has amassed a remarkable collection of over 10,000 exquisitely designed and crafted pieces.

This rare personal insight into the influences and inspirations behind acclaimed Hong Kong designer and collector Alan Chan gives an intimate view of the collection of objets he has fastidiously assembled throughout his life, and the creative process they have informed.

The pioneering, award-winning, and self-taught designer is known for his inventive and innovative designs. Effectively organized by theme, from tea to dragons, and with an emphasis on objets produced for China Trade, many of the elegant pieces photographed for this book showcase Chan’s insatiably inquiring mind. They offer insights into how his passion for collecting drives his characteristically whimsical signature take on East and West, tradition and innovation, where there is always a twist of the unexpected. Part autobiography, part reflection on creativity, it is full of insights into Chan’s remarkable design process, making it a treat for the eyes and a valuable resource for new and established designers alike.

About the Authors:

Catherine Shaw is an independent architecture, design, and art critic and published author. Trained as an urban planner, she has written extensively on urban development and arts and crafts in Asia. Aric Chen is an independent curator and writer based in Shanghai. He is professor and founding director of the Curatorial Lab at the College of Design and Innovation, Tongji University, and was formerly the lead curator for Design and Architecture at M+, Hong Kong.

This stunning two-volume set evokes the differences, as well as the affinities, between the works of groundbreaking artists Yves Klein and Alberto Giacometti.
 
Volume one of this beautiful new book features archival images of both artists among new texts by curator Joachim Pissarro and others, as well as never- before-translated texts by Isaku Yanaihara, Dino Buzzati, and Pierre Descargues. Detailed illustrated chronologies for each artist complete volume one, while the colourful second volume includes colour plates of all the works displayed during Gagosian Gallery’s 2016 London exhibition of the same title, as well as installation images.

About the authors:

Joachim Pissarro is the Bershad Professor of Art History and Director of the Hunter College Galleries at Hunter College in New York City. He was a curator at MoMA’s Department of Painting and Sculpture. 

Danielle Peterson Searls is an art historian specializing in French Modernism, Romanesque art, and Islamic textiles. 
Catherine Grenier has been the director of the Fondation Giacometti since 2014. She has organized several major exhibitions of Alberto Giacometti’s work. 

Daniel Moquay is director of the Yves Klein Archives. He has organized more than forty retrospective exhibitions of Klein’s work and published more than thirty books on the artist. 

Cecilia Braschi is an art historian and former researcher at the Fondation Alberto et Annette Giacometti (2005–2011). She has curated exhibitions of and written extensively on Alberto Giacometti. 

Richard Calvocoressi is the former curator at the Tate Gallery, London (1977–1983), as well as the former director of the Scottish National Gallery of Modern Art (1987–2007) and of the Henry Moore Foundation (2007–2015).

Ця книга, що є всебічним оглядом творчості легендарного швейцарського художника, ілюструє та досліджує понад 100 його скульптур, картин, малюнків та гравюр.

Ця щедро ілюстрована ретроспектива простежує ранній та середній період кар'єри видатного швейцарського художника Альберто Джакометті (1901–1966), досліджуючи становлення його самобутнього фігуративного стилю через такі роботи, як серія чоловіків, що йдуть, видовжених жінок, що стоять, та численні бюсти. Рідкісні картини та малюнки періоду його становлення показують значення пейзажу в творчості Джакометті, а також розкривають вплив художників-постімпресіоністів, які оточували його батька, художника Джованні Джакометті. Інші сфери досліджень, на які Альберто Джакометті проливає нове світло, - це його студійна практика, щедро ілюстрована фотографіями, його одержима зосередженість на зображенні людської голови, його співпраця з поетами та письменниками, а також його розвиток скульптури людини, що йде, завдяки численним малюнкам, багато з яких ніколи не виставлялися. Оригінальні есе фахівців з сучасного мистецтва та Джакометті проливають нове світло на скульптурні шедеври, що визначили епоху, зокрема «Людину, що йде», «Ніс» та «Колісниця», або на ключові аспекти його творчості, такі як значення сюрреалізму, його практика малювання чи питання простору.

Про автора:

Емілі Бувар — директор колекцій та наукової програми Фонду Джакометті, Париж.

Відкрийте для себе малюнки Альбрехта Дюрера, одного з найвидатніших художників епохи Відродження, відомого як неперевершений живописець і кресляр з гострим оком до світу природи.

За життя Альбрехт Дюрер досяг величезного успіху як живописець і гравер, виконуючи замовлення у таких видатних діячів, як Фрідріх Мудрий та імператор Священної Римської імперії Максиміліан I. Його малюнки та етюди свідчать про його інтерес до людських пропорцій, анатомії та перспективи. У цій книзі представлені малюнки Дюрера з видатної колекції музею Альбертіни, включаючи сімейні портрети, етюди тварин і рослин, а також етюди людського тіла. У цій книзі представлено понад 100 малюнків Дюрера, включаючи «Зайця», «Автопортрет у віці 13 років» та «Меленколію I», а також картини та гравюри. Книга містить наукові есе та чудово відтворені роботи.

Про автора:

Крістоф Мецгер — спеціаліст з Дюрера та головний куратор музею Альбертіни у Відні.

__________

Погортати книгу Albrecht Dürer

Тепер доступний у новому виданні, цей щедро ілюстрований том спирається на найновіші дослідження, щоб представити захопливу нову інтерпретацію Альбрехта Дюрера, як людини, так і як художника.

Графки та малюнки Альбрехта Дюрера надихнули сотні художників як за його життя, так і після смерті. Однак його талант художника та колориста, а також його захоплення науковим світом не були широко оцінені.

Вплив Дюрера був як міжнародним, так і міжпоколінним — навіть Пікассо стверджував, що його надихав художник 16-го століття. Відтворена з приголомшливими деталями та включаючи ілюстрації найвідоміших гравюр та малюнків Дюрера, каталог-резонсе його картин та біографічне дослідження, ця книга представляє Дюрера для 21-го століття. Створивши більше автопортретів, ніж будь-який інший художник свого часу; масово просуваючи свої бестселери; навіть винайшовши власний логотип з монограмою, Альбрехт Дюрер був комерційно проникливим задовго до сучасного покоління саморекламних та фінансово підкованих художників.

Існує 55 збережених картин Дюрера, з яких 17 є предметом суперечок. Використовуючи наукові дослідження, ця книга розвіює всі суперечки, що призводить до остаточного каталогу картин. Спираючись на глибоке дослідження, ця книга розкриває правду про Дюрера та його мистецтво.

Про автора:

Норберт Вольф — історик мистецтва та письменник, який мешкає в Мюнхені. Він опублікував кілька книг у видавництві Prestel, зокрема Art Nouveau, Art Deco, Impressionism та The Golden Age of Dutch and Flemish Painting, а також монографії про Альбрехта Дюрера та Тиціана.

_____________

Погортати книгу Albrecht Durer: Catalogue of the Paintings

Ще до появи власне поп-арту, Алекс Кац розробив культовий стиль фігуративного живопису на початку 1960-х років, під впливом кіно, телебачення та реклами на білбордах. Здавалося б, відсторонений та неймовірно стильний, він створював як портрети нью-йоркської сцени, так і ідилічні пейзажі. Гравюра відіграє не менш важливу роль у творчості Каца. Він використовує літографії, офорти, шовкографію, гравюри на дереві та ліногравюри, щоб відтворити, відобразити та ще більше пом'якшити свою сміливу естетику, зберігаючи при цьому сяючий колір, характерний для його картин. З моменту першого видання у 2011 році Кац майже подвоїв свою продукцію друкованих видань — це своєчасне нове видання включає його повні друковані роботи, видання з вирізами, книги художників, а також перелік його робіт прикладного мистецтва, таких як книжкові ілюстрації та проекти публічного мистецтва.

Нові есе та інтерв'ю з художником дають глибоке розуміння творчості одного з найвидатніших американських художників сучасності.

Про автора:

Коли Алекс Кац (*1927, Нью-Йорк) розпочав свою мистецьку кар'єру в 1950-х роках, панівним стилем був абстрактний експресіонізм. Випереджаючи свій час, він створював стилізовані портрети на плоскому, монохромному тлі. З 1965 року він розпочав плідну кар'єру в друкарстві, вичерпавши всі можливості: від традиційної майстерності до найсучасніших процесів репродукції.

Давнє захоплення Алекса Каца танцем та співпраця з відомими драматургами та хореографами призвели до створення деяких його найскладніших композицій.

Відтоді, як Алекс Кац вперше намалював «Пола Тейлора» у 1959 році, він запрошував танцюристів бути йому моделями. Танець, за словами художника, належить до тієї ж «давньої традиції жестів», що й живопис. Ця публікація є першою, яка досліджує багато десятиліть роботи Каца для сцени, включаючи способи, якими він впроваджував принципи повоєнного живопису в театр та танцювальну естетику.

«Я ніколи не бачив нічого подібного», – згадує Кац про своє перше знайомство з творчістю танцюриста та хореографа Пола Тейлора. Вони співпрацювали над п'ятнадцятьма постановками, для яких Кац впровадив інновації з плоским освітленням, гумористичними перешкодами та механізмами кадрування. Його співпраця з Полом Тейлором призвела до співпраці з іншими компаніями, включаючи Йошіко Чума, Лору Дін, Вільяма Дюнаса та Парсонс.

Серед найвідоміших декорацій Каца – ансамбль фігурок, які він створив для постановки Кеннета Коха 1961 року «Джордж Вашингтон перетинає Делавер». Кац посилив абсурдність п’єси, натхненної Війною за незалежність, за допомогою фігурок та реквізиту, що прилягають до поп-стилю. Ця публікація об’єднує картини, ескізи, костюми, фотографії, кадри з фільмів та ефемерні експонати. Нещодавно замовлені есе, неопубліковані матеріали та основні картини нададуть огляд робочих стосунків Каца з окремими хореографами та проллють нове світло на авангардну співпрацю в Нью-Йорку між 1960-ми та 80-ми роками.

Про авторів:

Діана Туїт працювала куратором сучасного та сучасного мистецтва імені Каца в Музеї мистецтв Коледжу Колбі у Вотервіллі, штат Мен. Чарльз Л. Рейнхарт багато років був директором Американського фестивалю танцю. Девід Салле – американський художник, гравер, фотограф та сценограф. Дженніфер Тіптон — американська дизайнерка освітлення, що отримала численні нагороди. Роберт Сторр — американський куратор, критик, художник і письменник. Жаклін Террасса — директорка імені Керолін Маззі Музею мистецтв коледжу Колбі.

____________

Погортати книгу Alex Katz: Theater & Dance

This eagerly awaited first monograph focuses on Alexander Ponomarev, one of Russia's most eminent and singular contemporary artists.

Alexander Ponomarev is one of Russia's most widely known contemporary artists, renowned both at home and abroad. In 2014, he was featured in Time magazine as one of the 100 Leading Global Thinkers thanks to the vast range of devices he employs to express his ideas, such as drawings, vast, complex installations, and a variety of technologies. He also captures some of the planet's most extreme and least accessible landscapes, symbolizing what he views as a world that is "culturally and morally adrift."

The themes he tackles are those he considers of critical relevance to today's world: the rapport between science and art, the exploration of the Arctic and Antarctic, the retrieval of ancient engineering traditions vs. today's advanced technologies, and the crucial and urgent issue of climate change.

The volume includes two ample introductory essays describing his position in the Russian context of art production over the twentieth and twenty-first centuries and his roots in the artistic and humanist culture of the early modern era (Vitruvius, Leonardo, Titian, and the major geographical explorations, etc.).

About the Author:

Silvia Burini is director of the Center for the Studies of Russian Arts (CSAR) at Ca' Foscari University in Venice. Giuseppe Barbieri is full professor of history of modern art at Ca' Foscari University. He has authored and curated over forty books and organized numerous exhibitions.