Мистецтво

Coupling defeat and despair with rebellious humor, Danish artist Peter Linde Busk explores the grotesque conditions of human existence. Populating his works with tragic and awkward figures like fallen heroes, jesters, or outlaws in abstract spaces of detailed ornamentation, his figurations are  meticulously composed using a great variety of textures and techniques, and often incorporate random material relics from previous works. Similarly, his titles are wry quotes or poetic fragments: it is from Rilke that Peter Linde Busk has borrowed the title of the book, Who speaks of victory? To endure is all. 

This richly illustrated monograph features a major essay by art historian Maria Fabricius Hansen juxtaposing Linde Busk’s work with medieval mosaics and the grotesques of Renaissance art. A catalogue raisonné of works from 2015 to 2022 is supplemented by short prose texts and a playlist by writer Minna Grooss that suggests a sound track to the materially emphatic works by Linde Busk.

About the Author:

Peter Linde Busk (*1973, Copenhagen) is one of the most renowned Danish artists of his generation. Educated in London, New York and Düsseldorf and working in multiple media such as painting, sculpture, relief, and mosaic, a central theme of his work is seeing the beauty and value in what is normally considered failed. This is evident both in his motifs and in his choice of materials such as discarded matter or studio debris. Linde Busk lives and works in Berlin.

Фаррелл Вільямс, який переосмислює поняття «крутість» для нового покоління, є творчою силою, використовуючи музику, моду та дизайн, щоб виразити свій неповторний стиль.

Виникнувши на перехресті мистецтва, дизайну, популярної культури та вуличної кмітливості, творчість Фаррелла Вільямса є унікальною. Поєднуючи різні дисципліни — а саме музику, моду, вуличне мистецтво та дизайн — та використовуючи кожну як елемент в іншій, Фаррелл переосмислив роль сучасного артиста звукозапису, прокладаючи шлях для інших музикантів та видатних культурних діячів. Ілюстрована розкішними фотографіями, ця книга також детально досліджує його музичну кар'єру, описуючи його численні проекти, від продюсерської команди The Neptunes до гурту N.E.R.D. та його співпраці з друзями Каньє Вестом, Jay-Z, Snoop Dogg та іншими хіп-хоп зірками. Цей безпрецедентний том документує плідний доробок Фаррелла та його внесок у сучасну культуру. Своєю унікальною графічною мовою він детально описує свої широкі творчі заняття, включаючи дизайн ліній одягу, ювелірних виробів та аксесуарів для Louis Vuitton, дизайн меблів та інших виробів, іграшки лімітованого випуску, графічний дизайн, графіку для скейтбордів та співпрацю з Moncler, Marc Jacobs, художником KAWS, а також з архітекторами Захою Хадід та Масамічі Катаямою/Wonderwall.

До книги увійшли роботи Базза Олдріна, Тобі Фелтвелла, Захи Хадід, Шей Гейлі, Чада Гюго, Джей-Зі, Масамічі Катаями, Амбри Медди, Такаші Муракамі, NIGO ®, Лоїка Вільпонту, Каньє Веста, Анни Вінтур, Ганса Ціммера, Ієна Луни та Лорен А. Гулд.

Ця книга була спочатку видана з трьома різними кольоровими обкладинками, а через рік перевидана з новим набором із трьох кольорів. Клієнтам буде надіслано будь-який із шести різних кольорів випадковим чином.

Про автора

Фаррелл Вільямс — дизайнер, артист і продюсер, що мешкає в Маямі. Джей-Зі — мультиплатиновий артист і продюсер, що мешкає в Нью-Йорку. Амбра Медда — співзасновниця та директорка Design Miami та Design Miami/Basel. Ніго — японський діджей, музичний продюсер і розробник лінії одягу A Bathing Ape. Такаші Муракамі — художник, що мешкає в Нью-Йорку та Токіо.

__________

Погортати книгу Pharrell: Places and Spaces I've Been

A sweeping retrospective of Philip Guston’s influential work, from Depression-era muralist to abstract expressionist to tragicomic contemporary master 

Philip Guston ― perhaps more than any other figure in recent memory ― has given contemporary artists permission to break the rules and paint what, and how, they want. His winding career, embrace of “high” and “low” sources, and constant aesthetic reinvention defy easy categorization, and his 1968 figurative turn is by now one of modern art’s most legendary conversion narratives. “I was feeling split, schizophrenic. The war, what was happening in America, the brutality of the world. What kind of man am I, sitting at home, reading magazines, going into a frustrated fury about everything ― and then going into my studio to adjust a red to a blue?”

And so Guston’s sensitive abstractions gave way to large, cartoonlike canvases populated by lumpy, sometimes tortured figures and mysterious personal symbols in a palette of juicy pinks, acid greens, and cool blues. That Guston continued mining this vein for the rest of his life ― despite initial bewilderment from his peers ― reinforced his reputation as an artist’s artist and a model of integrity; since his death 50 years ago, he has become hugely influential as contemporary art has followed Guston into its own antic twists and turns.

Published to accompany the first retrospective museum exhibition of Guston’s career in over 15 years, Philip Guston Now includes a lead essay by Harry Cooper surveying Guston's life and work, and a definitive chronology reflecting many new discoveries. It also highlights the voices of artists of our day who have been inspired by the full range of his work: Tacita Dean, Peter Fischli, Trenton Doyle Hancock, William Kentridge, Glenn Ligon, David Reed, Dana Schutz, Amy Sillman, Art Spiegelman and Rirkrit Tiravanija. Thematic essays by co-curators Mark Godfrey, Alison de Lima Greene and Kate Nesin trace the influences, interests and evolution of this singular force in modern and contemporary art — including several perspectives on the 1960s and ’70s, when Guston gradually abandoned abstraction, returning to the figure and to current history but with a personal voice, by turns comic and apocalyptic, that resonates today more than ever.

Philip Guston: A Life Spent Painting – це авторитетний та всебічний огляд життя та творчості художника-візіонера Філіпа Гастона.

Захоплений мистецтвом, Філіп Гастон малював та малював нав'язливо. Ця книга переносить читача від його ранніх фресок у стилі соціального реалізму та робіт абстрактного експресіонізму 1950-х та початку 1960-х років до потужної нової мови фігуративного живопису, яку він розробив наприкінці 1960-х та на початку 1970-х років. Спираючись на понад тридцять років власних досліджень, критик і куратор Роберт Сторр відображає всю кар'єру Гастона в одному вичерпному томі, надаючи ґрунтовний, доступний та показовий аналіз його творчості.

Книга містить понад 900 зображень, що ілюструють ключові роботи Гастона, багато неопублікованих картин та малюнків, а також фотографії, що показують життя художника вдома, його роботу в студії та його стосунки з колегами-художниками. Ілюстрована хронологія, взята з архівів Фонду Гастона, пояснює життя Гастона в контексті та надає глибоке висвітлення його численних виставок.

Гастон також міг говорити про мистецтво з неперевершеною пристрастю та плавністю. На честь цього книга містить заключний розділ, присвячений власним думкам Гастона про його малювання та одного з його великих героїв — П'єро делла Франческа.

Про автора:

Роберт Сторр, видатний мистецтвознавець, художник, куратор і педагог, є колишнім деканом Єльської школи мистецтв і старшим куратором відділу живопису та скульптури в Музеї сучасного мистецтва в Нью-Йорку. Він написав численні каталоги, статті та книги про відомих художників 20-го та 21-го століть. Він був першим американцем, який обійняв посаду директора з візуальних мистецтв Венеційської бієнале, і досліджує та пише про Філіпа Гастона вже понад три десятиліття.

In this generously illustrated and lively book, Christopher Lloyd sets out and interprets the lifelong achievement of Picasso (1881–1973) as a draftsman. Although there have been many publications about his drawings that have tended to focus on particular periods of his career, this stunning volume specifically examines how drawing serves as the vital thread connecting all of Picasso’s art, just as it also links his private world with his public persona of which he was becoming increasingly aware in his later years. 

Picasso and the Art of Drawing ultimately showcases how the basis of the titular artist's style as painter, sculptor, printmaker, and designer was manifestly achieved through drawing. 

About the Author:

Christopher Lloyd is an independent scholar and curator and previously served as Surveyor of The Queen’s Pictures in the British Royal Collection until his retirement in 2005.

Дослідження, здавалося б, протилежних стилів і художніх процесів Пікассо під час тримісячної літньої відпустки. Ця публікація та супутня виставка є першими за понад 100 років, які об’єднують основні роботи зі студії Пікассо у Фонтенбло, Франція.

У період з липня по вересень 1921 року на орендованій віллі в місті Фонтенбло, Франція, Пабло Пікассо створив напрочуд різноманітну роботу. Опублікована для супроводу виставки в Музеї сучасного мистецтва в Нью-Йорку, яка знову об’єднує ці роботи вперше після того, як вони покинули майстерню художника, Пікассо у Фонтенбло представляє обидві монументальні версії «Трьох музикантів» і «Трьох жінок біля джерела» поряд з іншими великими роботами на полотні, невеликими підготовчими картинами, штриховими малюнками, офортами та пастелями, які він створив у Фонтенбло. Ці роботи, що охоплюють як кубістичний, так і класичний академічний стилі, доповнені фотографіями та архівними документами, яких раніше не бачили. Вступне есе куратора Енн Умланд розглядає критичні питання, які вирізняють творчість Пікассо у Фонтенбло, і супроводжується 15 короткими есе, написаними в співавторстві з кураторами та консерваторами, які пропонують аналіз історії мистецтва груп тісно пов’язаних творів і об’єктно-орієнтоване розуміння матеріалів, структур і процесів. Досліджуючи рішення Пікассо малювати одночасно в, здавалося б, протилежних стилях, Пікассо у Фонтенбло підкреслює взаємозв’язок його процесу та практики, а також його здатність порушити очікування художньої еволюції та стилістичної послідовності.

Про авторів:

Енні Авірам — старший консерватор картин у MoMA.
Лі Енн Даффнер — консерватор фотографії в MoMA.
Майкл Даффі — консерватор картин у MoMA.
Емілі Фауст є консерватором картин у Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte.
Франческа Феррарі — колишній співробітник Дослідницького консорціуму Меллона-Маррона на кафедрі живопису та скульптури MoMA.
Старр Фігура є куратором відділу малюнків і гравюр MoMA.
Александра Моррісон, асистент куратора відділу живопису та скульптури MoMA.
Еріка Мосьєр є консерватором MoMA.
Рейчел Мусталіш — консерватор паперу в Метрополітен-музеї, Нью-Йорк.

Зміст:

Перед Фонтенбло
1. «Де справжній Пікассо?» Александра Моррісон і Майкл Даффі
2. «Ballets Russes Designs» Франческа Феррарі та Еріка Мосьє
3. «Pochoirs» Старра Фігури та Еріки Мосьєр
У Фонтенбло
4. «Штрихові малюнки» Олександри Моррісон та Еріки Мосьєр
5. «Сімейні фотографії» Лі Енн Даффнер і Франчески Феррарі
6. «Maternities» Франческа Феррарі, Анні Авірам та Емілі Фауст
7. «Весна» Енн Умланд, Анні Авірам та Еріки Мосьєр
8. «Етюди для трьох жінок навесні» Франческа Феррарі, Анні Авірам та Еріка Мозьє
9. «Студійні фотографії» Лі Енн Даффнер, Франческа Феррарі та Майкл Даффі
10. «Три жінки біля джерела і три музиканти» Енн Умланд, Сінді Альбертсон, Енні Авірам і Еріка Мосьєр
11. «Малюнки червоною крейдою та вугіллям» Олександри Моррісон, Еріки Мосьєр та Енні Авірам
12. «Пастелі» Рейчел Мусталіш та Енн Умланд
13. «Кубістичні натюрморти» Олександри Моррісон і Енні Авірам
кода
14. «Фонтан Уоллеса» Франческа Феррарі та Еріка Мозьє
15. «Етюди» Франчески Феррарі та Анні Авірам
Backmatter
Ілюстрована хронологія
Чек-лист виставки
Вибрана бібліографія

Curated by noted Picasso biographer John Richardson, this exhibition catalogue examines the intersection of Picasso's bullfighting imagery with the mythological (and biographical) compositions of the 1930's.
Including works dating from 1897 to 1972, this fully illustrated catalogue presents a career-long survey of Picasso's engagement with ancient bullfighting and mythological narratives and includes essays by noted Picasso scholars Michael FitzGerald and Gertje Utley.

About the Author:

John Richardson is the author of a multivolume biography on the life of Picasso. He is a regular contributor to The New York Review of Books, The New Yorker, and Vanity Fair. Gertje Utley is an art historian, and the author of Pablo Picasso: The Communist Years, 2000. Michael Fitzgerald is director of the art history program at Trinity College, Hartford, CT, and has written several books on Picasso, including Picasso and American Art, 2006.

A rare look at the exceptional works on paper from private collections by the master of modern art. 

“There’s nothing more difficult than a line.” – Pablo Picasso

Picasso: Seven Decades of Drawing surveys Pablo Picasso’s prodigious career as a draftsman, including over 40 examples on loan from private collections spanning nearly 70 years of the artist’s long and celebrated career.

The book showcases drawings in a wide range of media, from works in charcoal and crayon to colored pencil, collage or papiers collés, graphite, gouache, ink, pastel, and watercolor.

Some of the drawings on loan are rarely on view and they provide insight into the evolution of his iconic paintings, such as Les Demoiselles d’Avignon and Guernica, while others stand alone as virtuoso, independent works, highlighting Picasso’s mastery of line, form, and medium. The book ultimately examines how drawing serves as the vital thread connecting all of Picasso’s art.

About the Author:

Olivier Berggruen is a German-American art historian and independent curator based in New York. Christine Poggi is Judy and Michael Steinhardt Director and Professor of Fine Arts at the Institute of Fine Arts, New York University.

Ці сторінки призначені як компактний та актуальний посібник для читачів, які бажають дізнатися більше про одного з найвидатніших художніх геніїв усіх часів, художника, який втілював найвищі ідеали епохи гуманізму, чия складна особистість кидає виклик навіть експертам у цій галузі досліджень.

Ця монографія присвячена одному з найвидатніших італійських майстрів, П'єро делла Франческа (Сан-Сеполькро, приблизно 1416/1417 - 1492), чий вражаючий багатогранний геній домінує над усією художньою та культурною панорамою раннього італійського Відродження.

Кожна робота, від Хрещення Христа до Різдва Христового в Національній галереї в Лондоні, представлена ​​з зображеннями на всю сторінку та глибоко проаналізована з історичної точки зору, а також з точки зору стилю та критичного значення протягом століть.

Особлива увага приділяється чудовому циклу фресок "Легенда про Істинний Хрест" у базиліці Сан-Франческо в Ареццо, який вважається шедевром П'єро.

Авторка книги, яка відповідає за проект з консервації та реставрації каплиці, представляє у своєму дослідженні результати консерваційних робіт на половині поверхні розпису, доповнені зображеннями фресок після їх очищення.

Ця книга задумана як компактний сучасний посібник для читачів, які бажають дізнатися більше про одного з найвидатніших художніх геніїв усіх часів, якого зараховували до найвидатніших художників свого часу та високо оцінювали сучасники, починаючи з Вазарі в його «Життя», присвяченому митцю досконалості із Сансеполькро.

This fascinating full-length study examines all works by the great Flemish painter Pieter Bruegel within the wider setting of art during his lifetime.

The recent rediscovery in Spain of Pieter Bruegel the Elder’s lost painting, The Wine of Saint Martin’s Day, has created even more interest in this much-loved artist, who was one of the Netherlands’ two great masters of satire and fantasy, along with Hieronymus Bosch. Although these two artists never met each other - Bruegel was born around 1525, a decade after Bosch’s death - numerous features link them; indeed, Bruegel painted several demon-infested hellscapes directly inspired by the older master, and he was known in Antwerp as a “second Bosch.” But Bruegel is most famous for his peasant scenes, often humorous and packed with anecdote, and for his landscapes, which poignantly evoke Nature’s changing seasons. His legacy to Netherlandish art was the enduring popularity of both these genres, as well as the artistic dynasty he founded, beginning with his painter sons Pieter the Younger and Jan Brueghel.

Critics have often remarked how Bruegel’s art, so keenly observed and richly detailed, seems to preserve a world in miniature. In this new monograph, Larry Silver, an eminent historian of Northern Renaissance art, serves as our guide to that world. He leads us expertly through Bruegel’s complex and fascinating iconography, allowing us to see his paintings and drawings from the same perspective as his sixteenth-century countrymen. Silver situates Bruegel within the visual culture of his time - exploring, for example, his relationship with the print publisher Hieronymus Cock - and within the broader context of Netherlandish history. All of Bruegel’s surviving paintings are reproduced here, with many full-page details, as well as all of his prints and representative works by his contemporaries and followers.

This volume on Bruegel complements Silver’s widely praised monograph on Hieronymus Bosch, which was published by Abbeville Press in 2006. These two books are the most authoritative and best-illustrated studies of their respective subjects, and together they present us with a panorama of Netherlandish art’s emergence into the distinctive form of the Northern Renaissance.

About the Author:

Larry Silver, a historian of Northern Renaissance art, received his Ph.D. from Harvard University and is currently Farquhar Professor of Art History at the University of Pennsylvania. His other books include the general survey Art in History and the recent Landscapes and Peasant Scenes: The Rise of Pictorial Genres in the Antwerp Art Market.

A new collection of unseen photographs of New York City's 1970s punk heyday, by one of the icons of the city's golden age of new wave, Blondie's Chris Stein.

For the duration of the 1970s - from his days as a student at the School of Visual Arts through the foundation of the era-defining band Blondie and his subsequent reign as epicenter of punk's golden age - Chris Stein kept an unrivaled photographic record of the downtown New York City scene.

Following in the footsteps of the successful book Negative, this spectacular new book presents a more personal and more visceral collection of Stein's photographs of the era. The images presented here take readers from self-portraits in his run-down East-Village apartment to candid photographs of pop-cultural icons of the time and evocative shots of New York City streetscapes in all their most longed-for romance and dereliction. An eclectic cast of cultural characters - from William Burroughs to Debbie Harry, Andy Warhol to Iggy Pop - appear here exactly as they were in the day, juxtaposed with children playing hopscotch on torn-down blocks, riding the graffiti-ridden subway, or cruising the burgeoning clubs of the Bowery.

At once a chronicle of one music icon's life among his punk and New-Wave heroes and peers, and a love letter to the city that was the backdrop and inspiration for those scenes, Point of View transports us to another place and time.

About the Author:

Chris Stein is the co-founder, songwriter, and guitarist of the iconic punk band Blondie. His photographic work has been featured in galleries and press around the world, and published in the successful book Negative: Me, Blondie, and the Advent of Punk, published by Rizzoli. Beyond his era-defining music with Blondie, he has collaborated with a host of artists over the years, from Shepard Fairey to Glenn O'Brien and Andy Warhol.

_____________

Пролистать книгу Point of View: Me, New York City, and the Punk Scene

Ласкаво просимо до казкового пастельного світу, створеного Мейоко. Відкрийте для себе все з Polaris, її першою комерційною колекцією робіт.

Мейоко — ілюстраторка з Південно-Східної Азії, яка здобула популярність переважно в соціальних мережах. Природні елементи, такі як квіти, хвилі, листя, зірки та бульбашки, раптово набувають милості та чарівності, коли Мейоко розфарбовує їх пастеллю. Чудові казкові ілюстрації Мейоко завоювали їй дедалі більшу кількість шанувальників у її акаунтах у соціальних мережах; станом на квітень 2020 року кількість її підписників перевищила 1,22 мільйона в Instagram та 270 тисяч у Twitter. Ця книга містить близько 240 ілюстрацій, ретельно відібраних з тих, які вона представила у своєму акаунті в соціальних мережах. Вона також містить роботи, що були нещодавно намальовані для цієї книги, а також деякі акварельні картини з ранніх опублікованих колекцій Мейоко: додзінсі, «Листя», «МРІЯ» та «Водойми». Мейоко також пояснює концепцію своїх робіт власними словами. Ці милі персонажі та мотиви, намальовані в чудових кольорах, неодмінно сподобаються людям у всьому світі.

Про автора:

Мейоко — ілюстраторка з Південно-Східної Азії, яка здобула популярність переважно в соціальних мережах. Вона не лише ілюструє, а й створює товари, натхненні переважно мангою, аніме та поп-культурою, щоб привнести трохи магії у повсякденне життя.

__________

Переглянути відео про книгу Polaris: The Art of Meyoco

Celebrating the Milanese house of Pomellato’s fiftieth anniversary, this book explores its signature vibrant jewels through the lens of 1967, the year of its founding.

The Italian house of Pomellato’s jewelry merges Italian craftsmanship with audacious design. Celebrating the house’s fiftieth anniversary, this book delves into the links between Pomellato’s jewels and the highlights of 1967 — the year of the firm’s founding — and beyond. Through iconic images captured by Horst P. Horst, Helmut Newton, Peter Lindbergh, and more, Pomellato: Since 1967 relates the cultural, technological, and artistic revolutions of the 1960s and onward.

From the Vespa to the Summer of Love, from Andy Warhol to Twiggy, this book confronts the great cultural moments of the 1960s with stunning shots of Pomellato’s fine jewelry. Emblematic pop art creations, comic designs, and kaleidoscopic prints echo Pomellato’s hallmark rounded, colorful jewels in playful compositions throughout this breathtaking title.

About the Author:

Sheila Weller is an author and contributor to Vanity Fair, the New York Times Book Review, and Glamour. She has written for many magazines, winning numerous awards for her articles.

_____________

Пролистать книгу Pomellato: Since 1967

Професор Де Альбентіс, експерт з помпейських досліджень та кваліфікований туристичний гід з 2005 року, є професором стилю, історії мистецтва та костюма в Академії образотворчих мистецтв імені П'єтро Ваннуччі, яка у 2003 році присудила йому звання почесного академіка. Окрім академічної діяльності, яка також включала його як запрошеного професора в Академії образотворчих мистецтв у Більбао, Салоніках, Понтеведрі, Кордові, Порту та Нанкіні, Де Альбентіс також виділяється своєю діяльністю як войовничого критика сучасного мистецтва та пропагандиста чутливості до мистецтва та історії, співпрацюючи з різними культурними організаціями та асоціаціями. У цьому томі він реконструює історію відкриття та розкопок Помпей, занурюючи читача в усі аспекти помпейської цивілізації. Подорож, щоб відкрити для себе основні райони та простори, присвячені громадському та приватному життю в Помпеях до жахливого виверження 79 року нашої ери, яке фатально призвело як до їх знищення, так і до їх збереження. У цьому томі представлено велич вілл, храмів та площ Помпеїв, а також вичерпний аналіз релігійного, економічного, соціального, житлового та похоронного життя цієї цивілізації.

Текст англійською та італійською мовами.

The most important and best-loved artists of the Pop art movement are gathered in this accessible book of painting, photography, film, and sculpture

When it emerged in the 1950s, the Pop art movement presented a challenge to fine art with its incorporation of images from television, newspapers, and advertising, dissolving the barriers between high and low culture. Over time, Pop developed into one of the most influential movements of the 20th century and many of its works have achieved iconic status.

This introduction to Pop art focuses on 50 of the movement’s most important works and covers every major artist associated with the style, including David Hockney, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, and Andy Warhol. Each work is featured on a beautifully illustrated spread. An informative text highlights the work’s classic characteristics, its unusual aspects, and its significance in the Pop movement. Including brief biographies of the artists, this book is a beautifully illustrated survey of Pop art.