Подобрать по характеристикам
Разделы
Наличие на складе
Издательства
Цена (400 - 3800 грн)
Cet ouvrage d’initiation est à nouveau disponible. Il détaille les techniques de base de la fabrication des bijoux, les procédés et les matériaux. Il reprend également les connaissances historiques, esthétiques et pratiques qui permettent aux amateurs ou aux professionnels de nourrir un socle de savoirs indispensables à la pratique de leur art.
In the tradition of American painters such as Andrew Wyeth, Thomas Eakins, Winslow Homer, and John Singer Sargent, Mario Andres Robinson shows us how to create beautiful, timeless, classical watercolor paintings through the use of simple, yet sophisticated, contemporary techniques every watercolorist needs to know.
Many artists find watercolor difficult to control and are often disappointed with the results. The water meanders across the surface of the paper and, given the proper nuance by the artist’s brush, it will reluctantly settle. Robinson’s approach to the medium of watercolor is primarily traditional but his methods are unconventional. Robinson simplifies the process and teaches artists to layer colors from light to dark and to focus on the highlighted areas first. He teaches that the values should be established in the beginning stages of the painting, using a monochromatic block-in that allows you to glaze pure layers of color over a muted gray underpainting. The results produce more sophisticated, subtle paintings. Further, his “live in the moment” approach embraces watercolor’s unpredictability as part of the process, the end result being a painting with intensity, spontaneity, and beauty.
Inspiring, concise, and practical, Mario Andres Robinson gives watercolorists of every skill level — from beginner to advanced to professional — encouraging advice and the must-have materials and techniques information they need to take their realistic painting to the next level, such as:
Essential Studio Practices • Materials and Tools • Exploring Your Subject • The Importance of Drawing • Watercolor Techniques • Considering Value • Incorporating Color • Overcoming Watercolor Challenges • An Artist’s Life
Richly illustrated, the book features over 100 of Robinson’s luminous, emotive watercolors; works by past and present watercolor masters, including John James Audubon, Henry Casselli, Thomas Eakins, Winslow Homer, Michael Lowery, John Singer Sargent, and Stephen Scott Young; 8 in-depth step-by-step painting demonstrations; color charts; product illustrations; and diagrams.
About the Author:
Mario Andres Robinson studied fine art at Pratt Institute in Brooklyn, New York, and received his BFA in 1993. He is a regular contributor to The Artist’s Magazine, Watercolor Magazine, Fine Art Connoisseur, and several others. Mario is a Brand Ambassador for Winsor & Newton art materials. He conducts workshops nationally and internationally throughout the year. His affiliations include The Salmagundi Club (New York), The Pastel Society of America (New York), and the National Arts Club and he’s been named a Living Master by the Art Renewal Center. Robinson’s work can be seen at Arcadia Contemporary and Ann Long Fine Art or on his website. His public collections include The Arkansas Arts Center (Little Rock, AR), Bank of America, and Museo Arte Contemporanea Sicilia (Sicily, Italy). Robinson's work is widely collected by private and public collectors. He lives in Point Pleasant, NJ.
____________
Пролистать книгу Lessons in Realistic Watercolor: A Contemporary Approach to Painting People and Places in the Classical Tradition
Художниця та авторка бестселерів пояснює, як використовувати світло і тінь в акварельному живописі, щоб додати реалістичних деталей та створити захопливі витвори мистецтва.
Опанування світлом і тінню – ключ до успішних акварельних картин, і в цій книзі ви можете навчитися малювати як експерт. Книга містить барвисті та різноманітні картини Хейзел Соан, а також покрокові вправи та корисні поради.
Починаючи з того, як побачити значення світла і тіні очима художника, книга показує, як акварель є ідеальним засобом для представлення світла і тіні. Дізнайтеся, як збалансувати світло і тінь за допомогою композиційного дизайну та як встановити тінь окремих компонентів у композиції. Хейзел демонструє такі розумні техніки, як збереження білого паперу для відображення світлих точок, як правильно змішувати тональні значення та як збалансувати деталі у вашій картині. Нарешті, книга розглядає використання світла і тіні для створення атмосферних ефектів, тональні візерунки, на які слід звернути увагу, та як поєднати все це разом для створення фантастичних творів мистецтва.
Про автора:
Хейзел Соан — популярна та успішна художниця, яка проводить час між Лондоном та Кейптауном, широко виставляючи свої роботи. Вона має власну галерею у Фулхемі, Лондон. Вона є авторкою кількох бестселерів та низки успішних DVD-дисків. Вона була одним із арт-експертів у популярному телесеріалі Channel 4 «Watercolour Challenge». Дуже успішні Learn Watercolour Quickly, Essence of Watercolour та Watercolour Rainbow також написані Хейзел Соан.
Завдяки вишуканому зображувальному матеріалу ця книга знайомить читача з логікою та золотими правилами мистецтва. Вона дозволяє зрозуміти, з одного боку, ключі до оцінки творів великих майстрів, а з іншого – як застосовувати ці правила до практики власної творчості.
Твір починається з низки основних пояснень щодо того, як зображати та взаємопов'язувати різні частини людського тіла. Після вступу йдуть розділи про різні можливості зображення оголених чоловіків та жінок, а також міфологічних та біблійних фігур, одягнених та контекстуалізованих. Нарешті, розглядаються чотириногі тварини та птахи.
The latest edition of the bestselling guide to running a successful gallery, told from the expert perspective of art-world insiders
What makes an art gallery successful? How do galleries ensure their marketing is right? How should galleries best approach new markets and customers, while still serving their loyal clientele? Based on the results of an anonymous survey sent to more than 8,000 galleries in the US, UK, and Germany, Magnus Resch's insightful examination of the business of selling art, newly updated and revised, is a compelling read, with an approach that is both aspirational and practical.
About the Author:
Magnus Resch lectures on cultural entrepreneurship at Europe's leading business school: the University of St Gallen, Switzerland. Resch studied economics at Harvard University and at the London School of Economics (LSE). Resch is the author of the previous two editions of Management of Art Galleries and the co-author of 100 Secrets of the Art World.
From shonen to shojo, kodomo and sentai genres, this book is a visual and comprehensive guide of the main characters in contemporary manga, including cool teenagers, superheroes, female ninja and sci-fi pilots. This is an invaluable source of inspiration for aspiring comic book artists. Illustrated throughout with full colour Manga illustrations.
Ce livre d’initiation s’adresse aussi bien aux jeunes en formation de sculpture qu’au grand public désirant travailler le bois en amateur. Il commence par décrire la technologie nécessaire au sculpteur-ornemaniste, au modeleur et mouleur à travers de nombreux dessins réalisés par l’auteur. Ensuite, la réalisation de sculptures permet de mettre en pratique la technologie avec des exemples facilement réalisables car présentés à l’échelle 1.
Sommaire :
Technologie : l’outillage du sculpteur ornemaniste, l’outillage du modeleur, les moyens de serrage, les défonceuses, les machines à sculpter, l’établi du sculpteur, l’atelier, le bois, la taille du bois, le traçage d’un ornement sur le bois, le modelage et le moulage.
For matte painters and concept artists working in the movie, videogame, and TV industry, it can often be important to be able to quickly and efficiently create artwork, for storyboarding and storytelling purposes. Master the Art of Speed Painting: Digital Painting Techniques aims to be the go-to book for artists training to enter the industry, and for established artists looking to brush up on their knowledge of speed painting.
Featuring helpful time-saving tips and techniques from established industry artists, such as how to create and use custom brushes, and how to implement an impressionistic style, there's plenty to offer to help the artist master their craft. In addition, there are time-specific guides for painting in 10-, 30-, 60- or 120-minute periods, all to enable the artist to tailor their abilities to suit any situation that might arise in the high-pressure, time-sensitive creative industry. Become a speed-painting master in no time!
Master the Art of Speed Painting: Digital Painting Techniques also aims to fill a void within the digital art book market, as no directly comparative title currently exists. In today's fast-moving world, speed is often of the essence, and this book will become an essential guide for students and established artists alike.
The Fauvist. Brilliant colour, simple forms, and purity of expression are the hallmarks of Matisse's work
Henri Matisse (1869-1954) is known not only as one of the most important French painters of the 20th century but also as co-founder and leading exponent of Fauvism. His work reflects an ongoing quest for the expressive power of pure, brilliant colours and simple forms; as a result, the realistic presentation of nature often retires to a secondary position.
For Matisse, color did not serve as a tool for the expression of subjective feelings, but rather became the equivalent of light itself: it functioned as a pure medium in the creation of an autonomous pictorial space: "Out of my fruitful work with discovered tones there must emerge a vital colour harmony, a harmony that is analogous to a musical composition."
As a creative artist, Matisse was not only a painter but also experimented with other materials: he produced glass windows and theater designs and created significant sculptures in bronze, ceramic and clay. In old age, confined to a wheelchair, he created collages with coloured paper, glue, and scissors: his famed gouache cut-outs.
About the Series:
Every book in TASCHEN's Basic Art Series features:
- a detailed chronological summary of the artist's life and work, covering the cultural and historical importance of the artist
- approximately 100 colour illustrations with explanatory captions
- a concise biography
Les marqueteries peuvent être l’objet d’utilisations diverses. Ce livre présente des modèles destinés à recouvrir les boîtes. Ces marqueteries peuvent aussi être réalisées sous forme de tableau. Les photos sont accompagnées d’un dessin du sujet et de plans pour réaliser différents modèles de boîtes.
Les cent modèles de marqueterie présentés dans ce livre sont tous réalisés par l’auteur. Certaines de ces pièces sont simples et peuvent être facilement reproduites, d’autres nécessitent un véritable savoir-faire. Le thème des oiseaux, des villages, du portrait figurent parmi les dix sujets choisis. Ce livre offre au marqueteur débutant ou chevronné des sujets variés réalisables quelle que soit la technique de marqueterie employée.
Dans les pays de montagnes lorsque la neige empêche toute activité agricole, beaucoup de paysans passaient leur temps à sculpter le bois des meubles et des objets domestiques. Cette tradition est très vivace au Queyras, région montagneuse du Dauphiné, qui a développé une sculpture au couteau principalement géométrique appliquée sur bien des objets d’art populaire. La technique en est simple : elle ne nécessite qu’un couteau bien affûté (l’auteur utilise un simple Opinel) et une grande précision dans le tracé. Les essences traditionnellement utilisées sont le pin cembro et le tilleul.
Guy Thory nous présente ici plusieurs centaines de modèles de sculpture sur bois - motifs ornementaux, motifs géométriques – et nous explique chaque fois leur réalisation grâce à un dessin précis et une photo du motif réalisé.
Le livre est agrémenté de nombreuses photos de meubles anciens appartenant au Musée Dauphinois de Grenoble et au Musée départemental de Gap dont beaucoup, comme les fameux coffres de mariage, sont des chefs-d’œuvre d’art populaire et de sculpture sur bois au couteau.
Sommaire :
Les bases : bois, outillage, histoire de la rosace, motifs traditionnels, tracés de base, exemples d’art populaire.
Les modèles : rosaces, croix pattées, soleils, palmettes, lentilles, dents de loup, étoiles, croisillons, dessins composés, couteaux et gouges, motifs floraux, dessins italiens, chiffres et lettres.
У книзі Morpho: Fat and Skin Folds художник і викладач Мішель Лаурічелла представляє унікальний підхід до навчання малюванню людського тіла. Типовий підхід до викладання анатомії та ескізування людської форми найчастіше зосереджується на скелеті та мускулатурі. Часто ігнорується сама шкіра — як вона рухається та які вирази вона створює, коли тіло рухається та змінює положення. Ця книга представляє спрощене та практичне бачення жирових та шкірних складок людського тіла, щоб допомогти вам у навчанні малюванню, заохочуючи як точність, так і багате, різноманітне зображення людської форми. Розрахована на художників усіх рівнів — від початківців до професіоналів — ця зручна книга кишенькового формату допоможе розпалити вашу уяву та творчість.
Зміст:
- Передмова
- Вступ
- Голова та шия
- Тулуб та плечі
- Верхні кінцівки
- Нижні кінцівки
- Ресурси
Про автора:
Мішель Лорічелла навчався в Вищій національній школі витончених мистецтв у Парижі. Він викладав морфологію протягом 20 років, послідовно в школі Еміля Коля в Ліоні, майстернях витончених мистецтв у Парижі та в Гобеленах (Париж). Наразі він є професором у Lisaa (Париж) та у Fabrica1 (Париж).
A passionate assertion of the relevance of painting today, exploring how this traditional medium has been re-approached and reimagined by artists working across the globe
Painting is a continually expanding and evolving form of creative expression. The radical changes in the medium that took place in the 1960s and 70s - the period that saw the shift from a modernist to a postmodernist visual language - have led to painting's continued energy and diversity.
Renowned critic and art historian Suzanne Hudson provides an intelligent and original survey of contemporary painting - a critical snapshot that brings together more than 200 artists from around the world who are defining the painterly ideas and aesthetics of our time.
A contextual introduction maps out the history of painting in the modern and postmodern eras, followed by six chapters that explores the themes of appropriation, attitude, production and distribution, the body, painting about painting, and painters who introduce performance, installation and textiles into their work to critique painting itself.
The book features artists both well known and emerging, including Franz Ackermann, Angela de la Cruz, Urs Fischer, Katharina Grosse, Subodh Gupta, Wade Guyton, Julie Mehretu, Vik Muniz, Neo Rauch, Wilhelm Sasnal, Kara Walker, Christopher Wool, Yue Minjun and Zhang Xiaogang.
Compellingly argued and beautifully illustrated, Painting Now is an invaluable primer on the state of painting today and essential reading for all those interested in contemporary art, art history and criticism.
About the Author:
Suzanne Hudson is Assistant Professor of Modern and Contemporary Art, University of Southern California. Her writing has appeared in publications such as Parkett, Flash Art, Art Journal and October.
A passionate assertion of the relevance of painting today, exploring how this traditional medium has been re-approached and reimagined by artists working across the globe
Painting is a continually expanding and evolving form of creative expression. The radical changes in the medium that took place in the 1960s and 70s - the period that saw the shift from a modernist to a postmodernist visual language - have led to painting's continued energy and diversity.
Renowned critic and art historian Suzanne Hudson provides an intelligent and original survey of contemporary painting - a critical snapshot that brings together more than 200 artists from around the world who are defining the painterly ideas and aesthetics of our time.
A contextual introduction maps out the history of painting in the modern and postmodern eras, followed by six chapters that explores the themes of appropriation, attitude, production and distribution, the body, painting about painting, and painters who introduce performance, installation and textiles into their work to critique painting itself.
The book features artists both well known and emerging, including Franz Ackermann, Angela de la Cruz, Urs Fischer, Katharina Grosse, Subodh Gupta, Wade Guyton, Julie Mehretu, Vik Muniz, Neo Rauch, Wilhelm Sasnal, Kara Walker, Christopher Wool, Yue Minjun and Zhang Xiaogang.
Compellingly argued and beautifully illustrated, Painting Now is an invaluable primer on the state of painting today and essential reading for all those interested in contemporary art, art history and criticism.
About the Author:
Suzanne Hudson is Assistant Professor of Modern and Contemporary Art, University of Southern California. Her writing has appeared in publications such as Parkett, Flash Art, Art Journal and October.
