Збірники робіт з мистецтва

Philip Guston: A Life Spent Painting is an authoritative and comprehensive survey of the life and work of the visionary and influential painter Philip Guston.

Driven and consumed by art, Philip Guston painted and drew compulsively. This book takes the reader from his early social realist murals and the Abstract Expressionist works of the 1950s and early 1960s to the powerful new language of figurative painting, which he developed in the late 1960s and 1970s. Drawing on more than thirty years of his own research, the critic and curator, Robert Storr, maps Guston’s entire career in one definitive volume, providing a substantial, accessible, and revealing analysis of his work.

With more than 900 images, the book illustrates Guston’s key works, many unpublished paintings and drawings, and photographs showing the artist’s life at home, his work in the studio, and his relationship with fellow artists. An illustrated chronology, drawn from the Guston Foundation’s archives, contextualizes Guston’s life and provides in-depth coverage of his many exhibitions.

Guston was also able to speak about art with unrivalled passion and fluency. In celebration of this, the book features a final section devoted to Guston’s own thoughts on his drawing and one of his great heroes — Piero della Francesca.

About the Author:

Robert Storr, the preeminent art critic, artist, curator, and educator, is the former Dean of Yale School of Art and senior curator in the Department of Painting and Sculpture at the Museum of Modern Art, New York. He has written numerous catalogs, articles, and books on major 20th and 21st-century artists. He was the first American to be visual arts director of the Venice Biennale and has been researching and writing on Philip Guston for more than three decades.

In this generously illustrated and lively book, Christopher Lloyd sets out and interprets the lifelong achievement of Picasso (1881–1973) as a draftsman. Although there have been many publications about his drawings that have tended to focus on particular periods of his career, this stunning volume specifically examines how drawing serves as the vital thread connecting all of Picasso’s art, just as it also links his private world with his public persona of which he was becoming increasingly aware in his later years. 

Picasso and the Art of Drawing ultimately showcases how the basis of the titular artist's style as painter, sculptor, printmaker, and designer was manifestly achieved through drawing. 

About the Author:

Christopher Lloyd is an independent scholar and curator and previously served as Surveyor of The Queen’s Pictures in the British Royal Collection until his retirement in 2005.

Дослідження, здавалося б, протилежних стилів і художніх процесів Пікассо під час тримісячної літньої відпустки. Ця публікація та супутня виставка є першими за понад 100 років, які об’єднують основні роботи зі студії Пікассо у Фонтенбло, Франція.

У період з липня по вересень 1921 року на орендованій віллі в місті Фонтенбло, Франція, Пабло Пікассо створив напрочуд різноманітну роботу. Опублікована для супроводу виставки в Музеї сучасного мистецтва в Нью-Йорку, яка знову об’єднує ці роботи вперше після того, як вони покинули майстерню художника, Пікассо у Фонтенбло представляє обидві монументальні версії «Трьох музикантів» і «Трьох жінок біля джерела» поряд з іншими великими роботами на полотні, невеликими підготовчими картинами, штриховими малюнками, офортами та пастелями, які він створив у Фонтенбло. Ці роботи, що охоплюють як кубістичний, так і класичний академічний стилі, доповнені фотографіями та архівними документами, яких раніше не бачили. Вступне есе куратора Енн Умланд розглядає критичні питання, які вирізняють творчість Пікассо у Фонтенбло, і супроводжується 15 короткими есе, написаними в співавторстві з кураторами та консерваторами, які пропонують аналіз історії мистецтва груп тісно пов’язаних творів і об’єктно-орієнтоване розуміння матеріалів, структур і процесів. Досліджуючи рішення Пікассо малювати одночасно в, здавалося б, протилежних стилях, Пікассо у Фонтенбло підкреслює взаємозв’язок його процесу та практики, а також його здатність порушити очікування художньої еволюції та стилістичної послідовності.

Про авторів:

Енні Авірам — старший консерватор картин у MoMA.
Лі Енн Даффнер — консерватор фотографії в MoMA.
Майкл Даффі — консерватор картин у MoMA.
Емілі Фауст є консерватором картин у Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte.
Франческа Феррарі — колишній співробітник Дослідницького консорціуму Меллона-Маррона на кафедрі живопису та скульптури MoMA.
Старр Фігура є куратором відділу малюнків і гравюр MoMA.
Александра Моррісон, асистент куратора відділу живопису та скульптури MoMA.
Еріка Мосьєр є консерватором MoMA.
Рейчел Мусталіш — консерватор паперу в Метрополітен-музеї, Нью-Йорк.

Зміст:

Перед Фонтенбло
1. «Де справжній Пікассо?» Александра Моррісон і Майкл Даффі
2. «Ballets Russes Designs» Франческа Феррарі та Еріка Мосьє
3. «Pochoirs» Старра Фігури та Еріки Мосьєр
У Фонтенбло
4. «Штрихові малюнки» Олександри Моррісон та Еріки Мосьєр
5. «Сімейні фотографії» Лі Енн Даффнер і Франчески Феррарі
6. «Maternities» Франческа Феррарі, Анні Авірам та Емілі Фауст
7. «Весна» Енн Умланд, Анні Авірам та Еріки Мосьєр
8. «Етюди для трьох жінок навесні» Франческа Феррарі, Анні Авірам та Еріка Мозьє
9. «Студійні фотографії» Лі Енн Даффнер, Франческа Феррарі та Майкл Даффі
10. «Три жінки біля джерела і три музиканти» Енн Умланд, Сінді Альбертсон, Енні Авірам і Еріка Мосьєр
11. «Малюнки червоною крейдою та вугіллям» Олександри Моррісон, Еріки Мосьєр та Енні Авірам
12. «Пастелі» Рейчел Мусталіш та Енн Умланд
13. «Кубістичні натюрморти» Олександри Моррісон і Енні Авірам
кода
14. «Фонтан Уоллеса» Франческа Феррарі та Еріка Мозьє
15. «Етюди» Франчески Феррарі та Анні Авірам
Backmatter
Ілюстрована хронологія
Чек-лист виставки
Вибрана бібліографія

Це розкішне видання представлене у трьох вражаючих кольорових комбінаціях, які будуть доставлені покупцям випадковим чином.

Музей Пікассо у Парижі, що розташований у чудовому готелі «Сале» з 1985 року, містить понад 5000 творів, що складають найкращу публічну колекцію робіт художника, коли-небудь зібрану. Цей вичерпний довідник, який містить великий альбом, що демонструє понад 450 шедеврів Пікассо, розташований хронологічно та за темами. Він простежує кожен етап розвитку його творчості, від «блакитного періоду» до його пізнього портрета «Молодий художник» (1972).

Авторитетна команда музею пропонує глибокі есе, що досліджують картини Пікассо, а також його майстерність у всіх художніх формах — від скульптури чи кераміки до фотографії, малюнка та гравюри. Його особиста колекція творів мистецтва та ефемерні матеріали з його приватних архівів дають уявлення про самого великого художника ХХ століття, а вичерпний том доповнений детальною хронологією.

Найвидатніші роботи плідного художника Пікассо відтворені в цьому масивному томі в тканинній палітурці, який має гарний обкладинку, стрічковий маркер для сторінок і надрукований на трьох типах паперу, щоб найкраще представити різноманітні твори мистецтва.

Curated by noted Picasso biographer John Richardson, this exhibition catalogue examines the intersection of Picasso's bullfighting imagery with the mythological (and biographical) compositions of the 1930's.
Including works dating from 1897 to 1972, this fully illustrated catalogue presents a career-long survey of Picasso's engagement with ancient bullfighting and mythological narratives and includes essays by noted Picasso scholars Michael FitzGerald and Gertje Utley.

About the Author:

John Richardson is the author of a multivolume biography on the life of Picasso. He is a regular contributor to The New York Review of Books, The New Yorker, and Vanity Fair. Gertje Utley is an art historian, and the author of Pablo Picasso: The Communist Years, 2000. Michael Fitzgerald is director of the art history program at Trinity College, Hartford, CT, and has written several books on Picasso, including Picasso and American Art, 2006.

A rare look at the exceptional works on paper from private collections by the master of modern art. 

“There’s nothing more difficult than a line.” – Pablo Picasso

Picasso: Seven Decades of Drawing surveys Pablo Picasso’s prodigious career as a draftsman, including over 40 examples on loan from private collections spanning nearly 70 years of the artist’s long and celebrated career.

The book showcases drawings in a wide range of media, from works in charcoal and crayon to colored pencil, collage or papiers collés, graphite, gouache, ink, pastel, and watercolor.

Some of the drawings on loan are rarely on view and they provide insight into the evolution of his iconic paintings, such as Les Demoiselles d’Avignon and Guernica, while others stand alone as virtuoso, independent works, highlighting Picasso’s mastery of line, form, and medium. The book ultimately examines how drawing serves as the vital thread connecting all of Picasso’s art.

About the Author:

Olivier Berggruen is a German-American art historian and independent curator based in New York. Christine Poggi is Judy and Michael Steinhardt Director and Professor of Fine Arts at the Institute of Fine Arts, New York University.

Ці сторінки призначені як компактний та актуальний посібник для читачів, які бажають дізнатися більше про одного з найвидатніших художніх геніїв усіх часів, художника, який втілював найвищі ідеали епохи гуманізму, чия складна особистість кидає виклик навіть експертам у цій галузі досліджень.

Ця монографія присвячена одному з найвидатніших італійських майстрів, П'єро делла Франческа (Сан-Сеполькро, приблизно 1416/1417 - 1492), чий вражаючий багатогранний геній домінує над усією художньою та культурною панорамою раннього італійського Відродження.

Кожна робота, від Хрещення Христа до Різдва Христового в Національній галереї в Лондоні, представлена ​​з зображеннями на всю сторінку та глибоко проаналізована з історичної точки зору, а також з точки зору стилю та критичного значення протягом століть.

Особлива увага приділяється чудовому циклу фресок "Легенда про Істинний Хрест" у базиліці Сан-Франческо в Ареццо, який вважається шедевром П'єро.

Авторка книги, яка відповідає за проект з консервації та реставрації каплиці, представляє у своєму дослідженні результати консерваційних робіт на половині поверхні розпису, доповнені зображеннями фресок після їх очищення.

Ця книга задумана як компактний сучасний посібник для читачів, які бажають дізнатися більше про одного з найвидатніших художніх геніїв усіх часів, якого зараховували до найвидатніших художників свого часу та високо оцінювали сучасники, починаючи з Вазарі в його «Життя», присвяченому митцю досконалості із Сансеполькро.

This fascinating full-length study examines all works by the great Flemish painter Pieter Bruegel within the wider setting of art during his lifetime.

The recent rediscovery in Spain of Pieter Bruegel the Elder’s lost painting, The Wine of Saint Martin’s Day, has created even more interest in this much-loved artist, who was one of the Netherlands’ two great masters of satire and fantasy, along with Hieronymus Bosch. Although these two artists never met each other - Bruegel was born around 1525, a decade after Bosch’s death - numerous features link them; indeed, Bruegel painted several demon-infested hellscapes directly inspired by the older master, and he was known in Antwerp as a “second Bosch.” But Bruegel is most famous for his peasant scenes, often humorous and packed with anecdote, and for his landscapes, which poignantly evoke Nature’s changing seasons. His legacy to Netherlandish art was the enduring popularity of both these genres, as well as the artistic dynasty he founded, beginning with his painter sons Pieter the Younger and Jan Brueghel.

Critics have often remarked how Bruegel’s art, so keenly observed and richly detailed, seems to preserve a world in miniature. In this new monograph, Larry Silver, an eminent historian of Northern Renaissance art, serves as our guide to that world. He leads us expertly through Bruegel’s complex and fascinating iconography, allowing us to see his paintings and drawings from the same perspective as his sixteenth-century countrymen. Silver situates Bruegel within the visual culture of his time - exploring, for example, his relationship with the print publisher Hieronymus Cock - and within the broader context of Netherlandish history. All of Bruegel’s surviving paintings are reproduced here, with many full-page details, as well as all of his prints and representative works by his contemporaries and followers.

This volume on Bruegel complements Silver’s widely praised monograph on Hieronymus Bosch, which was published by Abbeville Press in 2006. These two books are the most authoritative and best-illustrated studies of their respective subjects, and together they present us with a panorama of Netherlandish art’s emergence into the distinctive form of the Northern Renaissance.

About the Author:

Larry Silver, a historian of Northern Renaissance art, received his Ph.D. from Harvard University and is currently Farquhar Professor of Art History at the University of Pennsylvania. His other books include the general survey Art in History and the recent Landscapes and Peasant Scenes: The Rise of Pictorial Genres in the Antwerp Art Market.

The first extensive monograph dedicated to the artist Rafael Megall, whose work is strongly interwoven with Armenian recent history.

This illustrated volume highlights the rich personality of the Armenian painter Rafael Megall (born 1983), his connection with the artistic tradition of his country, and the peculiar language inspired by the story of his people. The book offers a panorama of his production, among others: the famous “icons,” paintings on wood first showcased at the 57th Venice Biennale; the installation The Artist and His Mother, showcased at the National Gallery of Armenia, one of the most powerful artworks dedicated to the Armenian genocide; the unpublished series of portraits dedicated to Lev Tolstoy.

About the Author:

Demetrio Paparoni is an Italian art critic and writer, curator and essayist. Among his publications and monographs, often revealing the contemporary Asian world, are Ronald Ventura, Works 1998–2017 (2018), Nyoman Masriadi: Telepathy Contact (2020), The Devil: A Visual History (2017).

Published on the occasion of a major exhibition bringing together the best Rembrandt paintings from American collections. The great seventeenth-century Dutch artist Rembrandt van Rijn is one of the most important painters in the history of European art. This richly illustrated volume gathers some fifty of the finest paintings by the Dutch master and his followers from private and public collections across America, including the National Gallery of Art in Washington, D.C., and The Metropolitan Museum of Art, New York.

Rembrandt had an uncanny ability to depict light and shadow, and to capture the emotions of his sitters. In addition to his portraits, he is also known for historical scenes. Highlighting the authentic Rembrandts in America during the late nineteenth century’s Gilded Age, a time when American tycoons cultivated a passion for collecting European masterpieces, the book also features fifteen to twenty works that were originally attributed to the master’s hand but are now recognized as paintings by his successors, contemporary followers, and later imitators.

An introduction focusing on Rembrandt as a cultural phenomenon is followed by essays devoted to his life, the controversy associated with his workshop, and the pursuit of Rembrandt in America. Published in association with the Cleveland Museum of Art, the North Carolina Museum of Art, and the Minneapolis Institute of Arts

Вичерпна монографія про одного з найулюбленіших художників світу, розкішно ілюстрована у повному кольорі.

П'єр-Огюст Ренуар (1841-1919) виділяється серед великих художників своєю готовністю малювати картини, які є відверто красивими та чарівними: він обирає знайомі та симпатичні людські типи як своїх сюжетів та зображує їх із привабливою безпосередністю, використовуючи привабливо яскраву та рожеву палітру. Не всі з його приблизно чотирьох тисяч картин однаково гарні; деякі не відповідають формальним вимогам, а інші, що не дивно, занурюються у сентиментальність. Але найкращі роботи Ренуара – це шедеври, можливо, найрадісніші та найяскравіші в історії мистецтва – його великі пам'ятники дозвіллю, «Танці в Мулен де ла Галет» та «Обід човнярської вечірки»; його ніжні портрети жінок та дітей, як-от чарівна «Дівчина з лійкою»; та його численні відверто чуттєві оголені.

У цій захопливій монографії відома історикиня мистецтва Анна Дістель пропонує нову повчальну розповідь про життя людини, яка створила такі неповторно блискучі твори. Авторка вправно розповідає про шлях Ренуара від учня художника по порцеляні до відомого художника, розсудливо цитуючи яскраві листи самого художника та пропонуючи глибокий аналіз його стилю на кожному етапі його шістдесятирічної кар'єри. І Дістель не розглядає цю кар'єру ізольовано, а використовує останні відкриття в документальних свідченнях – деякі з яких є її власними – щоб відтворити художнє та соціальне середовище, в якому працював Ренуар. Вона простежує його стосунки з іншими художниками, як колегами-імпресіоністами, так і старшими сучасниками, такими як Коро та Добіньї, а також молодшими Боннаром, Матіссом та Пікассо; з такими письменниками, як Золя, Малларме та Мірбо; і, зокрема, з дилерами та меценатами, які були настільки важливими для його кар'єри, такими як Поль Дюран-Рюель, Амбруаз Воллар, брати Бернгайм, Шарпантьє, Берар, Шарль Ефруссі та доктор Барнс.

Авторитетний текст Дістеля ілюстровано приблизно трьома сотнями прекрасних кольорових репродукцій найкращих та найрепрезентативніших робіт художника, що гарантує, що ця книга стане довідковою монографією про Ренуара на довгі роки.

Про автора:

Анн Дістель є почесним генеральним консерватором спадщини в Музеї д'Орсе та авторкою численних книг про живопис 19 століття. Вона також є професором історії мистецтв в Паризькому університеті Сорбонна-Париж та спеціалістом з імпресіоністського живопису.

An exploration of the work by American artist Richard Bernstein that celebrates his larger-than-life portraits for the covers of Andy Warhol’s Interview magazine, as well as his visually arresting fine art, movie posters, and album covers created from the mid-1960s to the 1990s.

Richard Bernstein, a fixture at Studio 54 and with fashion and art insiders, captured the allure of the disco era through his iconic hyper-colored graphic portraits of superstars for the covers of Andy Warhol’s Interview magazine. Warhol’s influence on Bernstein’s bold, playful, and graphic artwork is evident, and it was often thought that Warhol created the covers himself. Yet it was Bernstein, an American artist and art director, whose distinctive craft of retouching photographs with pastels, stencils, and airbrushing monumentalized his subjects into dazzling pop-art incarnations — sexy, captivating, and forever young.

The book features his legendary Interview covers of Madonna, Grace Jones, Mick Jagger, Cher, Calvin Klein, Michael Jackson, and Aretha Franklin, and Bernstein’s rarely seen fine artwork, album covers, and editorial work for Time, Vogue Italia, New York Magazine, and Playboy, complete with intimate anecdotes and interviews with his closest friends and collaborators. This volume is an essential addition to any fashion, pop culture, style, or art lover’s library.

About the Authors:

Roger Padilha and Mauricio Padilha are the founders of MAO Public Relations and the authors of several Rizzoli books. Grace Jones is a legendary Jamaican performer, singer, supermodel, and author. Jean-Paul Goude is a renowned French graphic designer, photographer, and advertising film director.

The quintessential book on the beloved California artist reveals new scholarly research and firsthand reflections by fellow artists and friends and relatives.

A fresh and new overview of this treasured West Coast artist, with hundreds of his paintings, drawings, and prints covering five decades of his illustrious career. The book surveys the extraordinary achievements of Diebenkorn, who successfully explored both abstract and figurative painting. Produced in a slipcase box, this is the ultimate source for art enthusiasts, from his early work of the mid-1940s to his Berkeley and Ocean Park series. The book includes not only his iconic paintings of the California landscape and interior figures but also many of his less well-known and rarely published works.

Art historian Sasha Nicholas discusses Diebenkorn's place in postwar American painting and his independence from the art-world trends. Steven Nash conducts an interview with close friend Wayne Thiebaud, giving an artist's point of view. The two artists shared the inspiration of California and experimented with perspective to capture their surroundings.

About the Authors:

Sasha Nicholas is an independent curator and art historian specializing in American art. Steven A. Nash is president of the board of directors of the Richard Diebenkorn Foundation. Wayne Thiebaud is a painter best known for his still lifes and landscapes who made his career on the West Coast. Tony Berlant is an artist living in Southern California. Kathan Brown is founder of the Crown Point Press in San Francisco. Gretchen Diebenkorn Grant is the daughter of Richard Diebenkorn and lives in the Bay Area. William Luers is a retired American career diplomat and museum executive.

____________

Пролистать книгу Richard Diebenkorn: A Retrospective

A timely consideration of African-American artists' rich engagement with the history of art from the twentieth century, this book is the winner of the James A. Porter and David C. Driskell Book Award for African American Art History.

Riffs and Relations: African American Artists and the European Modernist Tradition presents works by African American artists of the twentieth and twenty-first centuries together with works by the early-twentieth-century European artists with whom they engaged. Black artists have investigated, interrogated, invaded, entangled, annihilated, or immersed themselves in the aesthetics, symbolism, and ethos of European art for more than a century. The powerful push and pull of this relationship constitutes a distinct tradition for many African American artists who source the master narratives of art history to critique, embrace, or claim their own space. This groundbreaking catalog -- accompanying a major exhibition at the Phillips Collection in Washington, D.C.-- explores the connections and frictions around modernism in the works of artists such as Romare Bearden, Pablo Picasso, Faith Ringgold, Renee Cox, Robert Colescott, Norman Lewis, Hank Willis Thomas, Carrie Mae Weems and Henri Matisse. The volume explores how blackness has often been conceived from the standpoint of these international and intergenerational connections and presents the divergent and complex works born of these important dialogues.

About the Author:

Adrienne L. Childs is an associate of the Hutchins Center for African and African-American Research at Harvard University. Renée Maurer is an associate curator at the Phillips Collection, in Washington, D.C. Valerie Cassel Oliver is the curator of modern and contemporary art at Virginia Museum of Fine Arts, in Richmond. Dorothy Kosinski is the Vradenburg Director & CEO of the Phillips Collection.

_____________

Пролистать книгу Riffs and Relations: African American Artists and the European Modernist Tradition

On the heels of Ashley Longshore’s successful I Do Not Cook, I Do Not Clean, I Do Not Fly Commercial comes Roar! A Collection of Mighty Women: inspirational portraits of the most culturally seminal women in history, created in the artist’s colorful signature style.

Ashley Longshore now turns her eye toward badass women throughout history with Roar! A Collection of Mighty Women. Longshore’s pop art paintings are never shy of daring; her art makes noise, and her singular portraits of legendary stateswomen, artists, and notable women from all walks of life include Marie Curie, Maya Angelou, Mother Teresa, Peggy Guggenheim, First Lady Michelle Obama, Greta Thunberg, Queen Elizabeth II, Cleopatra, Rosa Parks, Frida Kahlo, Josephine Baker, Amanda Gorman, and even Lynda Carter as Wonder Woman! Many of these striking and vibrant portraits were previously exhibited at Diane von Furstenberg’s flagship store in New York.

Accompanied by descriptions about what makes these women such significant and meaningful icons, Roar! is sure to be the perfect gift for women of all ages.

About the Author:

New Orleans–based self-taught pop artist and entrepreneur Ashley Longshore is known for her bold portraits and larger-than-life personality. Diane von Furstenberg is a celebrated fashion designer and philanthropist.

_____________

Пролистать книгу Roar!: A Collection of Mighty Women