Книги про скульптуру та кераміку

Святкування 400-річчя традиційної японської керамічної культури в інтерпретації провідних дизайнерів сьогодення

Мистецтво японського виробництва порцеляни зародилося в Аріті в 1616 році. Зараз, у день свого 400-річчя, Arita / Table of Contents відображає унікальну співпрацю між 16 сучасними дизайнерами та 10 традиційними японськими гончарними майстернями, які працюють над створенням 16 надзвичайно оригінальних, інноваційних та сучасних керамічних колекцій, що вкорінені в повсякденному житті 21 століття. Понад 500 ілюстрацій пропонують захопливе знайомство з ремеслом та регіоном, тоді як сучасні колекції розкривають унікальний творчий потенціал поєднання давніх та сучасних майстрів.

Про автора:

Анніна Койву — критик, редактор та консультант. Вона була редактором журналу Abitare, директором з досліджень та керівником відділу міжнародних зв'язків з громадськістю та партнерства у Vitra, а в 2013 році була призначена керівником теоретичного відділу магістерських програм з дизайну продуктів та арт-директорства в ECAL у Лозанні. Вона є авторкою книги Works (2012) та головною редакторкою книги The Walking Society (2015).

This visually stunning love letter to the art of traditional crafts takes readers inside Europe’s most illustrious — and in many cases endangered — decorative arts workshops to profile how artisans continue to maintain the highest centuries-old standards of workmanship and creativity.

Beginning in the Renaissance, ateliers were established as places for European artists to work and teach their crafts. Centuries later most of these spaces have disappeared, but a select few continue to produce some of the world’s most celebrated and sought-after objects in the areas of crystal, ceramics, wrought iron, fabric, bookbinding, mosaic, wood paneling, and more. John Whelan and Oskar Proctor traveled throughout Europe to document these important spaces, both to celebrate them and to preserve their disappearing ideals. Ranging from the well-known to the obscure, this volume takes readers inside dozens of ateliers from Austria, England, France, Germany, Italy, Spain, and Switzerland. Sumptuous double-page spreads feature alluring photography, and fascinating background texts tell their stories. By shining a light on their collective value as well as their individual expertise, this book offers both a historic evaluation of how ateliers have been shaped by modern forces — and also a clarion call for their preservation.

About the Author:

John Whelan is a specialist in heritage design and creative direction. His heritage projects include a revival of la brasserie française, France’s most iconic culinary export, and his clients include brands such as Cire Trudon, the oldest candlemaker in France. His work has been profiled by Architectural Digest, Vanity Fair, and The Time (London). He lives in Venice, Italy.

__________

Пролистать книгу Ateliers of Europe: An Atlas of Decorative Arts Workshops

The acclaimed survey of the life and works of the celebrated Italian modernist master, Carlo Scarpa, from the highly regarded architectural author, Robert McCarter

The work of Carlo Scarpa challenged, and continues to challenge, accepted notions of modern architecture. While several books have been published on his work, none has approached the breadth and depth of this classic monograph by Robert McCarter, who is celebrated for his meticulously researched, experientially based, and jargon-free accounts of key figures in modern architecture. This book is the definitive study of Scarpa’s many accomplishments, including such works at the Canova Museum, the Castelvecchio Museum, and the Brion Cemetery, among others. It features in-depth ‘walk-throughs’ of a selection of Scarpa’s key projects, embracing Scarpa’s approach to experientially based design and presents sketches and architectural plans, together with a complete list of works, realized and unrealized, including his much-loved interiors and glassware, as well as the buildings themselves.

About the Author:

Robert McCarter is a practicing architect and has been Ruth and Norman Moore Professor of Architecture at Washington University in St. Louis since 2007. He taught previously at the University of Florida, where he was Director of the School of Architecture from 1991–2001, and Columbia University, among other schools. He has written for numerous international publications, and his books include: Grafton Architects (2018); Marcel Breuer (2016); Steven Holl (2015); Alvar Aalto (2014); Carlo Scarpa (2013); Understanding Architecture, co-authored with Juhani Pallasmaa (2012); and Louis I Kahn (2005), all by Phaidon Press. He has also published The Work of MacKay-Lyons Sweetapple Architects: Economy as Ethic (2017); The Space Within: Interior Experience as the Origin of Architecture (2016); and Aldo van Eyck (2015), among other books.

Clay Pop documents the reinvention of ceramic sculpture by a new generation of artists.

A medium that has often been characterized as more craft than art, clay is now an exciting platform for formal and conceptual innovation. Traditionally diverged from engagement with popular culture, clay is now adding a new dimension to Pop Art.

Paralleling current concerns in painting, many of the thirty-eight artists featured in Clay Pop are also exploring issues of gender, race, and identity, using clay in novel ways to engage with social issues. Artists are employing the medium to create a personal narrative, pushing clay beyond the confines of craft and design.

Much of the new work is exuberant and figurative, expanding on how the medium of clay has been traditionally used. Glazes are especially colorful, reflecting a range of influences that encompass vernacular commercial imagery and artistic sources from African American assemblage to Walt Disney. Funk art from 1970s Northern California is a source, as is the work of Pop artists like Claes Oldenburg. Some of the artists also draw on artistic influences from the Middle East, Africa, and Asia.

Sections on each of the forty featured artists include a profile on their ceramic practice, images of their work, and a biography. The introduction describes the artists’ interconnected community while two longer essays place the work, mostly created in the past five years, in the context of the histories of Pop Art and ceramics.

About the Author:

Alia Dahl is managing director of artists and exhibitions at Jeffrey Deitch Gallery, New York.

Надихаюча демонстрація робіт понад 50 найкреативніших керамістів світу, яка пропонує розуміння їхніх методів роботи

Одне з найдавніших людських ремесел, кераміка, переживає ренесанс, з відновленням прагнення до унікальних виробів і поваги до недосконалостей, пов’язаних зі знаками виробника. Від функціональних до декоративних і скульптурних робіт, що розширюють межі ремесла, Clay: Contemporary Ceramic Artisans пропонує зазирнути в життя та практику понад 50 студійних гончарів з усього світу.

Це свято нових майстрів кераміки та погляд за лаштунки їхнього натхнення та методів роботи.

Всебічний всесвітній огляд із понад 600 приголомшливими ілюстраціями найвиразніших, інтенсивно творчих та інноваційних останніх робіт, починаючи від функціональних об’єктів і закінчуючи межами та можливостями глини як середовища.

Останнім часом усі сфери керамічної практики були відновлені, а прірва, яка традиційно існувала між сферами «образотворчого мистецтва» та «ремесла», звузилася, що призвело до зміни уявлення про те, чим кераміка може бути та що може означати.

Contemporary Ceramics охоплює всі аспекти практики та включає роботи будь-якого масштабу – від кількох сантиметрів до величезних інсталяцій розміром із кімнату. Він складається з п’яти основних розділів:

• Beyond Utility – смілива та оригінальна, але функціональна кераміка, включаючи чайні сервізи, чашки, чайники та столові сервізи.
• Визначення простору – судно та його зв’язок із простором і порожнечею, із зображенням кинутих коліс, литих форм і споруд, побудованих вручну
• Mind the Gap – пластичність глини та її земних асоціацій, включаючи скульптурну роботу від точних і механічних до вільно змодельованих форм
• Відчуття простору – інсталяції, конкретні місця та навколишнє середовище
• Лінія краси – нові творчі можливості та співпраця між мистецтвом і промисловістю, багато з яких стали результатом останніх досягнень технологій.

У комплекті з біографіями представлених керамістів і списком вибраних художніх галерей і музеїв із колекціями сучасної кераміки, це вичерпне дослідження стане незамінним посібником для керамістів, студентів і колекціонерів.

Про автора:

Еммануель Купер – практикуючий кераміст, письменник і критик. Він є редактором Ceramic Review і запрошеним професором кераміки та скла в Королівському коледжі мистецтв у Лондоні.

У 18 столітті мопси потрапили на коліна дворянок, а разом з ними й на портрети сучасних правителів. Маленький і вічно задиханий, мопс не міг використовуватися як сторожовий чи пастуший собака, але він компенсував це своєю чарівністю. Зрештою, собака знайшов свій шлях до порцеляни та фаянсу. Йоганн Йоахім Кендлер, найважливіший модельєр Майсенської порцелянової мануфактури, розробив понад 60 варіантів мопса між 1740 і 1760 роками – стоячи, лежачи, дряпаючись та виконуючи трюки. Кендлер зобразив мопса, що належав графу Генріху фон Брюлю, в чудовому унікальному екземплярі, але він також створив моделі для серійного виробництва. Ця південнонімецька колекція містить понад 150 керамічних мопсів, а також інших собак. Більше того, вони з'являються не лише окремо; вони також можуть бути частиною придворної сцени або прикрашати вироби в галантному стилі – аксесуари, такі як флакони, табакерки та ручки для тростини.

Текст англійською та німецькою мовами.

Цей детальний двотомний комплект пропонує неперевершений науковий погляд на історію данської порцеляни. Відома своєю керамічною промисловістю, Данія заслужила статус провідного експортера порцеляни завдяки жорсткому суперництву з іншими фірмами по всій Європі. Завдяки своїм фабрикам, які неодноразово перемагали на найбільших міжнародних виставках 19-го та початку 20-го століття, данський порцеляновий виробник зайняв своє місце на світовій арені.

Заснована в 1775 році, компанія Royal Copenhagen залишається одним із найстаріших виробників порцеляни, що працює й донині. Протягом своєї історії фабрика пережила численні злети та падіння, а також витримала понад 130 років конкуренції з боку порцелянової фабрики Bing & Grøndahl. Після 1882 року дві фабрики розташовувалися менш ніж за милю одна від одної, а їхні флагманські магазини зрештою конкурували пліч-о-пліч за продажі в самому серці Копенгагена.

Видання «Датський фарфор» було натхненне колекцією порцеляни, кераміки та фаянсу Royal Copenhagen та Bing & Grøndahl, яку складав батько автора у 1947 році протягом двох поколінь. Розроблена протягом останніх 20 років, ця публікація є першим комплексним виданням, яке критично розглядає історію обох фабрик, від їхнього заснування до остаточного об'єднання. Ці два томи, що містять детальні додатки та понад 2400 зображень, є важливим джерелом інформації про історію данського фарфору, включаючи численні технічні та художні успіхи кінця 1880-х років, які революціонізували виробництво в усьому світі.

Про автора:

Доктор Елліот Тодд — колекціонер данського фарфору, кераміки та фаянсу у другому поколінні з фабрик Royal Copenhagen та Bing & Grøndahl. Отримавши ступені бакалавра, магістра та доктора філософії в Університеті Вісконсина, він зараз є професором у провідному американському університеті. Міжнародно визнаний дослідник та викладач у своїй галузі.

An intimate look at this highly acclaimed and popular L.A.-based contemporary designer and artist, who marries old-world techniques with a modern twist, and is best known for his exquisite craftsmanship and detailed creations in bronze, porcelain, and crystal.

David Wiseman is one of the leading American designers of his generation. Produced in collaboration with the artist, this monograph offers an in-depth look at his work, through Wiseman's extensive archives, documents, and illustrations. The book features sketches and photographs of his unique sculptural objects and environmental installations that reveal a true portrait of the artist at work.

The book also shows readers many of his immersive creations that are in private homes and are rarely photographed. Wiseman's goal is creating work that brings nature indoors, ranging from small objects and sculptures to expansive installations. His signature Radial Branch chandelier, made of bronze and sculptured porcelain, is cast from fallen tree limbs he acquired on hiking trails in Los Angeles. His distinct patterns and motifs reveal his deeply rooted love of the natural world--which is evident in designs ranging from faceted-blown-Bohemian-glass crystal tumblers and porcelain vases to rugs, dining room tables, stools, and benches.

About the Authors:

Mayer Rus is the West Coast editor of Architectural Digest. 

Susan Weber is the founder and director of the Bard Graduate Center for Studies in the Decorative Arts. 

David Wiseman is an American artist and designer. From Pasadena, California, Wiseman studied furniture design at the Rhode Island School of Design. 

Bobbye Tigerman is the Marilyn B. and Calvin B. Gross Curator of Decorative Arts and Design at the Los Angeles County Museum of Art. 

Ari Wiseman is a partner with David Wiseman in Wiseman Studio and a former museum executive and curator.

_______

Пролистать книгу David Wiseman

A fascinating look at an extraordinary collection of ceramic masterpieces by celebrated French ceramicist Ernest Chaplet.

Over the last forty years, architect and collector Peter Marino has acquired a remarkable collection of pieces by French ceramicist, Ernest Chaplet. This collection is a precious testimony of a rare production - a new line of ceramics created by Chaplet in 1883 for the Limoges-based factory Haviland & Co. Ernest Chaplet sheds deserved light on this great artist, whose career exemplifies the evolution of artistic ceramics at the turn of the 20th century, and whose work entered the collections of many museums during his lifetime.

About the Authors:

Etienne Tornier is the curator of the nineteenth to twenty-first-century collection at the Musée des Arts Décoratifs et du Design in Bordeaux, France, and teaches at Parsons Paris in the MA program, History of Design and Curatorial Studies.

Peter Marino is the principal of Peter Marino Architect PLLC, the New York-based architecture firm he founded in 1978. His work includes award-winning residential, retail, cultural, and hospitality projects worldwide

Fiona Banner, Phyllida Barlow, Anthony Caro, Richard Deacon, Laura Ford, Antony Gormley, Mona Hatoum, Susan Hiller, Anish Kapoor, Tania Kovats, Richard Long, David Nash, Cornelia Parker, Marc Quinn, Peter Randall-Page, Eva Rothschild, Richard Wentworth, Rachel Whiteread, Richard Wilson and Bill Woodrow - these are the sculptors who have helped define sculpture, and here they are in their own words. From the Sculptor's Studio is a unique collection of personal conversations with 20 seminal artists, each of whom have created iconic work, exhibited worldwide, and pushed past the boundaries of sculpting in their own way.

From the Sculptor's Studio contains 165 colour images of the artists' work, as well as portraits of each of the sculptors.

About the Author:

Ina Cole has written widely on twentieth-century and contemporary art, publishing articles, artist interviews, essays and exhibition catalogues. She is UK contributing editor for Sculpture; a publication affiliated to the International Sculpture Center in the US. Following 10 years at Tate St Ives and the Barbara Hepworth Museum, she held several positions within culture and higher education, and has facilitated many live debates with artists. Ina has an MA in the History of Modern Art and Design from Falmouth University, Cornwall.

A major reassessment of Germaine Richier's work and impact on 20th-century sculpture

Germaine Richier (1902–59) occupies a central position in the history of modern sculpture. Predominantly working in bronze, her art revitalized the form of the figure, forging radical new images of men and women in the post-war period which blended the human body and natural forms in a hybrid of abstraction and figuration.

As the first woman artist to have a solo exhibition in her own lifetime at the Musée National d’Art Moderne, Paris, she held a unique position in the 1940s and 50s as a successful female career artist, exhibiting internationally and developing a style that has been largely overshadowed by the predominant male canon.

This major reassessment of Richier’s complete oeuvre establishes her key position within the artistic context of her time and, more broadly, her influential impact on 20th-century sculpture. Writers including Mika Biermann, Marie Darrieussecq, Maryline Desbiolles and Philippe Lançon, the philosopher Geneviève Fraisse, the anthropologist Charles Stépanoff and the artist ORLAN, evaluate the contemporary resonance of Richier’s creations, where her themes of identity, existence and our relationship with nature are increasingly relevant today. An anthology of the artist’s own writings, plus extracts from previously unpublished letters, complete this definitive volume, marking a long overdue appreciation of Germaine Richier’s distinct artistic originality.

Contents List:

Introduction
Six Essays
Catalogue of Works
The Artist in Her Own Words

About the Author:

Ariane Coulondre is a curator at the Pompidou Centre, Paris. She has contributed to several books, including The Cubist Cosmos.

Інтимна та повна подорож у світ Джанлуки Паккіоні, скульптора, дизайнера та майстра мистецтва й ремесел.

Ця книга – дослідження художнього світу Джанлуки Паккіоні, від лаштунків його майстерні в Мілані до його неймовірного будинку-студії, а також завершених проектів та інсталяцій просто неба. Вона також торкається його натхнення, яке черпається з поєднання італійського класицизму та японського мінімалізму з відтінком французького декоративного стилю сімнадцятого століття.

Спочатку живучи в Парижі, де Паккіоні став скульптором у 1990-х роках, а потім у Мілані, своєму рідному місті, його ательє постійно створює скульптури та меблі лімітованих серій для міжнародних клієнтів. Як піонер у світі мистецтва та дизайну, його підхід до мистецтва є експериментальним та інноваційним, і протягом багатьох років він перейшов від заліза до нержавіючої сталі, а його найновіші роботи були виконані з литої бронзи, напівкоштовного каміння та мармуру.

Про автора:

Федеріка Сала – незалежний куратор та консультант з дизайну. Олів’є Габе — мистецтвознавець і директор Музею декоративного мистецтва в Парижі. Альберто Каваллі — генеральний директор Фонду Колоньї для Métiers d’Art. Кліо Лаво — куратор FILAF, Міжнародного фестивалю художньої книги та кіно в Перпіньяні.

Швейцарія добре відома своєю безліччю чудових колекцій європейського порцеляни XVIII століття. Серед зразкових представників – такі відомі колекціонери, як доктор Альберт Кохер та доктор Марсель Нюффелер. Кілька з цих чудових колекцій можна знайти сьогодні – завдяки пожертвам чи подарункам – у відомих швейцарських установах. Сьогодні «біле золото» із Саксонії все ще захоплює швейцарських поціновувачів: це видання присвячене їхній пристрасті до колекціонування та виняткових скарбів, а також збагачене статтями відомих мистецтвознавців та експертів з порцеляни. Вражаючий огляд найрозкішнішого мейсенського порцеляни раннього періоду.

An intimate monograph of the professional and personal creations of a midcentury design legend. Irving Harper is the most famous designer you have never heard of.

Working as an associate at the office of George Nelson in the 1950s and ’60s, Harper was responsible for such icons of midcentury design as the Marshmallow sofa, the Ball clock, and numerous Herman Miller textile designs. Harper’s unrecognized contribution to this seminal era of design, and his incredible paper sculptures (made in his spare time to "relieve stress"), are presented for the first time in this book. An essay by design critic Julie Lasky introduces Harper’s commercial design work, recognizable designs from graphics to domestic goods to furniture that are still coveted and appreciated today, designed for the offices of Raymond Loewy, George Nelson, and then his own studio Harper + George. The second part of the book documents Harper’s extensive paper sculptures, which have never been exhibited. More than three hundred works fill Harper’s house and barn in Rye, New York, where this array of fantastical people and animal sculptures was created from modest and inexpensive materials as diverse as spaghetti and toothpicks in addition to paper. Images of Harper’s home, filled with furniture and objects of his own design as well as his paper sculptures, offer a rare glimpse into a Modern design enthusiast’s paradise.

Offering insight into an important era of American design as well as the prolific output of a creative mind, this book promises to be the first to recognize Irving Harper’s contribution to the field and will appeal to fans of Modern design.

About the Authors:

Michael Maharam is the CEO of Maharam, a recipient of the Cooper-Hewitt National Design Award for Design Patron, and the author of Maharam Agenda. Julie Lasky is Deputy Editor, Home at the New York Times and was formerly the editor-in-chief of I.D. and Interiors.

_____________

Пролистать книгу Irving Harper: Works in Paper