Книги з живопису

Опублікований з нагоди великої ретроспективи, цей чудовий новий огляд зосереджується на картинах, пов’язаних з роками, які Хоакін Соролья провів у Парижі.

Уродженець Валенсії, іспанський імпресіоніст Хоакін Соролла (1863–1923) вперше поїхав до Парижа в 1885 році як молодий художник у віці двадцяти трьох років. Він виставлявся на міжнародних салонах, отримавши Гран-прі на Всесвітній виставці в 1900 році, а в 1906 році він вперше виставлявся в Galerie Georges Petit, одній з головних галерей імпресіоністів. Виставка мала приголомшливий успіх і допомогла створити міжнародну репутацію Sorolla. Відомий своїми енергійними композиціями, незвичайною кольоровою палітрою та вільними, сяючими мазками пензля, залиті сонцем пейзажі, пляжні сцени та світлові портрети Соролла вразили навіть таких сучасників, як Клод Моне. Ця важлива книга, багато ілюстрована та нещодавно досліджені есе відомих учених, відкриває багато нової інформації про діяльність Соролли та стосунки з іншими митцями в Європі.

Включено понад сто картин, що відображають кар’єру художника, від його ранніх робіт у Парижі, в яких чітко помітний вплив французьких імпресіоністів, до характерних картин, які відображають його зрілий і знаменитий стиль.

Про авторів:

Веронік Жерар-Пауелл – головний куратор і старший викладач історії мистецтва в Університеті Париж-Сорбонна, спеціаліст з іспанського живопису та історії колекціонування.
Домінік Лобштейн є колишнім керівником відділу документальних досліджень у відділі живопису Музею д’Орсе в Парижі.
Марія Лопес Фернандес є головним куратором Mapfre Foundation, Мадрид.
Бланка Понс-Соролла є провідним дослідником творчості Хоакіна Соролла, вона написала численні книги та внесла свій внесок у них, зокрема Sorolla: The Masterworks (Skira Rizzoli, 2012). Вона є правнучкою художника.

_________

Погортати книгу Sorolla and the Paris Years

Новий огляд найкращих робіт невловимого та вражаючого іспанського імпресіоніста Хоакіна Соролли.

Хоакін Соролла (1863–1923), якого часто порівнюють зі своїм сучасником, американським художником Джоном Сінгером Сарджентом, був майстерним малювачем і живописцем пейзажів, парадних портретів і монументальних полотен на історичну тематику. Перебуваючи під сильним впливом французького імпресіонізму, валенсійський художник був майстром пленерного живопису, відомим своїми яскравими приморськими сценами веселої молоді та яскравими зображеннями іспанського сільського життя та його задоволень і звичаїв.

Цей чудово оформлений і виготовлений том об’єднує сотню головних картин Соролли, відібраних його правнучкою Бланкою Понс-Соролла, найбільшим авторитетом у художниці. Завдяки тісній близькості до художника та його особистих архівів, вона представляє глибоке есе, яке досліджує життя, творчість і видатну міжнародну спадщину Соролли.

Оскільки майже всі попередні публікації художника вже вийшли з друку, цей довгоочікуваний том є важливим доповненням до літератури про цього великого іспанського майстра.

Про автора:

Бланка Понс-Соролья є провідним дослідником творчості Хоакіна Соролья, вона написала численні книги та долучилася до них.

____________

Погортати книгу Sorolla: The Masterworks на сайтi видавництва.

Перша велика монографія про Муракамі в США за десять років є вичерпним оглядом картин одного з найвпливовіших художників сьогодення.

Такаші Муракамі (нар. 1962), один з найвідоміших представників сучасного мистецтва, отримує довгоочікуваний критичний розгляд у цьому важливому томі. Супроводжуючи першу ретроспективну виставку, присвячену виключно картинам Муракамі, ця книга простежує кар'єру Муракамі від його раннього навчання до його сучасної студійної практики.

Там, де інші книги розглядають комерційні аспекти творчості Муракамі, ця є першим серйозним оглядом його творчості як художника. Через есе та ілюстрації — багато з яких раніше не були опубліковані — вона досліджує зв'язок художника з традиціями японського живопису та його вміння поєднувати високе та низьке, стародавнє та сучасне, східне та західне, комерційне та високе мистецтво. Нові тексти розглядають творчість Муракамі в контексті повоєнної Японії, розглядаючи митця у зв'язку з фольклором, традиційним японським живописом, токійською арт-сценою 1980-х і 1990-х років та загрозою ядерного знищення. Цей багато ілюстрований том також містить детальну біографію та історію виставок. Такаші Муракамі є справжньою знахідкою як для колекціонерів, так і для шанувальників.

Про авторів:

Мадлен Грінштейн — директор Прітцкерівської премії, а Майкл Дарлінг — головний куратор Музею сучасного мистецтва імені Джеймса В. Альсдорфа в Чикаго. Майкл Ділан Фостер — доцент Університету Індіани в Блумінгтоні. Челсі Фоксвелл — доцент Чиказького університету. Рубен Кіхан — куратор Художньої галереї/Галереї сучасного мистецтва Квінсленду в Брісбені, Австралія. Акіра Мізута Ліппіт — професор і голова Дорнсайф-коледжу Університету Південної Каліфорнії. Нобуо Цудзі — незалежний науковець, автор та експерт з японської естетики.

_________

Погортати книгу Takashi Murakami: The Octopus Eats Its Own Leg

A revised edition of a classic title, now with digitally restored photographs, showcasing the finest surviving examples of ancient Buddhist art.

'Benoy K. Behl's remarkable photographs, painstakingly gathered and digitally restored over thirty years of hard labour, are probably the best and truest record of these fabulous treasures that will ever be created.' William Dalrymple

A revised edition of a classic title, now with digitally restored photographs, showcasing the finest surviving examples of ancient Buddhist art.

Since their chance re-discovery in 1819, the breathtaking paintings and sculptures of the Ajanta caves have inspired and delighted experts and amateurs alike. Ranging in date from the second century BCE to the sixth century CE, these ancient Buddhist artworks rank among the world's most important cultural treasures. Benoy K. Behl captured the beauty and luminosity of these works using long exposures and only natural light and now presents them here digitally restored to show the paintings closer to their original glory than ever before.

The exquisite murals, depicting the tales of previous incarnations of Buddha, scenes of princely processions and fantastical birds and beasts, provide virtually the only evidence of painting styles that first developed in India and remain crucially important to the understanding of Buddhist art throughout Asia. On UNESCO's list of World Heritage Sites, the Ajanta caves survive as a potent symbol of the great beauty of India's rich artistic past.

This new edition provides for the first time a view of some of the masterpieces of Ajanta painstakingly digitally restored by Behl. Sensitively carried out, the restoration makes the paintings clearer without interfering with their original grace and nuance, leading to a deeper appreciation of their artistry. Accompanied by expert commentaries to fully immerse the reader in the cultural context of the murals, this book will help preserve the legacy of the glorious art of Ajanta for years to come.

About the Author:

Benoy K. Behl is an art historian, film-maker and photographer who is known for his tireless and prolific output of work over the past forty-six years. He has taken over 53,000 photographs of Asian monuments and art heritage and made 145 documentaries on subjects of art and culture.

Riders on the Storm. The charge of 20th-century expressionism

Join the heady ride of Der Blaue Reiter, the group of artists who galloped just three years of the early 20th century together, but in their rejection of establishment standards and charge into a new artistic realm marked a major step in the evolution of European Expressionist and abstract art.

Although it only lasted three turbulent years, the afterburn of the Blaue Reiter (1911–1914) movement exerted a tremendous influence on the development of modern European art. Named after a Kandinsky painting, The Blue Rider, this loose band of artists, grouped around Russian émigré Wassily Kandinsky and German painter Franz Marc, sought to reject establishment standards and charge into a new artistic unknown.

Articulating spiritual values and concerns in an era of rapid industrialization, the artists of the Blaue Reiter were connected by a shared interest in painting, woodcuts, and prints, as well as the symbolic values of color and spontaneous approaches to artwork. Key pieces such as Franz Marc’s Blue Horse I (1911), Kandinsky’s Picture with a Black Arch (1912), and August Macke’s Woman in a Green Jacket (1913) reveal varying subjects, but all channel distorted perspectives, crude lines, and an emphatic, expressionist use of color.

The Blaue Reiter was abruptly truncated by the onset of the First World War, which killed two of its leading artists, along with growing dissent between the group’s protagonists. This book reveals the movement’s remarkable influence despite its brevity, presenting key works, artists, and their reverberating effects.

The author:

Hajo Düchting studied art history, philosophy, and archaeology in Munich, where he gained his doctorate in 1981 with a thesis on Robert Delaunay’s Windows series. After working in museum and adult education, he moved on to teaching posts and guest professorships at the universities of Munich, Kassel, Leipzig, Saarbrücken, and Mainz. Düchting has published numerous articles on the art of the modern era, color theory, and the teaching of art, and has authored a number of TASCHEN titles, including Paul Cézanne, Wassily Kandinsky, Robert and Sonia Delaunay, and Georges Seurat.

About the series:

Born back in 1985, the Basic Art Series has evolved into the best-selling art book collection ever published. 

Each book in TASCHEN’s Basic Art series features:
- a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance
- a concise biography
- approximately 100 illustrations with explanatory captions

A compelling and authoritative overview of the drawings of Vincent van Gogh, one of the most celebrated and intriguing figures in the history of art.

Vincent van Gogh's (1853-1890) drawings are some of the most familiar and expressive in the history of art. Van Gogh believed that drawing was the 'root of everything', and this was reflected in his remarkable output of over 1,000 works during his short and tragic life; many of them personal, often lonely explorations of the emerging modern world.

This book is the first comprehensive account to celebrate the singularity of the artist's achievements in this field. Arranged broadly thematically, from drawings of potato harvesters to depictions of knotted poplars, pensive studies from life to a sketch of the famous Yellow House in Arles, eminent art historian and curator Christopher Lloyd encourages readers to consider the artist's drawings from a fresh viewpoint: documenting successes and failures, experiments, trials and disappointments. Primarily self-taught, Van Gogh's approach to drawing was instinctual, but he soon recognized the importance of mastering the grammar of art - anatomy, foreshortening, perspective - as well as materials and techniques, in order to express his emotional responses to a subject as vividly as possible. With examples from the artist's voluminous and emotionally charged family correspondence, sketchbooks, and comparative artworks by the Old Masters and contemporaries, this engaging study outlines why drawing is central to Van Gogh's oeuvre, and equal to the intensity and reputation of his paintings.

Featuring works from the Van Gogh Museum, Amsterdam and many other important collections in Europe and the US, this beautifully illustrated volume offers an extensive interpretation of the artist's drawings, beyond what has been published to date.

About the Author:

Christopher Lloyd is an art historian and curator. He was Surveyor of The Queen’s Pictures in the British Royal Collection from 1988 to 2005, and is the author of Edgar Degas: Drawings and Pastels (2014), Paul Cézanne: Drawings and Watercolours (2015), Impressionist and Post-Impressionist Drawings (2019) and Masterpieces: An Art Lover’s Guide to Great Britain and Ireland (2022), all published by Thames & Hudson. His many other publications include art monographs, official catalogues of museum collections and general surveys of the British Royal Collection.

Contents List

Preface
Brief Chronology of the Life of Vincent van Gogh
1. Setting Out
2. Figures
3. Compositional Drawings: Figures and Landscapes
4. Place
5. Landscape
6. Portraits
7. Repetitions
Epilogue

Революція світла та кольору

Іноді, коли щось здається дуже знайомим, ви втрачаєте з поля зору те, що робить його таким особливим: фламандські майстри. Книга Flemish Masters. From van Eyck to Bruegel має на меті протидіяти цьому ефекту та знову відкриває нам очі на революцію, яка відбулася в Нидерландах у 15-му та 16-му століттях та сформувала хід європейського мистецтва. У 48 щедро ілюстрованих аналізах Маттіас Депуртер досліджує, як такі художники, як Ван Ейк, Ван дер Вайден, Массіс, Босх та Брейгель, досягли небувалих висот і по праву вважаються новаторами й донині. Визначальним фактором було їхнє вдосконалення та володіння технікою олійного живопису, а також їхня новаторська увага до оптичних світлових ефектів. Нові технічні можливості пропонували інший погляд на світ і, зрештою, новий спосіб живопису. Не менш інноваційним був рівень деталізації. Ці художники були добре знайомі з роботами один одного — цей том демонструє фундаментальне художнє взаємозбагачення. Обов’язкова книга для кожного, хто хоче по-новому закохатися у старі шедеври.

Про автора:

Маттіас Депуртер (*1980) – письменник та історик мистецтва. Він був одним із кураторів основоположної виставки «Ван Ейк: оптична революція» в Музеї образотворчих мистецтв у Генті та координував супровідну наукову публікацію.

A new edition of this classic collection of letters, critical reviews and reminiscences by Impressionist artists and their contemporaries.

The Impressionists - Monet, Manet, Degas, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley and others - are probably the most popular of all artistic schools. Their struggle to impose a new vision is one of the most absorbing in the whole history of art. With imagination and insight, art historian Bernard Denvir brings Impressionism into focus by showing it through the eyes of the artists themselves and their contemporaries, against the background of the time.

Through letters, critical reviews, statements and reminiscences - whether explosive or appreciative, blinkered or perceptive - of the people who were there, the story of this ground-breaking art movement comes alive. This was the age of innovation, political liberalization, emergent photography and modern ideas about perception. The Impressionists had new ways of painting, but they also had a new world to paint.

This revised edition now features full colour reproductions of art throughout and an updated bibliography.

About the Author:

Bernard Denvir was a distinguished art critic, art historian and writer. He was head of the Department of Art History at Ravensbourne College of Art and Design, a member of the Council for Academic Awards, and for several years President of the British section of the International Association of Art Critics. He wrote widely on art, including books on Chardin, Impressionism, Post-Impressionism and Fauvism.

Contents List:

Introduction
Documents 1855–1871
Impressionist colour Documents
1. 1871–1873
2. 1874–1876
3. 1877–1881
4. 1882–1885
5. 1886–1894
6. 1895–1920
Biographies
Chronology
Bibliographical note
List of illustrations

There are no rules, and even less justice. Death takes everyone without discrimination. Sometimes it is accidental – like Signorelli, who fell from scaffolding. Sometimes it is expected, as with the diabetic Cezanne, who wrote “I am old, sick, and I swore to die while painting”. But often, researching a painter’s death is an easier task than determining which of their works is truly their ‘last’. Paintings tend to be dated by year and not month, inciting much debate among art historians. This book embraces this ambiguity, studying 100 examples of works that lay completed for several years, or were left unfinished on the easel, or were finished post-mortem by a friend’s grieving hand.

The Last Painting collects 100 terminal paintings from 100 artists, including Dalí, Manet, Toulouse-Lautrec, Degas, Goya, Pollock, Rembrandt, Dix, Bonnard, Titien, and many more. Each picture gives us a glimpse into the painter’s mind. Did they know death was coming? Did they paint with denial, or acceptance? Did they return to a favourite subject, or decide to embark on a new, original project while they still had time? A poetic and thought-provoking book, The Last Painting is a sensitive exploration of the relationship between art and death.

- A collection of 100 final paintings from 100 deceased artists, with accompanying biographies and thought-provoking text
- Features a diverse range of artists, from Bosch, Rubens, and Fragonard, to Hopper, Mondrian, and Kahlo
- Generates a fascinating discussion about the relationship between art and death

About the Author:

Born in 1949, Bernard Chambaz is a historian, poet, novelist and essayist. He is the winner of Goncourt's First Novel Award (1993), Apollinaire Awards (2005), Louis- Guilloux (2008) and Roland-de-Jouvenel of the French Academy (2014). He has written about fifty books, including Ghetto, Dernières Nouvelles du martin-pêcheur, À tombeau ouvert and 17.

Історична видавнича подія! Вперше в історії всі 3022 картини з найпопулярнішого музею світу зібрані у вражаючій книзі, закритій футляром.

Від «Мони Лізи» да Вінчі до «Мережівниці» Вермеера, Лувр містить багато найвідоміших і найважливіших картин усіх часів. The Louvre: All the Paintings дозволяє переглядати кожну картину, яка наразі виставлена ​​в постійній колекції музею, не виходячи з дому.

Упорядковані та розділені на чотири основні колекції живопису музею — Італійська школа, Північна школа, Іспанська школа та Французька школа — картини представлені в хронологічному порядку за датою народження художника. Чотириста найбільш знакових і значущих картин висвітлюються дискусіями в 300 слів істориками мистецтва Аньєю Гребе та Вінсентом Помаре про ключові атрибути роботи, на що звертати увагу під час перегляду картини, натхнення та техніки художника, біографічну інформацію про художника, вплив художника на історію мистецтва тощо.

Про авторів:

Аня Гребе викладає історію мистецтва в університеті Ерланген-Нюрнберг/Німеччина. Вона бере участь у численних міжнародних дослідницьких проектах і виставках і має багато публікацій з історії середньовічного та сучасного мистецтва. Гребе є автором книг Florence: The Paintings & Frescoes. та The Vatican: All the Paintings. Вона живе в Ерлангені, Німеччина.

Еріх Лессінг більше п'ятдесяти років документує культуру й образотворче мистецтво Європи та Близького Сходу. На сьогоднішній день він, мабуть, провідний незалежний мистецький фотограф у західному світі. Він створив Архів культури та образотворчого мистецтва Еріха Лессінга, який є великою бібліотекою зображень, що містить понад 40 000 зображень високої роздільної здатності з понад 500 музеїв і приватних колекцій по всьому світу, включаючи повне висвітлення таких установ, як: Лувр і Музей д'Орсе в Парижі, Художньо-історичний музей у Відні, Уффіці у Флоренції, Пінакотека Брера в Мілан, Прадо в Мадриді та багато іншого. Працюючи фотографом у всьому світі понад шість десятиліть, він видав понад 40 книг зі своєю художньою фотографією. Він живе у Відні та регулярно подорожує до Парижа та інших мистецьких столиць світу.

Без сумніву, Пікассо є однією з найважливіших і різнобічних художніх особистостей двадцятого століття. Але як робота стає настільки успішною і як вона потрапляє у великі колекції, музеї та виставки? Нерідко це сміливість окремих людей, які впізнають геніальність у творах і захищають їх перед обличчям консерватизму та критики. У випадку Пікассо ця роль у Німеччині випала бременському арт-торговцю Міхаелю Герцу. Саме його діяльність у післявоєнний період призвела не лише до музеєфікації художника після Другої світової війни, але й принесла велику користь Кунстхалле Бремен, який має одну з найбільших колекцій гравюр художника. Цей том об’єднує видатні друковані вироби, зокрема літографії, ліногравюри та книжкові ілюстрації. Творчість Пікассо можна розглядати як захоплюючу колекцію, в якій можна прочитати тріумф доступного медіа у післявоєнній Німеччині, а також сильну відданість дилера.

Про авторів:

Пабло Пікассо (1881–1973) вважається втіленням художника двадцятого століття. Крім живопису і скульптури, особливою популярністю користуються його графічні роботи.

Майкл Герц (1912–1987) зробив собі ім’я у післявоєнний період як арт-дилер. Завдяки своїм контактам із французькою мистецькою сценою він познайомився з роботами Пікассо та став ексклюзивним представником його друкованих робіт у Німеччині.

Ця грандіозна екскурсія по Королівській колекції Великої Британії надає дуже рідкісну можливість побачити скарбницю мистецтва, яка не є легкодоступною для широкого світу – більшість картин зазвичай не доступні для публічного огляду, включаючи кілька, які ніколи не виставлялися публічно з моменту надходження до колекції.

Хоча відомо, що Корона має одну з найбільших у світі колекцій Леонардо, відвідувачі нещодавньої виставки Карла I в Королівській академії були вражені багатством Королівської колекції та її численними небаченими роботами. Цей надзвичайний том розкриває більше неперевершеної колекції, яка розміщена в тринадцяти історичних королівських резиденціях, від Букінгемського палацу та Віндзорського замку, де регулярно проживає королівська родина, до приміщень, спеціально присвячених публічному показу мистецтва, Королівської галереї та палацу Гемптон-Корт.

Вона містить понад мільйон предметів, включаючи 7000 картин та 180 000 акварелей, малюнків та гравюр. Цей приголомшливий том, підготовлений у співпраці з кураторами Королівської колекції, демонструє 240 шедеврів у найдрібніших деталях, включаючи картини Тиціана, Мікеланджело, Леонардо, Караваджо, Каналетто, Дюрера, Кранаха, Гольбейна, Рубенса, Рембрандта, ван Дейка, Вермеера, Гейнсборо та багатьох інших. Також включені скарби з величезної колекції малюнків, акварелей та мініатюр.

Про авторів:

Анна Познанська — куратор і заступник завідувача відділу європейського та американського мистецтва XIX та XX століть у Державному музеї образотворчих мистецтв імені Пушкіна, Москва. Тім Нокс — директор Королівської колекції.

___________

Погортати книгу The Queen's Pictures: Masterpieces from the Royal Collection

Демонструє шедеври мистецтва епохи Відродження, які можна знайти в італійських музеях.

Шедеври італійського Відродження знаходяться в церквах та музеях по всій Італії. Ця книга розповідає про Леонардо да Вінчі, Рафаеля, Мікеланджело та інших художників з місця в місце – Мілана, Флоренції, Ватикану, Урбіно та інших місць – відзначаючи як великі твори, так і ті, що знаходяться в менш відомих місцях.

Зміст: Вступ; Весна Відродження; Леонардо у Флоренції: Майстерня Верроккьо; Рафаель: Від початку в Урбіно до ранніх шедеврів; Леонардо в Мілані: Двір Сфорца; Чудеса Атлантичного кодексу; Гора Санта-Клаус, одна з найкрасивіших картин у світі; Тріумф Рафаеля: Кімната Сегнатури та перші римські шедеври; Рафаель до кімнати Геліодора; Мікеланджело-художник; Рафаель: від карикатур для Сікстинської капели до кімнати вогню в Борго; Рафаель: Наглядач за образотворчими мистецтвами; Ватиканські ложі; Таємниця першого Караваджо; Покажчик творів та місць зберігання.

Текст англійською та італійською мовами.

___________

Погортати книгу The Renaissance in Italian Museums​ 

Ватикан є одним з найбільш відвідуваних місць у світі. Він охоплює численні музеї та палаци, а також містить одну з найкращих колекцій мистецтва, відомих людству. Зібраний папами протягом століть, включаючи кілька найвідоміших римських скульптур та важливі шедеври мистецтва епохи Відродження у світі, Ватикан є постійним джерелом благоговіння та захоплення.

Від Сікстинської капели Мікеланджело та його П'єти до фресок Рафаеля та робіт Джотто, Фра Анджеліки, Тиціана та Караваджо, «Ватикан: усі картини» – це безпрецедентне оспівування цієї великої колекції. Книга організована у 22 розділи, що представляють музеї та райони Ватикану, включаючи Пінакотею, Сікстинську капелу, кімнати Рафаеля, апартаменти Борджіа, палаци Ватикану та базиліку Святого Петра.

Кожен із 976 творів мистецтва, представлених у цій книзі, включаючи 661 класичну картину, що експонується в постійній колекції картин, та 315 інших шедеврів, супроводжується назвою картини та художниками, датою створення роботи, народженням та смертю художника, використаним матеріалом, розміром роботи та каталожним номером (якщо є). Крім того, 180 найвідоміших картин, скульптур та інших творів мистецтва представлені у вигляді есе на 300 слів від історика мистецтва Ані Гребе та автора бестселерів Росса Кінга. Тут ви знайдете інформацію про ключові характеристики роботи, на що звернути увагу під час її перегляду, натхнення та техніки художника, біографічну інформацію про художника та вплив художника на історію.

Про автора:

Про автора:

Аня Гребе викладає історію мистецтва в Університеті Ерлангена в Нюрнберзі, Німеччина. Вона бере участь у численних міжнародних дослідницьких проектах та виставках, а також має багато публікацій з історії середньовічного та сучасного мистецтва. Гребе є авторкою книг The Louvre: All the Paintings та Florence: The Paintings & Frescoes. Вона живе в Ерлангені, Німеччина.

Знаменита картина Моне «Враження: схід сонця, Гавр» представляла найінноваційніший, а згодом і найпопулярніший, художній напрямок, який коли-небудь бачив світ, і його привабливість не зникає й донині. Експерименти Моне зі світлом і кольором детально описані в цьому останньому доповненні до нашої серії бестселерів «Найвеличніше мистецтво світу».

Книга, організована у п'ять розділів про життя, суспільство, місця, впливи та техніки, дозволяє читачеві розглянути Моне з різних точок зору та контекстів, забезпечуючи ширше розуміння цього великого художника.