Дизайн

Широкий і захоплюючий вступ до місця та сили кольору в житті та мистецтві від Джона Гейджа, автора відзначеної нагородами «Колір і культура».

Складний феномен кольору отримав детальну увагу з точки зору фізики, хімії, фізіології, психології, лінгвістики та філософії. Однак у людей, які найбільше працюють з кольором – художників – рідко запитували їхню думку щодо цієї таємничої теми.

Джон Гейдж збирається усунути це упущення, зосереджуючись на думках і практиках художників. Колір у мистецтві стосується історії кольору, але сам по собі не є історією; натомість кожен розділ розробляє тему з іншої наукової дисципліни, як це видно з точки зору таких різних митців, як Василь Кандинський, Вінсент Ван Гог, Соня Делоне, Бріджит Райлі та Кліффорд Посум Т’япалт’яррі. Спираючись на приклади віків, від стародавніх часів до сьогодення, багато тем, які розглядаються, включають прапори, синестезію, теософію, театральний дизайн, кіно, хромотерапію та хромофобію.

Це нове видання цього класичного тексту містить нову передмову художньої письменниці Келлі Гров’єр, яка описує сучасні розробки у вивченні кольору, а також оновлену бібліографію. Це нове видання цього класичного тексту пропонує широкий і захоплюючий вступ до місця та сили кольору в житті та мистецтві.

Про автора:

Джон Гейдж — визнаний міжнародний авторитет в галузі історії мистецтва та кольору, написав багато книг на цю тему, зокрема Colour and Meaning та відзначену нагородами Colour and Culture, обидві опубліковані Thames & Hudson. З 1992 по 1995 рік він очолював кафедру історії мистецтва Кембриджського університету. Келлі Гров’є є автором статей для BBC Culture і автором кількох відомих досліджень про мистецтво, зокрема A New Way of Seeing: The History of Art in 57 Works (2018) та The Art of Colour (2023), обидві опубліковані видавництвом Thames & Hudson.

Taking a practical approach to colour, Colour: A Workshop for Artists and Designers is an invaluable resource for art students and professionals alike. With its sequence of specially designed assignments and in-depth discussions, it effectively bridges the gap between colour theory and practice to inspire confidence and understanding in anyone working with colour. This third edition is updated with more contemporary examples drawn not just from painting, but from textiles, graphic design, illustration and animation. An expanded discussion of digital techniques, new assignments and a refreshed design have all been brought together to create a highly readable and relevant text.

About the Author:

David Hornung is Professor of Art at Adelphi University in Garden City, New York. He has exhibited his paintings in many solo and group exhibitions in the US and UK.

The first chronological global history of comics, from 1968 through to the present day

The story begins in 1968, a key year in comics’ shift from being driven by commercial potential into a means of self-expression respected not just as entertainment but also as art. The book traces comics’ evolution up to the emergence of today's global, digital scene and the medium’s likely future.

Robert Crumb and Gabrielle Bell, Jack Kirby and Alan Moore, Moebius, Yumiko Oshima and Osamu Tezuka are just a few of the hundreds of artists and writers included – making it unprecedented in its global reach.

The broad reach of Comics extends to artists, styles and movements, spanning Marvel and DC superheroes; the Underground movement and manga powerhouse Osamu Tezuka; politically charged Italian fumetti and sexually charged ladies’ manga; the Francophone technique of ligne claire; sci-fi; Métal Hurlant; the pioneering Japanese alternative journal Garo; the graphic memoir and the graphic novel; and, finally, the moment comics made the jump from page to web page.

Featuring the best-known artists and writers – from Jack Kirby, Hergé and Moebius to Katsuhiro Otomo, Neil Gaiman and Alan Moore – Comics also introduces readers to some creators they may not yet have encountered, such as Andrea Pazienza, the Fort Thunder collective and Fabrice Neaud.

In 1985, Nike released Michael Jordan’s first sneaker, the Air Jordan 1, and sneaker culture was born. Now thousands of people wait in line at Supreme, and companies throw millions of dollars at LeBron James to keep him in their marketing plans. The trend that saw steady growth for decades with the emergence of sports, hip-hop, and sportswear advertising has exploded into a phenomenon. And no one has watched that phenomenon more closely than Complex.

Sneaker of the Year explores the past 35 years of sneaker culture with the expertise, authority, and passion that only Complex can offer. With vibrant photographs and illustrations throughout, as well as input from some of the sneaker world’s most important voices, this compilation is a must-have for hypebeasts and sneakerheads everywhere.

About the Author: 

Complex is a New York-based media platform that reports on trends in style, pop culture, music, and sports, with a focus on streetwear, sneaker culture, hip-hop, and graphic art. It was founded by Marc Ecko in 2002.

Найбільш повний том на цю тему будь-якою мовою японського графічного дизайну було досліджено та опубліковано в Італії до першого десятиліття нового тисячоліття, але з того часу до сьогодні є прогалина.
за редакцією Gian Carlo Calza з Елізабеттою Скантамбурло

Це дослідження має на меті заповнити цю прогалину, розглядаючи перші два десятиліття нового тисячоліття, охоплюючи, з одного боку, минуле, в іменах важливих визнаних майстрів, а з іншого боку досліджуючи нові імена та тенденції. Том включає 85 графічних дизайнерів і 756 плакатів. Це найповніший том на цю тему будь-якою мовою.

Вважається, що японські сучасні плакати почали створюватися в середині 50-х років, після Другої світової війни та після періоду депресії, постмілітаризму та поставтаркії. Новий експресивний спосіб підживлювався стимулами, що надходили з-за кордону, але це також був шанс переосмислити традиційні теми та кольори, перенісши їх у сучасність освіжаючим та успішним способом.

З післявоєнного періоду в Японії стрімко розвиваються мистецтва: живопис, архітектура, скульптура, графіка, театр, музика, кіно. Впливи, асиміляції, заперечення, трансформації, нові творчі процеси породили величезну кількість культурних і мистецьких рухів. У цьому лабіринті експресивних форм графічний дизайн є дорогоцінним інструментом для відстеження та наслідування нитки національної творчості та більш-менш інтенсивної сталості традиційної естетичної чутливості в нових формах.

Понад півстоліття після зародження графіки та майбутні Олімпійські ігри, які відбудуться зараз у 2021 році, цей том має на меті отримати широкий погляд на тенденції та естетичні зміни, які можна простежити в розвитку графічного дизайну в Японії.

______________

У цій книзі зібрано найкраще з японського графічного дизайну в плакатах, які супроводжували Японію від Олімпіади в Токіо 1964 року до створення логотипу Issey Miyake і від Osaka Expo до офіційного плаката Pan-Pacific Design Congress. Кенія Хара народився в провінції Ок'яма в 1958 році. Після закінчення факультету дизайну в Університеті мистецтв Мусасіно в 1981 році та отримання ступеня магістра в 1983 році він приєднався до центру дизайну Nippon, де в 1992 році заснував Інститут дизайну Хара.

Юсаку Камекура народився в Канбарі в 1915 році. Його вважають особою, яка найбільше сприяла поширенню японського графічного дизайну в період після Другої світової війни. У 1933 році він закінчив факультет архітектури та промислового мистецтва; у 1940 році він став директором Nippon Kobo, а в 1949 році його призначили художнім керівником журналу Commerce Japan. Його найважливіші проекти, включно з плакатами для Олімпійських ігор 1964 року, Виставки в Осаці 1970 року, Хіросімських звернень і логотипу Nippon Telegraph and Telephone Corporation, зробили значний внесок у підвищення його слави.

Шін Мацунага народився в 1940 році в Токіо. Після закінчення факультету дизайну в Токійському національному університеті образотворчого мистецтва та музики в 1964 році він приєднався до рекламного відділу Shiseido. Він розробив плакат PEACE ’86 і курував весь графічний дизайн для Музею сучасного мистецтва Sezon. Він також розробив символ і офіційний плакат для Пан-Тихоокеанського конгресу дизайну 1989 року, плакат з правами людини на честь 200-річчя Французької революції, медаль до 120-річчя Монетного двору, логотип для Issey Miyake і RHIGA Royal Hotels і дизайн упаковки для французького бренду сигарет Gitanes Blondes (1995).

Кінорежисер і арт-директор Нагі Нода народилася в Токіо і зробила собі ім’я одного з найважливіших молодих японських дизайнерів. Спочатку вона здобула популярність як арт-директор, розробляючи рекламу для друкованих ЗМІ та графіку для видавництва та музичної індустрії, а потім працювала для більших клієнтів, таких як Nike та універмаги Laforet Harajuku. Ікко Танака народився в 1930 році в Нарі. У 1950 році, коли йому було лише 19 років, він закінчив Школу образотворчого мистецтва міста Кіото (нині Кіотський університет мистецтв) і одразу після цього почав працювати в таких компаніях, як текстильна компанія Kanegafuchi та щоденна газета Sankei Shinbun. Він розробив вивіски та медалі для Олімпіади в Токіо 1964 року та павільйон, присвячений історії Японії на виставці Osaka Expo 1970 року.

Celebrating twenty-five years of PHUNK, this book traces the ways in which the Singapore-based design collective has mixed urban street culture, art and design to create a unique body of work

Traditional Chinese folklore, Hong Kong wuxia pulp fiction, Japanese manga, American street culture and British new wave music — all come together in the universe of PHUNK. Since its founding in 1994, the Singapore-based contemporary art and design collective made up of Alvin Tan, Melvin Chee, Jackson Tan and William Chan has blended diverse cultures, broken down creative boundaries and surpassed the waves of globalization to create a visual signature of its own.

Control Chaos is a deep dive into this visual rock band, retracing their journey over the last twenty-five years to becoming one of 21st-century Asia’s leading creative studios.

About the Author:

Justin Zhuang is a writer and researcher with an interest in design, cities, culture, history and media. He has written several books about Singapore design, including INDEPENDENCE: The History of Graphic Design in Singapore Since the 1960s.

Прихований за маскою та одягнений у плащ творчої цікавості, Джо ла Помп викриває імітаційні рекламні кампанії та надихає всіх нас придивитися ближче.

Джерелами натхнення найчастіше вважаються книги про рекламу. Copy Paste сміливо дотримується протилежного курсу. Справа не в тому, що зібраним тут скарбам реклами бракує художніх достоїнств. Навпаки! Представлена ​​реклама була представлена ​​на великих галузевих конференціях і отримала престижні нагороди. Іншою спільною рисою кампаній, які представляє Copy Paste, є те, що всі вони є репродукціями. Питання, чи є це результатом навмисного плагіату чи нещасливого збігу обставин, залишається відкритим.Copy Paste надає зображення та дозволяє читачеві прийняти рішення. Наочний урок оригінальності: вибрані кампанії мають унікальні хештеги, які дозволяють читачам взаємодіяти з обширними дослідженнями Джо ла Помпа, висловлювати свою думку в Інтернеті та робити власні судження.

Copy Paste, третя книга Джо ла Помпа, сприяє більшій креативності. Через понад шість сотень рекламних кампаній, що містять близько трьохсот оригінальних концепцій, книга викликає запитання: збіг обставин, явище чи безсоромний плагіат? Щоб визначитись, її доведеться прочитати – мінімум двічі.

Про автора:

Протягом майже 20 років Джо ла Помп переслідував пристрасть до розкриття ідентичної реклами, яка хизується ідентичними ідеями та концепціями, але походить з різних країн і періодів. Джо ля Помпе зближує їх віч-на-віч у найпростіший і найефектніший спосіб. Працюючи під прикриттям за допомогою своєї знакової маски, сьогодні він є найвідомішим у світі «мисливцем за копіями». За французьким блогером стежать рекламодавці з усього світу, яким подобаються його одкровення, хоча їхнє захоплення може швидко змінитися на гіркоту, коли він їх спіймає.

Progressing through almost two centuries of corset-making, this fascinating collection showcases an astonishing range of period pieces, from the 1750 whale-boned corsets, through the invention of the sewing machine and mass-produced corsets of the 1850s to the makeshift corsets of World War I.

Reflecting the changing fashions and attitudes of women throughout the centuries, the collection includes corsets for pregnancy, riding corsets for sportswomen and hard-wearing corsets for housemaids. There are even corsets for small children and their dolls.

The book is packed with practical information on how to recreate these stunning period pieces for yourself. Each corset features an annotated pattern, a detailed drawing and close-up photography so historical detail can be captured accurately by the maker. A brief overview places the corset within its historical context and explains any features or alterations necessary for making up the patterns. For those new, to dressmaking, there are two step-by-step projects – one for a hand-stitched, pre-1850 corset and one for a post-1850 corset made using the sewing machine. There is also invaluable advice on a range of corset-making techniques, from cutting and fitting the patterns to adding historical detail. Information on lacing the corsets, inserting eyelets, gussets and split busks and on stitching and flossing is all included.

About the Author:

Jill Salen is a freelance costume maker and is widely employed in the theatrical costume industry. She has made costumes for many clients, including The Globe theatre. She is a lecturer in costume on the BA (Hons) theatre design course at the Royal Welsh College of Music and Drama in Cardiff. Jill is the author of Corsets, also published by Batsford. Jill lives in Cardiff.

A concise account of the history of fashion and costume from prehistoric times through to today.

From the momentus invention of the needle some 40,000 years ago to the development of blue denim, from Neolithic weavers to the biggest names in the fashion industry today – this classic guide covers the landmarks of costume history, the forms and materials used through the ages, the underlying motives of fashion and the ways in which clothes have been used to protect, to express identity, and to attract or to influence others. This sixth edition features a new foreword and concluding chapter by Amy de la Haye. The book is brought right up to date with a discussion about the major political shifts within the fashion industry, highlighting how it has responded to issues surrounding racism and sexism; LGBTQI rights; mental health awareness; body and age diversity and global sustainability.

Contents List:

Foreword • 1. How it all began • 2. Greeks and Romans • 3. Early Europe • 4. The Renaissance and the sixteenth century • 5. The seventeenth century • 6. The eighteenth century • 7. From 1800 to 1850 • 8. From 1850 to 1900 • 9. From 1900 to 1939 • 10. Rationed fashion to pluralistic style • 11. At the turn of the millennium • 12. Fashion since 2010

About the Authors:

James Laver, the 20th century’s leading authority in Britain on the history of costume and fashion, was Keeper of the Department of Prints and Drawings and of Paintings at the Victoria and Albert Museum, London, from 1938 until 1959. Amy de la Haye is Rootstein Hopkins Chair of Dress History & Curatorship at London College of Fashion. She was formerly Curator of Twentieth-Century Dress at the Victoria and Albert Museum, London. Andrew Tucker is a fashion journalist and author of The London Fashion Book; Dries Van Noten; and Fashion: A Crash Course.

Learn the tailoring techniques and sewing secrets of such renowned designers as Chanel, Dior, and Balenciaga. Couture Sewing: Tailoring Techniques is a complete sewing workshop packaged in a DVD and book ensemble.

Get an insider's view of the couture industry. Author and fashion expert Claire B. Shaeffer shares garment tailoring techniques, construction methods, and even short cuts used in the finest European ateliers of Paris, Rome and London.

Lessons come alive in the 90-minute DVD. Shaeffer presents viewers with an in-depth tailoring workshop, demonstrating key techniques such as converting darts to ease, creating a patch pocket, interfacing a hem, stitching a fly zipper, and making a bound buttonhole.

The companion book reinforces the instruction with step-by-step images of each technique. Whether you're seeking advice on high-fashion sewing techniques or you want to take your skills to the next level, Couture Sewing: Tailoring Techniques fits like a finely tailored suit.

About the Author:

Claire Shaeffer is an internationally recognized expert in fashion design and construction techniques for haute couture. She is a designer for Vogue Patterns, a frequent contributor to Threads magazine, and the author of numerous books. Shaeffer served as Couture Sewing: Technique Consultant for the Museum of the City of New Yorks online exhibit, Worth & Mainbocher. She lives in Palm Springs, California.

Introduction

ONE
TAILORING TECHNIQUES FOR BUTTONHOLES
The Thread Buttonhole
The Bound Buttonhole

TWO
TAILORING TECHNIQUES FOR PATCH POCKETS
Patch Pockets

THREE
TAILORING TECHNIQUES FOR INTERFACED HEMS
The Interfaced Hem

FOUR
TAILORING TECHNIQUES FOR DARTS AND SLEEVES
Converting Darts to Ease
The Classic Tailored Sleeve

FIVE
TAILORING TECHNIQUES FOR TROUSERS
Fly Zipper Closure
Measuring for a Trouser Hem

SIX
CHARACTERISTICS OF COUTURE CONSTRUCTION
What Makes a Garment Couture?

Appendix
Metric Equivalency Chart
Resources
About the Author
Index

Cozy Days: The Art of Iraville is a collection of the best work by popular illustrator Ira Sluyterman van Langeweyde, also known as Iraville. This lavish hardback book presents hundreds of colorful paintings of nature, small towns, idyllic scenes, and charming characters, as well as offering insights into Ira’s career path, watercolor painting process, and hand-crafted materials.

About the Author:

Ira “Iraville” Sluyterman van Langeweyde is a prolific Munich-based illustrator with a passion for watercolors. Her idyllic paintings of flora and fauna, travel scenes, home comforts, and autumnal landscapes are rendered with exquisite care, often using handmade pigments, creating a unique, picturesque world beloved by fans across the globe. She shares her expertise with her followers via her highly popular Instagram and YouTube accounts, as well as in-person painting workshops.

________

Посмотреть видео о книге Cozy Days: The Art of Iraville

Сучасна упаковка та графічний дизайн, створені крафтовими пивоварнями по всьому світу та для них.

Крафтові пивоварні ростуть як гриби по всьому світу. Створюючи унікальні бренди, щоб виділитися, вони використовують усі багатства графічної мови та ведуть шлях у сучасному дизайні упаковки. Від мінімалізму до експресіонізму, з використанням ліній, кольорів, візерунків та ілюстрацій, дозволені всі стилі, і це створює захоплюючу, буйну візуальну культуру.

У Craft Beer Design датський дизайнер Пітер Монрад нарешті вносить глобальний погляд на справді глобальне явище, яким є брендинг крафтового пива. Оскільки міні-пивоварні використовують етикетки для банок і пляшок, щоб визначити свій дух та ідентичність, вони розширюють межі графічного дизайну та ілюстрації. Ця підібрана добірка показує найкраще та найсучасніше, а також показує, що коли мова заходить про крафтове пиво, те, що на банці, має таке ж значення, як і те, що в ньому.

Про автора:

Пітер Монрад – графічний дизайнер із Копенгагена, який має багаторічний досвід у сфері брендингу, арт-режисуру, дизайну мобільних додатків і різних міжнародних стартапів. Він також затятий споживач IPA та музикант/продюсер, який випускає музику під псевдонімом Tiny Anthem.

Creating a brand identity is a fascinating and complex challenge for the graphic designer. It requires practical design skills and creative drive as well as an understanding of marketing and consumer behaviour. This practical handbook is a comprehensive introduction to this multifaceted process.

Exercises and examples highlight the key activities undertaken by designers to create a successful brand identity, including defining the audience, analyzing competitors, creating mood boards, naming brands, designing logos, presenting to clients, rebranding and launching the new identity.

Case studies throughout the book are illustrated with brand identities from around the world, including a diverse range of industries – digital media, fashion, advertising, product design, packaging, retail and more.

About the Author:

Catharine Slade-Brooking has an industry background in branding, packaging and illustration with a client list including Glaxo Smith Kline, Lloyds Bank and the Sunday Times. She has written widely on graphic design subjects.
She currently teaches on the BA Graphic Communication course at Farnham UCA.

Delve into the vibrant, exciting world of character design with Creating Stylized Characters! Join professional illustrators, animators, and comic artists as they demonstrate how to exaggerate form and proportion. Sharing in-depth and industry-informed knowledge of creating fun and memorable characters, this book teaches essential creative skills that are applicable to both digital and traditional media. Learn how to design exciting heroes, villains, and monsters, as well as about key concepts such as gesture, color, poses, and expressions.

Creating Stylized Characters gives readers a valuable insight into the popular art of character design. Professional illustrators, animators and cartoonists, well versed in creating characters for video games, comics and film, guide the reader through accessible tutorial projects packed with images and advice. Any budding artist will soon be able to draw characters of all ages, shapes and sizes! This entertaining, beginner-friendly book is applicable to both digital and traditional media, and delves into many essential aspects of the character development process, from real-world research to sketching gestures and poses, to exploring different genres, personalities and styles.

This beginner-friendly book delves into the industry-essential aspects of the character development process, from real-world research, to thumbnailing, to exploring different genres, personalities, and styles. With multi-faceted tutorials and an introduction to key concepts such as gesture, color, and expressions, follow the character development process with six talented artists and learn how they turn an initial base character into interesting variants while maintaining the original character's core attributes.

Each chapter is broken down into in-depth steps, giving you an insight into how character designers work in the entertainment industry, and the creative decisions that go into making a brilliant and unique character.

____________

Посмотреть видео о книге Creating Stylized Characters

People like to share their creativity and preference on any platforms nowadays. Handbag is definitely a canvas to display personal interests and taste. 

Creative Bags presents a collection of the most originally created handbags around the globe that are diverse in the use of materials, forms, colors and techniques. 

The book is a must-have for anyone seeking news ways to realize their design ideas. Each copy comes with a multifunctional cloth shopping bag tailored to the size of the book.