Збірники робіт

Коли Даян Арбус померла в 1971 році у віці 48 років, вона вже мала значний вплив — навіть була легендою — серед серйозних фотографів, хоча лише невелика кількість її знімків була широко відомою.

Публікація книги Diane Arbus: An Aperture Monograph в 1972 році та посмертна ретроспектива в Музеї сучасного мистецтва дали публіці перше знайомство з досягненнями Арбус. Реакція була безпрецедентною.

Монографію з вісімдесяти фотографій відредагував та оформив художник Марвін Ізраїль, друг і колега Даян Арбус, та її дочка Дун Арбус. Їхньою метою було залишатися вірною стандартам, за якими Арбус оцінювала власні роботи, і тому, як вона сподівалася, що їх сприймуть. Загальновизнана як позачасовий шедевр і перекладена п'ятьма мовами, Diane Arbus: An Aperture Monograph залишається основою її міжнародної репутації.

Майже п'ятдесят років не зменшили впливу цих знімків; вони проникають у психіку силою особистої зустрічі та змінюють те, як ми бачимо світ.

Це перше видання, в якому розділення зображень було створено цифровим способом; файли були спеціально підготовлені Робертом Дж. Хеннессі з використанням відбитків Ніла Селкірка.

Про автора:

Діана Арбус (1923–1971) зробила революцію в мистецтві, яким вона займалася. П'ять томів її робіт були опубліковані посмертно та постійно передаються: Diane Arbus: An Aperture Monograph (1972), Diane Arbus: Magazine Work (1984), Untitled: Diane Arbus (1995), Diane Arbus: A Chronology (2011), та Diane Arbus Revelations (2003).

Відома своїми виразними портретами, Діана Арбус є ключовою фігурою в американській повоєнній фотографії. Безперечно вражаючі, чорно-білі фотографії Арбус захоплюють унікальний погляд. Критикована, а також похвалена за фотографії людей, яких вважають «чужими», Арбус продовжує привертати різноманітні думки щодо своїх об’єктів та практики. Критики та письменники описували її роботи як «зловісні» та «жахливі», а також «викривальні», «щирі» та «співчутливі». За відсутності власного голосу Арбус, арт-критика та культурні зрушення сформували мову, що приписується її роботам.

Організовані в одинадцять розділів, що зосереджені на великих виставках та значущих подіях у житті Арбус, а також на її практиці та її темах, сімдесят факсиміле статей та есе – архів, за всіма даними – простежують дискурс про Діану Арбус, контекстуалізуючи її надзвичайно успішну творчість. Також, маючи анотовану бібліографію, що містить понад шість сотень записів, та вичерпну історію виставок, «Документи» слугують важливим ресурсом для фотографів, дослідників, мистецтвознавців та арт-критиків, а також для студентів-художників та зацікавлених читачів.

After spending most of the last twenty years photographing people in war-torn places around the world, photographer Bobby Sager trains his gaze upon a UNESCO world heritage site in the Arabian desert to deliver a visual tour de force.

Sager traveled to Diriyah, an ancient mud city abandoned by its inhabitants several decades ago. The fragile site has been closed to visitors for over a decade. But during the final stages of a major ten-year restoration, Sager was given unlimited access to capture the soul of this magical place before it was opened to the public. 

Captivated by the erosion in Diriyah’s mud-brick walls, Sager is drawn to the “faces” he sees within the mud patterns of the town’s architecture. Sager asks us to think of these faces as our hosts and us as their guests as we explore the streets, palaces, mosques, and schools of this three-hundred-year-old city.

Desert landscapes and architectural compositions accompany details of the walls and the faces in this lushly produced, oversize volume.

Bobby Sager is an American photographer whose photography has given rise to several publications and exhibitions. Books include: The Power of the Invisible Sun, (Chronicle 2009), Beyond the Robe (Powerhouse Books, 2013), and Invisible Sun (Rizzoli 2019).

About the Author:

Bobby Sager is an American photographer. His photography has given rise to several publications and exhibitions, including: Invisible Sun (Rizzoli, 2019).

______________

Пролистать книгу Diriyah​ на сайте издательства.

Дон Маккаллін — один із найвидатніших фотографів конфліктів нашого часу. Його кар'єра охопила останні п'ятдесят років — епоху, що постійно фотографується, просякнуту конфліктами.

Його фотографії розкривають похмуре підчерево північної Англії, війни на Кіпрі, у Біафрі, В'єтнамі, Камбоджі та Бейруті, заворушення в Деррі, голод і хвороби в Бангладеш. Усе це сфотографовано з непохитним співчуттям. З усією красою класичних трагедій, фотографії Маккалліна разом становлять один із найвидатніших документів людського конфлікту та супутнього йому горя, виражений візуальним ліризмом, який дозволяє нам побачити нестерпне.

PHOTOFILE об'єднує найкращі роботи найвидатніших фотографів світу в привабливому форматі та за доступною ціною. Гарні та колекційні, книги виготовлені за найвищими стандартами. Кожен том містить близько шістдесяти повносторінкових репродукцій, надрукованих у чудовому двотоновому друкованому вигляді, разом із критичним вступом та повною бібліографією. Серія була нагороджена першою щорічною премією за видатні фотокниги Міжнародного центру фотографії в Нью-Йорку.

Абсолютно індивідуальний, проте неможливо класифікувати, Елліотт Ервітт є одним із найвидатніших фотографів Америки сьогодні. Раптові збіги обставин та випадкові зустрічі з об'єктами та ситуаціями дозволяють йому вловлювати проблиски смішної чи комічної сторони повсякденних подій, а його візуальні жарти перетворюються на вражаючі та лаконічні спостереження про життя. Співчутлива, гумористична, зловісна, грайлива, гірка, непристойна, лірична – ця колекція підтверджує безмежну здатність Ервітта вловлювати цілий спектр настроїв та нюансів вираження.

PHOTOFILE об'єднує найкращі роботи найвидатніших фотографів світу в привабливому форматі та за доступною ціною. Гарні та колекційні книги виготовлені за найвищими стандартами. Кожен том містить близько шістдесяти повносторінкових репродукцій, надрукованих у чудовому двотоновому друкованому вигляді, разом із критичним вступом та повною бібліографією. Серія була нагороджена першою щорічною премією за видатні фотокниги від Міжнародного центру фотографії в Нью-Йорку.

Це доповнення до доступної серії Photofile об'єднує найкращі роботи Ернста Хааса, одного з найвидатніших фотографів світу. Один з перших піонерів кольорової фотографії, Хаас розпочав свою фотографічну кар'єру в 1940-х роках у Відні, здобувши славу після публікації свого фотоесе про повернення військовополонених з Росії. У 1951 році Хаас вирішив оселитися в Нью-Йорку та став відомим завдяки своїй роботі з кінофотографією та рекламним кампаніям для таких компаній, як Marlboro, Chrysler та Volkswagen. З добіркою його найрепрезентативніших знімків та бібліографією для подальшого читання, це ідеальне знайомство з фотографом.

Про автора:

Вірджині Шарден багато пише про фотографію та є автором книги Elegance: The Seeberger Brothers та Birth of Fashion Photography.

Ця колекція вражаючих кольорових знімків американського Заходу є одночасно зворушливим національним портретом, а також оспівуванням аналогової кольорової фотографії від безперечного генія цього виду.

Фотограф Ернст Хаас, автор першого в історії журналу Life повністю кольорового фотоесе, увійшов — і зафіксував — історію як один з перших, хто почав використовувати плівку Kodachrome. Художник австрійського походження вже зарекомендував себе як чорно-білий фотограф, коли переїхав до Америки в 1951 році. Але як член відомого агентства Magnum, він змінив цей жанр своїми насиченими кольорами знімками, ідеальним засобом для зйомки географічних та культурних ландшафтів Америки. Від пустельних штормів, заправних станцій на трасі 66 та неонових вогнів Лас-Вегаса до хвилястих прерій, напівзруйнованих ферм, парадів маленьких містечок та міських тротуарів, ідеально скомпоновані знімки Хааса містять виразну живописну мову, пронизану поезією, візерунками та світлом. Водночас його фотографії передають точку зору журналіста, незалежно від того, чи йдеться про сільську бідність, комфорт передмість чи міф про американський Захід. Ця чудова книга пропонує бачення Америки, яке здається водночас зворушливо далеким і заспокійливо знайомим.

Про автора:

Пол Лоу — старший викладач фотографії та фотограф, що отримав нагороди. Він викладає в Лондонському коледжі комунікацій. Його фотографії з'являлися, серед інших, у Time, Newsweek, Life, журналі Sunday Times, Observer та Independent.

__________

Погортати книгу Ernst Haas: The American West

Вступ до творчості відомого фешн-фотографа.

Експериментатор та новатор Ервін Блуменфельд (1897–1969) створив великий масив робіт, включаючи портрети та оголені тіла, портрети знаменитостей та рекламні кампанії, але найбільш відомий він саме завдяки фешн-фотографії.

Втікши з Парижа під час Другої світової війни, Блуменфельд проклав зоряний шлях у Нью-Йорку, де працював для Harper’s Bazaar, American Vogue, Helena Rubinstein, L'Oréal та Elizabeth Arden.

Відкрийте для себе майстерні роботи Блуменфельда за допомогою шістдесяти повносторінкових репродукцій у цій видавничій книзі серії Photofile. Вступ написала кураторка Еммануель де л'Екоте.

Про авторку:

Еммануель де л'Екоте — кураторка фотографії в Музеї сучасного мистецтва міста Париж.

In honor of Erwin Olaf’s sixtieth birthday, Erwin Olaf: I Am presents the first comprehensive survey of his work, bringing together his earliest images in black and white with his now iconic color work, including selections from his most recent and heretofore unpublished series shot in Shanghai. This chronological presentation traces the evolution of the artist from cheeky provocateur to royal portraitist, as well as the refinement of his unique vision and stylistic panache over the last four decades.

The book is published to accompany the largest retrospective of Olaf’s work to date, a multiple-venue show that will encompass installations at the Rijksmuseum, Amsterdam; Gemeentemuseum Den Haag; and Fotomuseum Den Haag. Launching in February 2019, the show will subsequently travel to other venues in Europe, Shanghai, and the United States.

About the Authors:

Erwin Olaf (born in Hilversum, the Netherlands, 1959) is a Dutch photographer known for his highly stylized, daring, and often provocative work addressing social issues and taboos. He is the recipient of numerous awards, including the Johannes Vermeer Award (2011), a Lucie Award (2008), and Photographer of the Year in the International Color Awards (2006). Among other accolades, Olaf received the commission to design the new national side of the Dutch Euro, launched in 2013. In 2008 and 2014 Aperture published volumes one and two of Olaf’s self-titled monographs.

Mattie Boom is curator of photography at the Rijksmuseum, Amsterdam, specializing in international nineteenth- and twentieth-century photography. She is cofounder of the Nederlands Fotogenootschap.

Francis Hodgson is professor in the culture of photography at the University of Brighton, UK, and cofounder of the Prix Pictet. He was previously the photography critic of the Financial Times and head of the photographs department at Sotheby’s.

W. M. Hunt is a longtime photography collector and former art dealer who represented Erwin Olaf in the United States for many years. He is also a writer and teacher based in New York.

Laura Stamps is curator of modern and contemporary art at the Gemeentemuseum Den Haag, The Hague. She is an art history graduate of the University of Amsterdam and, amongst others, a member of the Work Field Commission at the Master Artistic Research program, Royal Academy of Art, The Hague.

Wim van Sinderen is a founding member and senior curator of the Fotomuseum Den Haag, The Hague, as well as keeper of the photography collection of Gemeente-museum Den Haag. He is, amongst others, guest curator for the Rencontres d’Arles and nominator for the Prix Pictet.

Erwin Olaf’s approach to storytelling is uniquely evocative and enticingly ambiguous. According to critic Francis Hodgson, Olaf’s images “lead us to a Stimmung (a sense of atmo­sphere) which is broad enough to repay many second readings of the pictures and so keep us viewers interested.”

In this presentation of his most recent work, Olaf expands on his established style of highly polished and stylized color studio images to include a series drawn from his sculptural video installation, Keyhole; a group of black-and-white images he has exhibited as carbon prints; and photographs created on location in Berlin — a departure from the constructed mise-en-scènes of earlier work produced in his Amsterdam studio.

Erwin Olaf: Volume II showcases the artist at the height of his powers as an artisan of atmosphere and a craftsman who uses high polish to both perverse and seductive effect.

About the Author:

Erwin Olaf (born in Hilversum, the Netherlands, 1959) is a Dutch photographer known for his highly stylized, daring, and often provocative work addressing social issues and taboos. He is the recipient of numerous awards, including the Johannes Vermeer Award (2011), a Lucie Award (2008), and Photographer of the Year in the International Color Awards (2006). His work is shown in museums and galleries around the world. Olaf also received a commission to design the new national side of the Dutch Euro, launched in 2013.

Francis Hodgson (essay), former head of the photographs department at Sotheby’s, is profes­sor in the Culture of Photography at the University of Brighton, England. He is also the pho­tography critic of the Financial Times. 

Тепер доступна у прекрасному новому виданні, ця книга представляє медитативну, захопливу та вражаючу колекцію з 240 чорно-білих знімків Японії, зроблених протягом майже 30 років всесвітньо відомим фотографом Майклом Кенною.

Скелясте узбережжя вздовж Японського моря; неосяжна рівнина рисових полів у снігу; гора Фудзі, що височіє над туманними лісистими пагорбами; тихі храми, позбавлені людей, але повні буддійських божеств; ворота Торії, що таємниче з'являються з рухомих хмар та води — це лише кілька знімків з цієї чудової колекції фотографій Майкла Кенни, чиї чорно-білі роботи дуже відомі. Forms of Japan, блискуче оформлені Івонн Мейєр-Лор, організовані в розділи з простими назвами: «Море», «Земля», «Дерева», «Дух» та «Небо».

Тихі, виразні фотографії, часто поєднані з класичними віршами хайку Басьо, Бусона, Ісси та інших, створюють споглядальний портрет країни, більш відомої своєю енергією та промисловістю. Чудово відтворені, щоб передати неймовірні тонкощі традиційних чорно-білих срібних гравюр Майкла Кенни, фотографії в цій книзі містять як відомі, так і раніше неопубліковані зображення з усіх куточків Японії: Хоккайдо, Хонсю, Кюсю, Окінава та Сікоку.

Про авторів:

Майкл Кенна — англійський фотограф, який зараз мешкає в Сіетлі, США, найбільш відомий своїми чорно-білими пейзажами. Про його фотороботу опубліковано понад 60 книг та монографій, зокрема "Buddha", "Holga", "Rouge", та "St. Joseph’s College, Upholland" (усі видавництво Prestel).

Івонн Мейєр-Лор — дизайнерка та авторка з Дюссельдорфа, Німеччина.

Never-before-published work by an iconic woman artist from the very start of her career.

Francesca Woodman took her first photograph at the age of thirteen. From the time she was a teenager until her death at twenty-two, she produced a fascinating body of work exploring gender, representation, and sexuality by photographing her own body and those of her friends. Featuring approximately forty unique vintage prints, as well as notes, letters, postcards, and other ephemera related to the artist's burgeoning career, the volume, which accompanies an exhibition of the same name at MCA Denver, details both Woodman's creative and personal coming-of-age during the years 1975-1979.

Francesca Woodman: Portrait of a Reputation considers how the artist came into her creative voice and her singular approach to photography at a notably young age. Ranging from portraits in her studio/apartment in college to self-portraits in the bucolic Colorado landscape in which she was raised, these works capture Woodman's hallmark approach to art-making: enigmatic, rigorous, and poignant. The volume also includes select photographs of Woodman taken by friend and RISD classmate George Lange during this period. Taken together, they present a nuanced and in-depth study of this formative period in the development of this groundbreaking artist.

About the Authors:

Nora Burnett Abrams is the Ellen Bruss Curator and Director of Planning at MCA Denver.
Drew Sawyer is the Phillip Leonian and Edith Rosenbaum Leonian Curator of Photography at the Brooklyn Museum, New York.

____________

Пролистать книгу Francesca Woodman: Portrait of a Reputation

Компактний огляд роботи фотографа Френка Хорвата, найвідомішого своїми фешн-фотографіями, опублікованими між серединою 1950-х і кінцем 1980-х років.

Френк Хорват (1928-2020) назавжди змінив хід фешн-фотографії. Фотограф італійського походження дебютував як фотожурналіст у Франції, де він продовжував жити та працювати до кінця свого життя. Саме тут він зустрів Анрі Картьє-Брессона, який заохотив його продовжувати свою чудову фотожурналістику. До середини 1950-х років Хорват співпрацював з найбільшими модними журналами світу, такими як Elle, Vogue та Jardin des Modes – революціонізуючи фешн-фотографію за допомогою більш реалістичного об'єктива, фотографуючи моделей на вулицях, на площах та разом з місцевими жителями повоєнної Європи. Свіжий та часто імітований стиль Хорвата, який вивів техніку репортажу та 35-мм плівкову камеру на передній план фешн-фотографії, вражав дизайнерів та надихав фешн-фотографів на наступні покоління.

Роботи Френка Хорвата зараз можна знайти в постійних колекціях престижних установ по всьому світу, зокрема в Музеї сучасного мистецтва в Нью-Йорку та Центрі Помпіду в Парижі.

Ця книга зі відомої серії Photofile, написана Вірджині Шарден, демонструє фотографічний доробок Хорвата через шістдесят повносторінкових репродукцій у красивому та колекційному кишеньковому форматі.

Про автора:

Вірджині Шарден багато пише про фотографію. Вона є авторкою книги Ernst Haas у Photofile series та інших книг.

The first complete monograph and retrospective on the sixty-year career of Frank Stewart, photographer of an astonishing range of intimate and empathetic images of Black life, music, and culture.

Frank Stewart’s Nexus presents an overview of the career of this noted photographer, who since the 1960s has captured spontaneous and sensitive portrayals of African American culture in many forms, including art, food, dance, and music—especially jazz. Best known for his work as senior photographer for Jazz at Lincoln Center, Stewart produced energetic street scenes and profound landscapes on his worldwide travels with the orchestra. The intimate and subtle relations between and among people are at the heart of Stewart’s art, whether shot at a Manhattan jazz concert, in the studio of artist Romare Bearden, or during a sacred rite in an African village. This sweeping survey of 103 images, with an artist interview and texts by multiple critical voices, illuminates the evolution of a remarkable career.

About the Author:

Ruth Fine is former curator of special projects in modern art at the National Gallery of Art.  Fred Moten is a poet and professor of performance studies at NYU’s Tisch School of Fine Arts. Wynton Marsalis is artistic director of Jazz at Lincoln Center. Mary Schmidt Campbell is president emerita of Spelman College. Cheryl Finley is director of the Atlanta University Center Collective for the Study of Art History and Curatorial Studies. Frank Stewart has had numerous solo and group shows, including at the International Center of Photography, MOCA in Los Angeles, and the Corcoran Gallery in Washington. He has twice been granted a photographic fellowship from the National Endowment for the Arts, and he has published four books.

Exhibition Itinerary:
The Phillips Collection, Washington, D.C.: June 10–September 2, 2023
Artis–Naples, The Baker Museum, Naples, FL: October 14, 2023–January 7, 2024
Telfair Museums, Savannah, GA: February 9 – May 12, 2024

A sequence of 99+1 images by Giovanni Chiaramonte, that, while individually significant, together acquire an extraordinary narrative force.

Infinite Realism brings together 99+1 photographs, many of them never published before, taken over a period of two decades from 1980 to the early 2000s. This volume forms an organic overview of Giovanni Chiaramonte’s complex work on the representation of the landscape and the urban view, developed after a long period of theoretical reflection.

In this exploration, Italy offers a privileged vantage point: its territory, which appears as a stratification of cultures and civilizations, tells the story of the whole of the West at a glance. Italy is therefore a “contemporary space,” as it encompasses different eras that are visible simultaneously. The Italian landscape serves as the matrix for reading and understanding the West as a whole — its culture and destiny. It is the lens through which Chiaramonte explores.

About the Author:

Corrado Benigni is a poet and author of the poetry collections Tribunale della mente (Interlinea, 2012) and Alfabeto di cenere (LietoColle, 2005).
Teju Cole is a photographer, critic, curator, and the author of several books. He was the photography critic of the New York Times Magazine from 2015 until 2019. He is currently the Gore Vidal Professor of the Practice of Creative Writing at Harvard University.