Збірники робіт

Beautifully reproduced and cleanly presented, the four hundred images in this volume represent the finest work of a pre-eminent landscape photographer. The photographs are arranged chronologically into five major periods in order to convey Adams's maturation as an artist - from his first photographs in 1916 to his last great photograph in 1968.

ANSEL ADAMS' 400 PHOTOGRAPHS is intended as a must-have gift and reference book for anyone who appreciates photography and the allure of the natural world. Few artists or photographers of any era can claim to have produced four hundred images of lasting beauty and significance. It is a testament to Ansel's vision and his prodigious output that a book of this scale can be justified, and it is a point of pride for Little, Brown to publish a comprehensive overview of the work of Ansel Adams in a single well-packaged volume.

The invitation to photograph the nation's parklands was the perfect assignment for Adams, as it allowed him to express his deepest convictions as artist, conservationist, and citizen. These stunning photographs of the natural geysers and terraces in Yellowstone, the rocks and ravines in the Grand Canyon, the winding rivers and majestic mountains in Glacier and Grand Teton national parks, the mysterious Carlsbad Caverns, the architecture of ancient Indian villages, and many other evocative views of the American West demonstrate the genius of Adams' technical and aesthetic inventiveness.

In these glorious, seminal images we see the inspired reverence for the wilderness that has made Ansel Adams' work an enduring influence on environmentalism as well as art.

About the Author:

Ansel Adams (1902–1984) was one of the most prolific and highly acclaimed photographers of the twentieth century, and the author of dozens of publications. He helped establish the department of photography at New York’s Museum of Modern Art and founded the Friends of Photography in Carmel, California, and the Center for Creative Photography at the University of Arizona in Tucson. A member of the board of directors of the Sierra Club for thirty-seven years, Adams was instrumental in the growth of the American conservationist movement.

Чудова монографія про фотографа Ара Гюлера, відомого як «Око Стамбула».

Будучи свідченням багатої історії Туреччини,A Play of Light and Shadow пропонує сучасний погляд на творчість Ґюлера, а також надає можливість дослідити її знакові та невідомі частини.

З текстовими внесками історика мистецтва Кім Нопперс, куратора та керівника відділу фотографії Istanbul Modern, Демет Йилдіз Дінчер, фотографа та кінорежисера Ахмета Полата та Клаарт’є ван Дейк, куратора та керівника виставок у Foam в Амстердамі.

Про фотографа:

Народився 16 серпня 1928 року Ара Гюлер, турецький фотожурналіст, також відомий як «Око Стамбула». Його батько був власником аптеки, але мав багато друзів, які належали до світу мистецтва. Ара познайомився з цими людьми, і вони надихнули його вибрати кар’єру в кіно/кінематографі. Він працював на кіностудіях і вступив на курси драми під керівництвом Мухсіна Ертугрула. Пізніше він схилився до журналістики і закинув кіно. У 1950 році він приєднався до Yeni Istanbul, турецької газети, як фотожурналіст. У той же час він вивчав економіку в Стамбульському університеті. Потім почав працювати в Hurriyet.

У 1958 році, коли американське видання Time-Life відкрило свій філіал у Туреччині, Ара Гюлер став його першим кореспондентом. Невдовзі він почав отримувати замовлення від інших міжнародних журналів, таких як Stern, Paris Match і Sunday Times, Лондон. У 1961 році він був прийнятий на роботу в журнал Hayat на посаду головного фотографа.

У цей час він познайомився з Марком Рібу та Анрі Картьє-Брессоном, які залучили його до Magnum Photos. Ара була представлена ​​в 1961 році в British Photography Yearbook. У тому ж році Американське товариство журнальних фотографів прийняло його першим турецьким фотографом, який став членом цієї організації.

У 1960-х роках роботи Ара використовувалися в книгах відомих авторів як засіб ілюстрації та демонструвалися на різних виставках по всьому світу. У 1968 році його роботи були представлені в Музеї сучасного мистецтва в Нью-Йорку на виставці під назвою «Десять майстрів кольорової фотографії». Крім того, його фотографії також були показані на ярмарку в Кельні Photokina в Німеччині. Через два роки в Туреччині вийшов його фотоальбом. Його зображення, пов’язані з мистецтвом та його історією, були представлені в таких журналах, як Horizon, Life, Time та Newsweek.

A young woman with her legs spread wide; buttoned-up dressed workers on a city street. Contrasting photos like these of intensely private scenes, and snapshots of nameless passers-by are Nobuyoshi Araki’s early commentary on the heterogeneity of Japanese society, calling the moral responsibility of its members into question. This book combines Araki’s Tokyo series from his early works with a selection of his recent Polaroid collages and newly developed slide shows — all of them exploring the contradictions between anonymity and intimacy, the public and private sphere, reality and dream.

The legendary Araki is one of the most influential and widely discussed artists today, one who deals with nakedness, sexuality and the body in a radical and realistic way. Through an extreme emotional and physical closeness with his subjects, he becomes not only part of their lives but plays a central role in his own photos, thus transcending voyeurism. Together with Nan Goldin, Larry Clark and Boris Mikhailov, Araki is considered one of the pioneers of intimate subjective photography.

Art is all about doing what you shouldn’t. Nobuyoshi Araki 

About the Author:

Born in Tokyo in 1940, Nobuyoshi Araki worked in advertising after completing his studies in photography and film at Chiba University in Tokyo; he devoted himself exclusively to photography from the mid-1960s. Araki’s oeuvre spans erotic portraits of women, artificial still lifes, images of plants, documentary-style depictions of everyday life, architectural photography, as well as diaristic photos of himself and his deceased wife Yoko. He has published around 400 books, shown in many international exhibitions, and his work is part of important collections worldwide. Araki lives and works in Tokyo.

The definitive monograph of Ari Marcopoulos, the renowned photographer whose explicit and startling visual intimacy bridges art and street photography. For nearly four decades, Ari Marcopoulos has broken conventions with his candid and raw style. His photographs documenting subcultures such as skateboarding, snowboarding, and hip-hop; his tendencies to photograph stark landscapes, portraits of artists, and celebrities; and his extremely quiet and intimate photos of his family and friends have all been hugely influential in helping to establish the visual rawness of youth culture, as well as the ephemeral aesthetic of contemporary photography. Ari Marcopoulos: Not Yet is an unprecedented journey through the artist’s celebrated career, from skateboarding and snowboarding to rural landscapes and cityscapes. This volume includes both iconic and never-before-published photographs from the 1980s to now. Each chapter is edited by a different celebrated artist or family member — all close to Marcopoulos — and it is through these personal reflections on the artist’s work that this monograph takes on a deeper level of intimacy, drawing a more complete portrait of his oeuvre.

About the Author:

Ari Marcopoulos is an artist whose photographs and films have been exhibited, collected, and published around the world. Robert Slifkin is an associate professor of fine arts at the Institute of Fine Arts at NYU. Catherine Taft is a writer and curator based in Los Angelese. Neville Wakefield is a curator and writer on contemporary art and culture.

Avedon 100 відзначає тривалий вплив Річарда Аведона на фотографію та пояснює його глибокий вплив на візуальну культуру в усьому світі.

Опублікований з нагоди однойменної виставки в Гагосяні, Нью-Йорк, у 2023 році, цей вражаючий ілюстрований каталог відзначає сторіччя з дня народження культового фотографа. Понад сто відомих художників, дизайнерів, музикантів, письменників, кураторів та діячів світу моди попросили вибрати фотографію Аведона та детально розповісти про те, як і зображення, і художник вплинули на їхнє життя. Серед учасників були Хілтон Алс, Наомі Кемпбелл, Елтон Джон, Спайк Лі, Саллі Манн, Поллі Меллен, Кейт Мосс, Хлоя Севіньї, Тарін Саймон, Крісті Терлінгтон та Джонас Вуд.

Avedon 100 відзначає тривалий вплив Аведона на фотографію та пояснює його глибокий вплив на візуальну культуру в усьому світі. Книга представляє різні періоди його творчості, включаючи широко відому серію «На американському Заході», зображення руху за соціальну справедливість, класичні портрети, рекламу та роботи у сфері моди. Відтворені фотографії розкривають величезну та захопливу різноманітність сюжетів Аведона, а коментарі відомих селекціонерів підкреслюють широту та довговічність його спадщини.

Avedon 100 містить передмову Ларрі Гагосяна, тексти Дерека Бласберга та Джейка Скітса, а також есе Сари Елізабет Льюїс.

Про автора:

Дерек Бласберг — письменник, редактор моди та автор бестселерів New York Times. Він приєднався до Гагосяна у 2014 році та є виконавчим редактором Gagosian Quarterly.

Ларрі Гагосян відкрив свою першу галерею сучасного та сучасного мистецтва у 1980 році в Лос-Анджелесі. Сьогодні Гагосян має дев'ятнадцять виставкових просторів у Сполучених Штатах, Європі та Азії, спроектованих відомими архітекторами. Ініціативи галереї включають інноваційні онлайн-зали для перегляду, що збігаються з великими художніми ярмарками, що пропонують прозорий та всебічний аналіз ринку; видавничий підрозділ, який випускає каталоги наукових виставок, монографії художників, каталоги-резоне та журнал Gagosian Quarterly; а також самобутні роздрібні магазини.

Сара Елізабет Льюїс — доцентка історії мистецтва та архітектури, а також афро- та афроамериканських досліджень у Гарвардському університеті, засновниця проекту «Бачення та справедливість».

Джейк Скітс — автор книги «Очі, пляшка, темрява, з повним ротом квітів», переможця Національної поетичної серії, премії «Відкриття Кейт Тафтс», Американської книжкової премії та премії Уайтінг. Він походить з народу навахо та викладає в Університеті Оклахоми.

The first book of photography to be published by the Academy Award-winning film director and photographer Spike Jonze. Will appeal to every fan of Beastie Boys and golden-era hip hop, as well as photography and Spike Jonze's own focused audiences.

Spike Jonze and Beastie Boys met for the first time in Los Angeles in 1991, when Jonze went out to photograph the band for the cover of Dirt magazine. A connection formed between the three MCs and the young photographer, which has lasted throughout their careers.

Almost thirty years later -- published to coincide with the release on Apple+ of a new documentary, Beastie Boys Story -- this book collects for the first time more than two hundred of Spike Jonze's personal photographs of his time spent with the group. Edited and with an afterword by Jonze, and including new writing by Mike Diamond and Adam Horovitz themselves, this book shows an intimate look at the greatest act of the hip-hop generation in their truest colors as only a close friend could see them -- from performing live onstage to writing together at Mike's apartment; getting into character for a video to dressing up as old men to hit the basketball court; recording music in the studio to goofing around on the streets of New York.

From the music video for "Sabotage" to the cover of the Sounds of Science album, Spike Jonze is responsible for some of the most iconic images of the band ever made. But here, the emphasis is on the candid, the unexpected, and the real -- just pictures of friends who like making stuff together.

About the Author:

Spike Jonze is an award-winning American film director, photographer, and writer. He has won Academy Awards for Best Director (Being John Malkovich, 2000) and for Best Original Screenplay (Her, 2013), as well as a Grammy Award for Best Music Video (Weapon of Choice, 2002). He has written, directed, or produced ten feature films, more than twenty documentaries and shorts, several television shows, and dozens of BMX, skateboarding, and music videos. He is currently the creative director of Vice Media and its television channel Viceland. He lives in Los Angeles and New York.

Cecil Beaton (1904 -1980) was a man of dazzling charm and style, and his talents were many.

In his twenties Beaton recorded London and New York society in needle-sharp words and drawings. Condé Nast, the owner of Vogue, compelled him to abandon his pocket Kodak, and his resulting photographic work earned him a place among the great chroniclers of fashion.

Witty and inventive, he designed settings for plays and films – and for himself – and as a writer he was an eloquent champion of stylish living. His accounts of travel made the most luscious places seem tantalizingly vivid and close.

The turning point in his career was the challenge of working as an official photographer in the Second World War. He travelled the world, no longer in luxury but in uniform, and the photographs, drawings and writings that revealed the face of war, from bombed London to China and the North African Desert, testified to a new maturity of vision.

Cecil Beaton remained triumphantly active to the end of his long life. He became a superb portrait photographer, of royal and other famous faces and forms, and designed the costumes for My Fair Lady (both on stage and on film) and for Gigi. Almost incredibly, when a stroke paralysed his right hand he turned himself into a left-handed draughtsman; and he carried out two marathon photo assignments for French Vogue only a few months before he died.

Best known for his elaborately choreographed, large-scale photographs, Gregory Crewdson is one of the most exciting and important artists working today.

The images that comprise Crewdson’s new series, “Beneath the Roses,” take place in the homes, streets, and forests of unnamed small towns. The photographs portray emotionally charged moments of seemingly ordinary individuals caught in ambiguous and often disquieting circumstances. Both epic in scale and intimate in scope, these visually breathtaking photographs blur the distinctions between cinema and photography, reality and fantasy, what has happened and what is to come.

Beneath the Roses features an essay by acclaimed fiction writer Russell Banks, as well as many never-before-seen photographs, including production stills, lighting charts, sketches, and architectural plans, that serve as a window into Crewdson’s working process.

The book is published to coincide with exhibitions in New York, London, and Los Angeles.

From pictures of London streets during the blackout and people sleeping in the Underground during the Blitz, from images of high society in pre-war Britain to moody, pared-down landscapes and elegant abstracted nudes, Bill Brandt’s photographs are imbued with strangeness and mystery, with a Surrealist touch, with rich connotations. This rich presentation is the perfect overview of his most memorable images.

PHOTOFILE brings together the best work of the world’s greatest photographers, in an attractive format and at an easily affordable price. Handsome and collectable, the books are produced to the highest standards. Each volume contains some sixty full-page reproductions printed in superb duotone, together with a critical introduction and a full bibliography. The series has been awarded the first annual prize for distinguished photographic books by the International Center of Photography, New York.

Celebrating 250 years of family tradition in shoemaking, Old Mills Never Die explores the past, present and future of one of the world’s most remarkable and democratic footwear brands.

From dedicated customers who buy and re-buy their beloved shoes throughout their lives to collaborations with luxury houses such as Dior and Valentino, Birkenstock both sets and transcends trends, offering something for everyone — and for everyone the same: quality, comfort and sustainability.

Old Mills Never Die comprises five books of varied size and design, each reflecting a different aspect of the Birkenstock universe. In “Walk This Way” Henry Leutwyler photographs the little-known treasures of Birkenstock’s archive. In “Factories” Werner Bartsch documents some of the Birkenstock works and their over 6,000 employees who combine the most advanced production technology with traditions of hand craftsmanship. Juergen Teller captures Birkenstocks as the ultimate fashion object on the feet of everyday people in “Golborne Road.” “Graphic Designer” reveals the pioneering graphic art and typography of Carl Birkenstock (1900–82). Finally, the “Book of Birkenstock” is an ambitious timeline of the company from 1774 till today.

Wrapped in a Furoshiki cloth and packed in a wooden box, Old Mills Never Die is the first publication to comprehensively present Birkenstock’s ongoing story and place in cultural history — in its own words, “often copied, never equaled.”

For almost 50 years, the theme of fashion has been a constant in the work of US artist Cindy Sherman.

Cindy Sherman: Anti-Fashion is the first to focus on this close engagement with fashion and approaches her photographic oeuvre from a new perspective. In so doing, it sheds light on the interplay between art and fashion.

For Sherman uses her numerous commissions from magazines and her collaborations with renowned designers as a constant source of artistic inspiration. This book reveals the subject of fashion as the starting point for the artist’s critical investigation of gender, stereotypes, and our attitude to aging. The wide range of Sherman’s assumed characters highlights the artificiality and changeability of identity, which – now more than ever – is shown to be selectable, (self-)constructed, and fluid.

Text in English and Dutch.

____________________

Пролистать книгу  Cindy Sherman: Anti-Fashion​  на сайте издательства.

Tomasz Gudzowaty became established as a wildlife documentary photographer in 1999, when he won the first of his World Press Photo awards in the nature category with a remarkable image of two cheetah cubs just about to take down their first prey. He has since traveled extensively through- out sub-Saharan Africa, amassing thousands of images of elephants, lions, cheetahs, wildebeest, zebras and other species. In 2008 Gudzowaty documented a remote emperor penguin colony in the Weddell Sea, a project he continued through his work on South Georgia and the South Sandwich Islands.

Gudzowaty’s wildlife photography is characterized by a technical and aesthetic sophistication that is particularly visible in his depictions of large-scale natural spectacles, such as the annual wildebeest migration in Tanzania or the breeding season on the penguin rookeries. This book captures Gudzowaty’s passion and deep knowledge of his subject: keenly observing both general patterns and minute details, he brings the viewer closer to nature’s inner workings and beauty.

Це перша публікація про американського художника Кертіса Моффата, відомого своїми динамічними абстрактними фотографіями, інноваційними кольоровими натюрмортами та одними з найгламурніших світських портретів початку ХХ століття. Моффат також був ключовою фігурою в модерністському дизайні інтер'єрів та меблів. Живучи в Лондоні протягом 1920-х та початку 30-х років в епоху «Яскравої молоді», Моффат створював стильні фотопортрети провідних діячів вищого суспільства, сцени, театру та мистецтва, включаючи Сесіла Бітона, Сітвеллс, Ненсі Кунард, леді Діану Купер, Таллулу Бенкхед та Дафну Дю Мор'є.

У 2003 та 2007 роках дочка Моффата, Пенелопа Смейл, щедро передала його великий архів Музею Вікторії та Альберта. Ця книга взята з цього архіву, а також містить цифрові реконструкції кольорових зображень з оригінальних чорно-білих негативів, отриманих за допомогою трикарбронної обробки. Вона розкриває новаторську, але маловідому фотографію Моффата у всій її глибині та красі.

Дайдо Моріяма, якого вважають найвпливовішим і плідним фотографом Японії, уже понад півстоліття кидає виклик традиційним формам мистецтва.

Ця вичерпна та захоплююча ретроспектива, опублікована у співпраці з Фондом Дайдо Моріями та заснована на абсолютно нових дослідженнях, розглядає кожен етап великої кар’єри Моріями, включаючи його надзвичайні зображення, а також концептуальний внесок у фотографію.

Один з покоління новаторських художників післявоєнної Японії, Моріяма постійно створював власну візуальну граматику. У цій книзі представлено понад 190 зображень, упорядкованих у хронологічному порядку, які розкривають його кар’єру, що постійно розвивається: його рання редакторська робота середини 1960-х років, зосереджена на американській окупації та експериментальному театрі; його радикальні експерименти кінця 1960-х і 1970-х років; саморефлексивні фотографії 1980-1990-х років; і його постійне дослідження міст, серед інших відповідних моментів. Він також містить понад 400 розворотів із рідкісних публікацій Моріями, які відображають джерела його візуальної продукції. Завершують том тексти редактора та провідних японістів, особисте есе митця та повна хронологія його життя та творчості. Цей вражаючий том, який супроводжує велику виставку, присвячену творчості Моріями, переосмислює спадщину Моріями та, безперечно, стане остаточною публікацією його творчості.

_______

Погортати книгу Daido Moriyama: A Retrospective