Мистецтво

Найулюбленіші оповідання Харукі Муракамі нарешті у формі графічного роману!

Романи, есе та оповідання Харукі Муракамі розійшлися мільйонами примірників по всьому світу та були перекладені десятками мов. Тепер у цій тритомній серії найулюбленіші оповідання Муракамі вперше доступні у формі манги англійською мовою.

Зі своїм фірмовим поєднанням реалізму та фентезі, зосередженим навколо характерних тем Муракамі: втрати, каяття та розгубленості. Три оповідання в цьому томі:

- Другий напад на пекарню: Молодята лежать у ліжку, голодні. Чоловік розповідає дружині про те, як вони з другом пограбували пекарню та вкрали хліб, щоб прогодувати себе на два дні. Почувши цю історію, жінка пропонує спробувати те саме ще раз.

«[…] ілюструє відчуття Муракамі крихкості звичайного світу». — Kirkus Reviews

- Закоханий Замза: продовження історії про Грегора Замзу з «Метаморфоз» Кафки. Головний герой прокидається і виявляє, що перетворюється на когось на ім'я Самса, а потім закохується в горбату жінку, яка приходить полагодити замок на його дверях.
«Закоханий Самса — це частина роду, що сягає корінням у першу публікацію «Метаморфоз» у 1915 році і сягає (і далі?) донині». — Los Angeles Times

- Таїланд: Жінка середнього віку бере перерву в роботі лікаря, щоб поїхати у відпустку до Таїланду. Вона дізнається від спіритиста, що її безплідне життя та нездатність пробачити створили камінь у її нутрощах, який буде всім, що залишиться від неї після її смерті.
«Його персонажі такі переконливі, а розповідь така простора… Чіткі, досконалі історії Муракамі… мають велику безпосередність». — The Seattle Times

Ці нові графічні версії класичних оповідань Муракамі будуть поглинуті його шанувальниками та відкриють нове вікно в його творчість для нового покоління читачів, які ще не знайомі з нею!

Про автора:

Перший роман Харукі Муракамі Hear the Wind Sing отримав літературну премію Гундзоу в 1979 році. Він є автором багатьох романів, зокрема Norwegian Wood, Sputnik Sweetheart та Kafka on the Shore. Він опублікував три збірки оповідань: The Elephant Vanishes, After the Quake та Blind Willow, Sleeping Woman. Найновішою з його численних міжнародних літературних нагород є Єрусалимська премія, серед попередніх лауреатів якої були Дж. М. Кутзее, Мілан Кундера та В. С. Найпол. Твори Муракамі перекладено більш ніж п'ятдесятьма мовами.

Адаптації коміксів Жана-Крістофа Девенея були опубліковані в Італії, Іспанії, Англії, США, Японії та Аргентині. Він організовує міжнародні проекти та виставки коміксів. Він викладав написання сценаріїв для коміксів та анімації протягом п'ятнадцяти років.

PMGL ілюструє журнали та андеграундні комікси, а також публікує комікси, оповідання та художні комікси. Він також викладає морфологію та анатомію людини аніматорам та художникам відеоігор. Паралельно він колекціонує платівки 70-х років на 45 обертів за хвилину та працює діджеєм під псевдонімом Коффі Гнато.

Following the success of The Empire of Death, which has attracted a global cult following, Heavenly Bodies brings the 'catacomb saints' out of the darkness for the first time

In 1578 a labyrinth of underground burials was discovered in Rome that contained the remains of thousands of individuals assumed to be early Christian martyrs. The bones were disinterred and sent to many Catholic churches and religious houses in German-speaking Europe to replace holy relics that had been destroyed during the Protestant Reformation.

Reassembled by skilled artisans, encrusted with gold and jewels and richly dressed in fantastic costumes, the skeletons were displayed in elaborate public shrines as reminders of the spiritual treasures that awaited the faithful after death. For nearly three centuries these ‘Heavenly Bodies’ were venerated as miracle-workers and protectors of their communities until doubts about their authenticity surfaced in the modern era. They then became a source of embarrassment for the Church and most were destroyed or hidden away.

The book includes arresting images of more than seventy spectacular jeweled skeletons and the fascinating stories of dozens more, accompanied by rare archive material. This is the first time that some of these incredible relics – both intriguing historical artifacts and masterpieces of artistic craftsmanship in their own right – have appeared in a publication, with Koudounaris gaining unprecedented access to photograph in some of the most secretive religious establishments in Europe.

Meticulously researched and beautifully written, this is a tour de force of original cultural history with deepest resonances for a modern audience fascinated by visual representations of death.

Paul Koudounaris lives in Los Angeles, where he took his doctorate in the art history department of UCLA. His first book, The Empire of Death: A Cultural History of Ossuaries and Charnel Houses, was published by Thames & Hudson in 2011.

The first book on Chicago-born Hebru Brantley, the preeminent African American pop artist of his generation, whose work is hot and in demand in the art world, the fashion world, street style, and the music world.

Straddling the worlds of fine art, street art, and hip-hop, name-dropped on many a rap song, and collected by the likes of Jay-Z and LeBron James, Hebru is a painter, sculptor, and designer.

He first gained attention as a graffiti artist, tagging walls with colorful depictions of “Flyboy” — a child donning aviator goggles — all over the Windy City. Fast-forward to 2021, and his creations, profoundly influenced by Disney and Japanese Superflat, are now in museums and branded goods for A Bathing Ape, Billionaire Boys Club, Adidas Originals, and a host of other sought-after labels.

At the heart of Hebru’s work is restoring innocence to the depiction of Black youth, often forced into adulthood before their time in the eyes of the law and popular media. Upbeat and life-affirming, Brantley’s work not only attempts to normalize images of Black children at play, his creation of Black superheroes also suggests an entirely new mythology in a cultural landscape often devoid of positive examples.

This book features the breadth of Hebru’s work so far and is the first monograph on his work. Set out in two parts, this work examines both the fine-art and applied-art nature of his work, with both his paintings and his streetwear collaborations receiving pride of place in the design of the book by prominent graphic designer Oliver Munday, currently the art director of The Atlantic.

About the Author:

Hebru Brantley is a contemporary American artist hailing from Chicago and based in Los Angeles. His work is profoundly influenced by anime, pop art, graffiti, and Afrofuturism.

__________

Пролистать книгу Hebru Brantley

Надзвичайна італійська спадщина мистецтва та природи.

Том опубліковано у повністю переробленому виданні, оновленому та доповненому, включаючи всі нові об'єкти, що ілюструють місця та пам'ятки, які протягом багатьох років стали частиною спадщини FAI, асоціації, що займається їх збереженням та реставрацією.

Ця велика колекція зображень та критичних статей про різні місця та пам'ятки охоплює численні етапи придбання історичних особняків, замків, монастирів та цитаделей з важливими фресками, художніми колекціями та природними заповідниками в деяких найвизначніших куточках Італійського півострова: від замків Авіо, Манта та Мазіно до абатства Сан-Фруттуозо, від затоки Ієранто до монастиря Торба, від вілли дель Бальб'янелло до вілли Делла Порта Боццоло, вілли та колекції Панца в Б'юмо (з престижною колекцією сучасного мистецтва), вілли дей Вескові та парку Вілла Грегоріана. А також Cala Junco, Castel Grumello, Villa Necchi Campiglio, Casa Carbone, Palazzo and Torre Campatelli, Villa Fogazzaro Roi, Wood of San Francesco in Assisi, історичний магазин Olivetti Shop у Венеції (шедевр Карло Скарпи), аж до останніх придбань, таких як тисячолітнє абатство Санта-Марія-ін-Черрате, Casa Noha, «Colle dell’Infinito», Бельведер Васто, Саліне деї Конті Веккі, Каса і Торре Кампателлі, Каса Бортолі і Каса Маккі.

Про автора:

Задуманий Оленою Кроче, дочкою великого філософа Бенедетто Кроче, і заснований на видатній моделі Британського національного фонду, FAI – Fondo Ambiente Italiano був заснований 28 квітня 1975 року з конкретною метою допомогти захистити, зберегти та максимально використати художню та природну спадщину Італії. Улюблена поетами та мандрівниками різного віку та чарівна мільйонами туристів своєю красою, Італія володіє найнадзвичайнішою у світі природною, мистецькою та культурною спадщиною. Це дивовижне багатство, поряд з пам'ятками, відомими в усьому світі, включає сотні часто прихованих коштовностей, які серйозно ризикують зазнати руйнування та піддаються руйнівному впливу часу та людства.

Тривимірний вигляд сучасної візуальної культури формується техніками та стилями образотворчого мистецтва та ремесел

High Touch — це потужна колекція передового тактильного дизайну. Цей вибір тривимірної роботи визначає нову візуальну мову для презентації та оповідання. Ручна робота та майстерність, необхідні для створення цих робіт, звертаються до міждисциплінарного мислення нашого часу та активізують наші почуття більше, ніж стандартні двовимірні зображення.

High Touch документує надихаючий діапазон матеріальних об’єктів і просторових оркестровок, які поєднують ремесла, зокрема в’язання гачком, виготовлення паперу, дизайн костюмів і масок із техніками більш традиційних форм мистецтва, таких як інсталяція, скульптура, колаж, фотографія та ілюстрація. Приклади, наведені в книзі, доводять, що можливості для цієї новаторської роботи величезні. Додатки включають рекламу, презентації брендів, редакційний дизайн, фотографію, дизайн продукту, сценічний дизайн і сценографію, а також суміжні сфери, які або вже існують, або які їх творці ще не винайшли.

Сучасна візуальна культура формується під впливом різноманітних стилів, культур та епох. Ручні роботи, зокрема в’язання гачком, виготовлення паперу та дизайн костюмів і масок, поєднуються з техніками більш традиційних форм мистецтва, таких як інсталяція, скульптура, колаж, фотографія та ілюстрація.

Нова візуальна мова нині формується завдяки вмілому та незвичному поєднанню творчих стилів, а також використанню розширеного спектру матеріалів і технік. Одним із найяскравіших аспектів сучасної візуальної культури є якість ручної роботи. Останні роботи багатьох творчих людей характеризуються майстерністю та інтенсивним, навіть трудомістким дослідженням представлених технік, матеріалів або стилів.

High touch — це термін, який використовується в теорії дизайну для опису доступної людської візуальності. Книга High Touch — це компіляція поточних робіт, яка розширює та збагачує це визначення в сучасний спосіб. Він представляє багатий вибір інноваційного, часто ручного дизайну, створеного з повним спектром матеріалів і стилістичних прийомів, які існують сьогодні, - усі вони також прагнуть розширити цю палітру візуальних можливостей у значущий спосіб.

Приклади, представлені в High Touch, доводять, що сфера застосування цієї новаторської роботи величезна. Сюди входять реклама, презентації брендів, фотографія, дизайн продукту, сценічний дизайн і сценографія, а також суміжні галузі, які або вже існують, або їх творцям ще належить винайти.

Геніальний погляд на «Тест чорнильних плям Роршаха» – книга, повна плям, які читачі можуть перетворити на те, що їм заманеться.

Що таке Хірамекі?
У перекладі з японської це означає спалах натхнення, саме те, що відчули художники Peng & Hu, коли побачили корову з плямою, схожою на знамениту кінозірку, і зрозуміли, що навіть найглибшу пляму можна легко перетворити на щось дивовижне. Відтоді пристрасть збирати цятки та крапки опанувала їхніми життями.

• Дуже креативний і трохи анархічний, це ідеальний вихід для всіх тих, кому нудно малювати всередині ліній
• Це для всіх: навіть найнедосвідченіші дудлери можуть створити сотні сенсаційних каракулів.
• Читачі відточують свої навички Хірамекі в семи розділах, що дозволяє їм переходити від окремих малюнків до повних сцен від плями до плями.
• Художники Peng & Hu направляють читача підказками та підказками.

Хірамекі стане креативним феноменом 2016 року!

Знакова книга, що вперше представляє ранні «розкішні» версії гравюр Едо Хіросіґе!

Унікальна серія пейзажів Утаґави Хіросіґе One Hundred Famous Views of Edo (сучасний Токіо), вперше опублікована в 1850-х роках, є однією з найвідоміших колекцій японських гравюр і була революційною на свій час. Окремі гравюри з цієї колекції вважаються одними з найкращих творів у всьому японському мистецтві.

У цій серії Хіросіґе зображує 118 місць в Едо та його околицях, сучасному Токіо, протягом усіх чотирьох пір року, часто з досі невідомих та унікальних ракурсів. Ці види вперше були надруковані у вишуканих розкішних версіях, включаючи інноваційні елементи друку на дереві, такі як градація кольорів. Повного комплекту ранніх версій сьогодні не існує, і це перша книга, яка представляє повний комплект розкішних ранніх гравюр, що походять з 32 різних музеїв та приватних колекцій.

Автор Андреас Маркс проаналізував 4700 гравюр, щоб скласти цей вичерпний путівник по твору Хіросіґе One Hundred Famous Views of Edo. Маркс представляє різні друковані версії разом із зображеннями-довідниками, що показують, як і звідки Хіросіґе черпав ідеї для кожного виду — з попередніх книг та ілюстрацій. Результатом є вичерпний путівник для розуміння складності великої роботи Хіросіґе, а також динаміки японського ринку друкованих робіт у цей період.

У вступі Маркса обговорюється генеза серії в контексті японського пейзажного мистецтва, а також особиста біографія Хіросіґе. Далі в книзі представлені всі 118 гравюр разом з їхніми вихідними матеріалами та карта, на якій показано розташування кожного виду, а потім детальний додаток, у якому обговорюються великі колірні варіації, знайдені в наступних виданнях серії.

Про автора:

Доктор Андреас Маркс — куратор японського та корейського мистецтва імені Мері Гріггс Берк та директор Центру японського мистецтва Кларка в Інституті мистецтв Міннеаполіса. З 2008 по 2013 рік він був директором і головним куратором Центру японського мистецтва та культури Кларка в Каліфорнії. Він має ступінь доктора філософії Лейденського університету та ступінь магістра з історії мистецтва Східної Азії Боннського університету. Будучи спеціалістом з японських гравюр на дереві, він є автором понад 16 книг. У 2014 році він отримав нагороду Міжнародного товариства укійо-е як визнання своєї роботи, а в 2018 році — головну книжкову нагороду від Міжнародної асоціації дилерів дрібного друку.

Цей елегантний том демонструє вишукані сцени Японії 19-го століття, створені Хіросіге, у форматі, що шанує японську традицію книгознавства.

Останній великий майстер традиції укійо-е, Хіросіге створював роботи з тонким, але насиченим кольором. Ця колекція гравюр, вперше опублікована в 1850-х роках, містить зображення кожної з провінцій Японії. Створена в пізні роки Хіросіге, ця серія була амбітним проектом, який відобразив вирішальний момент в історії Японії, за десятиліття до того, як Реставрація Мейдзі відкрила двері для індустріалізації та західного впливу. Однією з найяскравіших її характеристик є вертикальна презентація, яка дозволила Хіросіге експериментувати з перспективою. Його розлогі панорами прекрасної сільської місцевості поєднують ілюзію відстані з глибиною деталей, що приваблює глядача. На додаток до цих чудових пейзажів, зображення Хіросіге жвавих міських центрів дають рідкісну можливість зазирнути в повсякденне життя епохи Едо.

Це чудове видання в обкладинці містить два томи: повний комплект із сімдесяти гравюр та окремий буклет, який містить вступ до життя та мистецтва Хіросіґе, а також описові підписи до гравюр.

Від гучних водоспадів та величних скель до широких пляжів та гамірних гаваней, рідна земля Хіросіґе постає у безтурботних та вишуканих деталях — ідеальний сувенір для шанувальників укійо-е, японської культури та гравюри.

Про автора:

Анн Сефріуї є авторкою численних книг з мистецтва, зокрема Monet: The Essential Paintings (2023), Kingfisher with Lotus Flower: Birds of Japan (2022) та Van Gogh: The Bigger Picture (2024), усі опубліковані видавництвом Prestel.

Hiroshige: Nature and the City – це найширший огляд кар’єри відомого японського художника-графіка Утаґави Хіросіге (1797–1858) англійською мовою на сьогодні. Він заснований на найбільшій колекції Хіросіґе у приватних руках за межами Японії, колекції Алана Медо.

Каталог складається з 500 записів, з акцентом на міські та сільські пейзажі, віялові принти та принти птахів і квітів. Згруповані в хронологічному порядку за темами, вони представляють інтерпретацію Хіросіґе міських сцен із його рідного міста Едо (сучасний Токіо), велику серію, що документує подорожі відомими шосе Японії, та ідилії природи, представлені на його гравюрах із птахами та квітами.

Хіросіґе часто включав поезію у свої твори, і вперше весь текстовий вміст транскрибується та перекладається. Крім того, в каталозі приділяється належна увага відмінності між варіантами видань його гравюр. Таким чином, він надає важливий порівняльний матеріал для кожного вченого, дилера та колекціонера.

Розділу каталогу передують п’ять есе, кожне з яких написано фахівцями в цій галузі. Ріаннон Педжет (куратор азіатського мистецтва в Музеї мистецтв Джона та Мейбл Рінглінгів) дає загальний огляд життя та кар’єри Хіросіґе. Андреас Маркс (куратор Художнього музею Міннеаполіса) пише два есе: про видавців гравюр Хіросіґе та про спільні роботи Хіросіґе, створені разом із його колегами. Шіхо Сасакі (спеціаліст із збереження в Музеї азіатського мистецтва Сан-Франциско) обговорює використання пігменту в гравюрах Хіросіґе, а Джон Карпентер (куратор японського мистецтва в Метрополітен-музеї) досліджує джерело поезії гравюр Хіросіґе з птахами та квітами.

Про автора:

Джон Карпентер є куратором японського мистецтва в Метрополітен-музеї, де він працював з літа 2011 року. З 1999 по 2009 рік він викладав історію японського мистецтва в Школі східних і африканських досліджень (SOAS) Лондонського університету та працював головою Лондонського офісу Інституту вивчення японського мистецтва та культури Сейнсбері. Він також викладав курси в Гейдельберзькому університеті. З 2009 по 2011 рік він був запрошеним професором Токійського університету. Він має багато публікацій про японське мистецтво, особливо в галузі каліграфії, живопису та ксилографії. Серед його останніх публікацій – каталог виставки в Метрополітен-музеї Designing Nature: The Rinpa Aesthetic in Japanese (2012).

A fascinating and comprehensive reference album of Hiroshige, the last great figure of the ukiyo-e style.

The great artist of the Japanese popular school of printmaking, Hiroshige (1797-1858) transmuted everyday landscapes into intimate, lyrical scenes. With Hokusai, he dominated the popular art of Japan in the first half of the nineteenth century. He captured, in a poetic, gentle way that all could understand, the ordinary person’s experience of the Japanese landscape as well varied moods of memorable places at different times. His total output was immense, some 5400 prints in all. Ukiyo-e publishing was not a cultural institution subsidized by public funds, but rather a commercial business. During his lifetime, Hiroshige was well known and commercially successful. But the Japanese society did not take 100 much notice of him. His real reputation started with his discovery in Europe.

- This beautiful book, published on the occasion of a major exhibition in Rome, examines various aspects of Hiroshige's oeuvre and reproduces in colour some two hundred of his prints.
- The comprehensive text examines his life and achievement as well as his masterworks and explains the particular qualities that make Hiroshige such an essential artist.

About the Author:

Gian Carlo Calza is Professor of East Asian Art History at the University of Venice. He has published many books, exhibition catalogues and articles.

Цей чудовий набір у коробці містить том у шовковій палітурці з приголомшливими кольоровими репродукціями повної серії Хіросіге, складеними у формі акордеона, а також окремий буклет з твірною інформацією та описом кожного гравюри.

Приблизно через двадцять п'ять років після того, як Хокусай випустив свою серію гравюр укійо-е, що зображують найвідоміший символ Японії, Хіросіге також взявся за цю тему — поширену практику серед гравюристів тієї епохи. Цей том містить репродукції горизонтальної версії серії дерев'яних гравюр Хіросіге, вперше опублікованої в 1852 році, яка розкриває зрілого художника, що працює на піку своїх можливостей. На задньому плані кожного з видів зображена гора Фудзі з різних точок огляду та змінного освітлення, що височіє над місцями неймовірної краси, часто оживленими кількома персонажами, що живуть у гармонії з природою.

Ці вишукані розкладні тарілки ідеально підходять для того, щоб оцінити композиційне чуття Хіросіге, його нетрадиційне використання ліній та тонкі градації кольору та настрою. Глядачі також можуть багато дізнатися про повсякденне життя та культуру Японії 19-го століття завдяки ретельно застосованим деталям та символіці. У своєму вступному буклеті Джоселін Букіяр надає підписи до кожного гравюри, а також оцінює чудовий та кропіткий процес друку на дереві.

Упаковані в елегантний футляр, ці томи відображають прекрасне мистецтво та традиції, втілені в самих гравюрах.

Про автора:

Джоселін Букіяр — куратор Національної бібліотеки Франції та експерт з японських гравюр.

____________

Погортати книгу Hiroshige: Thirty-six Views of Mount Fuji

'A compelling narrative of the workings of a curious, intelligent, visually inventive mind at work … a book designed to instil pleasure and to lift the spirits' Art Quarterly

The story of David Hockney, one of the most widely acclaimed of all living artists, is one of passion: passion for seeing, passion for telling, passion for images. But to these should be added passion for life. Hockney's art is a celebration of what it is to be alive. All his pictures - sometimes tender, as when he draws close friends and family; sometimes playful, as in his paintings of lazy, carefree days at the pool; sometimes awe-inspirin, as with his monumental images of the Grand Canyon - convey what it means to be in the world, to see it, to move in it, to love it. This constant exploration of how to communicate such feelings through art emerges with particular clarity in this stunning, lively volume, which charts almost fifty years of extraordinary creativity.

Hockney's Pictures is the first definitive 'retrospective' to show the evolution and diversity of Hockney's prolific paintings, drawings, watercolours, prints and photography. The works, including many that are new and never published, have been selected and organized by David Hockney himself, and track his lifelong experiments in ways of looking and depicting.

Contents List:

Introduction: Loving the world with new eyes • Problems of Depiction: Looking at Pictures • A Marriage of Styles • Stages • Water • Movement • Moving Viewpoint • Life Stilled: Life and Love • Lives • Still Life • Home • Portraits: Friends • Family • Self • Space and Light: South • West • East • North London • Yorkshire

About the Author:

David Hockney is considered one of the most influential British artists of the 20th century. He has produced work in almost every medium - painting, drawing, stage design, photography and printmaking - and has stretched the boundaries of all of them. Born in Bradford, England, in 1937, Hockney attended art school in London before moving to Los Angeles in the 1960s. There, he painted his famous swimming pool paintings. In a 2011 poll of more than 1,000 British artists, Hockney was voted the most influential British artist of all time. He continues to create and exhibit art.

Святкування шістдесяти років надзвичайної творчості

Історія Хокні – це історія пристрасті: пристрасті бачити, пристрасті розповідати, пристрасті до образів. Але до цього слід додати пристрасть до життя. Мистецтво Хокні – це оспівування того, що значить бути живим. Усі його картини – іноді ніжні, як-от коли він малює близьких друзів та родину; іноді грайливі, як-от його картини лінивих, безтурботних днів біля басейну; іноді вражаючі, як-от його монументальні зображення Великого Каньйону – передають, що означає бути у світі, бачити його, рухатися в ньому, любити його.

Це постійне дослідження того, як передавати такі переживання та сприйняття через мистецтво, проявляється з особливою ясністю в цьому візуально насиченому томі, який тепер оновлений новим заключним розділом, присвяченим його плідній нещодавній роботі в серіях на різних носіях, включаючи iPad. Книга, що відображає майже шістдесят років надзвичайної творчості, тематично організована, щоб показати еволюцію та різноманітність плідних картин, малюнків, акварелей, гравюр та фотографій Хокні. Вона також містить цитати художника, які висвітлюють пристрасть та глибокі думки, що стоять за його творчістю.

Hockney's Pictures прославляє довічні експерименти художника у способах бачення, бачення та зображення.

Про автора:

Девід Хокні — один із найвпливовіших британських художників останніх шістдесяти років. Він створив роботи майже в усіх видах мистецтва — живописі, малюнку, сценографії, фотографії, друкарстві та вітражах — і розширив межі кожного з них. Його новаторська книга Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters опублікована видавництвом Thames & Hudson, як і його книги, написані у партнерстві з Мартіном Гейфордом: A Bigger Message (2011), A History of Pictures (2016) та Spring Cannot be Cancelled (2021). Він продовжує створювати та виставляти мистецтво, викликаючи величезну прихильність та захоплення у всьому світі.

Найкраща публікація про Хокуея, майстра гравюри укійо в Осаці та одного з найінтригуючих художників, які коли-небудь створювали гравюри кабукі.

Hokuei: Master of Osaka Kabuki Prints зосереджується на одному з найбільш інтригуючих художників кабукі гравців кабукі: Shunbaisai Hokuei (дія приблизно 1828–1836). Кульмінаційна, але загадкова постать у гравюрах Осаки укійо-е, Хокуей створив більше шедеврів, ніж будь-який інший художник свого часу в регіоні Кіото-Осака (Камігата). Відбитки в цьому багато ілюстрованому виданні в основному взяті з колекції Джона Фіорілло, яка вважається наймасштабнішою з робіт Хокуеї.

У книзі представлено вдумливий і грунтовний огляд життя та кар’єри митця у світі поліграфічної продукції Kamigata. Також є розділ, у якому висвітлюються п’ятдесят шість ретельно досліджених і надзвичайно добре збережених відбитків. Завдяки принтам Хокуеї світ кабукі оживає в захоплюючих деталях, а оцінки дизайну та технічних атрибутів акцентують увагу на досягненнях дизайнерів принтів Хокуеї та Каміґати того періоду. Особливо важливим для вчених і колекціонерів є повністю ілюстрований і анотований каталог raisonné із задокументованих на сьогоднішній день 270 гравюр художника, деякі з яких є унікальними дизайнами для колекції Фіорілло.

Додатки знайомлять із різними аспектами гравюр Хокуея, зокрема короткими даними про формати друку, типи фігур, розкішні друковані вироби, книги, друковані на ксилографі, та учнів художника; підписи та печатки; видавці; блокорізки та принтери; театри кабукі; і створення японської гравюри. Глибина та обсяг інформації, наданої в Hokuei: Master of Osaka Kabuki Prints робить її унікальним довідником для вчених, колекціонерів та ентузіастів Осакської гравюри, художника Хокуей та світу кабукі.

Про автора:

Джон Фіорілло є незалежним дослідником і автором традиційних і сучасних японських відбитків, який особливо цікавиться Камігата-е («принти Осаки») і Сосаку Ханга («Творчі принти»). Згодом він особливо полюбив і захопився гравюрами акторів, створеними в Осаці, жанром, який часто забувають колекціонери та вчені. Пан Фіорілло регулярно публікував публікації в мистецькому журналі Andon (Товариство японського мистецтва, Лейден), брав участь у Hotei Encyclopedia of Japanese Woodblock Prints (2005), а також розробив і написав численні статті для веб-сайтів «ViewingJapanesePrints.net» (з 1999 року) та «OsakaPrints.com» (з 2005 року). Пан Фіорілло також є членом редакційної колегії Andon.

Понад півтора століття після смерті Кацусіка Хокусай залишається одним із найпопулярніших і найвпливовіших художників Японії.

У цьому зручному томі представлено широкий діапазон художньої творчості Хокусая з точки зору однієї з його найвидатніших характеристик: його інтелектуальної винахідливості. Він намагається відповісти на питання про те, як самозваний «Людина, божевільна від малювання», підходив до своїх об’єктів — як він зображував людські тіла в русі, поєднував фігури та ландшафт, представляв тривимірні об’єкти на двовимірній поверхні, використовував прийоми ілюзіонізму чи коригував реальність для більшого візуального чи емоційного ефекту.

Включаючи близько п’ятдесяти приголомшливих і незвичайних картин, гравюр і малюнків із незрівнянної колекції японського мистецтва в Музеї образотворчих мистецтв у Бостоні, ця книга є справжньою скарбницею, яка знайомить читачів із дотепним, широкомасштабним і неповторно геніальним Хокусаєм.