Ця книга представляє татуювання в Японії з усім їх вражаючим багатством і витонченістю.

Історія цього унікального народного мистецтва, його значення, соціальне походження та еволюція, а також збірка рідкісних інтерв’ю з майстрами татуювань, зроблених за останні тридцять років.

У світі мистецтва татуювань небагато традицій можуть зрівнятися з витонченим і витонченим мистецтвом японських татуювань. У цій багатоілюстрованій книзі «Татуйоване тіло» французького історика та журналіста, який спеціалізується на Японії та Кореї Філліпа Понса, читачі знайдуть велику кількість докладної інформації про історію цього унікального народного мистецтва, його зв’язок із літературою та мистецтвом, а також чудові кольорові фотографії їхніх робіт. Надзвичайні багатством іконографії, збалансованістю композицій і витонченістю деталей, японські татуювання спокушали з п’ятнадцятого століття західних мандрівників, купців, а пізніше, у 18 і 19 століттях, моряків, солдатів, ексцентриків і художників, таких як Дега, Моне і Тулуз-Лотрек. Проте, незважаючи на своє культурне значення та естетичну красу, незважаючи на визнання в усьому світі, татуювання в самій Японії не поділяє статусу та офіційного визнання та підтримки інших традиційних форм мистецтва, таких як «шлях чаю», квіткова композиція (ікебана) або театр кабукі.

Книга пояснює чому та показує історичний вплив японського татуювання на всесвітнє співтовариство татуювань та його інтеграцію в сучасний глобальний культурний ландшафт. Читачі дізнаються про перехід від «парчових шкір», що вкривають усе тіло, до сучасного японського ренесансу татуювань, коли молоді люди віддають перевагу татуюванням «одна точка», які поєднують стародавні мотиви та аніме, аж до моменту, коли традиціоналісти дивуються, чи не втрачає «татуювання» свою автентичність.

З більш ніж 270 ілюстраціями ця книга є потужною даниною мистецтву, майстерності та незмінному шарму японського татуювання. Ідеально підходить для ентузіастів татуювань, ця вичерпна та візуально приголомшлива книга є обов’язковою для любителів східноазійського мистецтва та тих, хто цінує культурні традиції.

Про автора:

Філіп Понс (10 серпня 1942) — французький історик, фахівець з Японії та Кореї, токійський кореспондент щоденної газети Le Monde, що висвітлює поточні події на Далекому Сході. Разом із Крістіаном Соттером у 1973 році він став співзасновником Центру досліджень Японії (CRJ), дослідницького інституту, присвяченого сучасній Японії, який нині є частиною престижного Французького національного центру наукових досліджень (CNRS), і був його співдиректором. Його перші статті для Le Monde датуються 1974 роком. У 1976 році він став кореспондентом щоденника в Японії, звідки він також висвітлював Філіппіни, Південну Корею та Північну Корею, країни, які він відвідав двадцять разів між 1979 і 2020 роками. Як спеціаліст він є автором багатьох книг і статей про історію, культуру та політику Японії та Північної Кореї, а також з істориком П’єром Франсуа Souyri, тому про історію сексуальності та еротики в Японії (усі публікації французькою мовою). Окрім п’яти років, проведених у Римі, він жив у Токіо з кінця 1970-х років.

Завдяки захопливим фотографіям масок, створених відомим майстром двадцять першого століття, ця книга пропонує унікальний погляд на но та кьоген, дві найстаріші збережені форми театру у світі.

Кітадзава Хідета — традиційний японський майстер-ремісник, різьбяр храмів синтої та виготовляч масок як для класичного театру но, так і для кьоген. Цей чудовий том містить понад шістдесят його масок для виступів, представлених на вражаючих фотографіях на всю сторінку, що дозволяють читачам оцінити рівень деталізації. Ці ретельно виготовлені вирізьблені з дерева хінокі, прикрашені шарами гіпсової фарби та тонким шаром акварельного антикваріату, а іноді включають такі матеріали, як кінський волос та золота фарба.

Читачі спочатку знайомляться з класичними, а потім із сучасними масками но та кьоген, а також запрошуються до майстерні Хідети, щоб дослідити характеристики деревини, яку він використовує, а також процеси створення, реставрації та носіння масок. Огляд основних елементів театру но та кьоген, а також роздуми з музеїв, що працювали з Кітадзавою, доповнюють цю яскраву, захопливу подорож, яка оспівує творчість сучасного художника, який не лише зберігає багатовікову театральну традицію, а й перетворює її для сучасної аудиторії.

Про авторів:

Джаннет Чонг — поетеса, драматург і дизайнер. Вона співпрацювала з театром Осіма Но, Річардом Еммертом та Кітадзавою Хідетою майже два десятиліття. Унікальною є те, що вона написала три п'єси но англійською мовою: «Пагода» (2009, 2011); «Протилежності» (2017), що поєднує но, оперу та балет; та «Між камінням» (2020). Вона живе в Лондоні.

Річард Еммерт — засновник і колишній художній керівник театру Ногаку, який присвячений виконанню но англійською мовою. Він працював у Північній Америці, Європі та Азії, а також писав музику в стилі но для англійської, французької та іспанської мовних театрів но. Лауреат премії Коїдзумі 2019 року, він є почесним професором Університету Мусасіно. Він живе в Токіо.

Завдяки вражаючим фотографіям, зробленим експертом у цій галузі, це дослідження японської бруталістичної архітектури відзначає дивовижну красу та витонченість будівель, викуваних у бетоні.

Бруталістична архітектура Японії, яка виникла після руйнівних наслідків Другої світової війни, характеризується своїми геометричними формами, функціональністю та нетрадиційним використанням бетону, який часто залишають незавершеним, щоб продемонструвати властиві цьому матеріалу текстури та недоліки. Японський бруталізм являв собою радикальний відхід від традиційної японської архітектури, черпаючи натхнення з глобального руху бруталізму, але включаючи унікальні елементи, які відображають культуру та історію Японії.

Провідний експерт з японського бруталізму Пол Тулетт подорожував країною, щоб сфотографувати надзвичайні приклади цієї естетики. У понад 200 динамічних і бездоганних фотографіях він фіксує елементи та парадокси, притаманні самим будівлям: необробленість бетону в поєднанні з елегантним дизайном; гармонійне вписування в міський ландшафт; і глобальний модерністський підхід, який зберігає традиційні японські елементи.

Висвітлюючи роботу таких архітекторів, як Кензо Танге, Тадао Андо та Арата Ізодзакі, цей унікальний том показує, як суміш глобальних впливів і японського чуття залишила незгладимий слід в архітектурному ландшафті Японії, зробивши японський бруталізм надзвичайно захоплюючим і стійким стилем.

Про автора:

Пол Тулетт має ступінь магістра з міського планування та навколишнього середовища та фотографує архітектуру Японії з 2018 року. Він розміщує свої фотографії у своєму популярному акаунті в Instagram: brutal_zen. Його роботи були опубліковані в низці видань, включаючи The Guardian і Fast Company. Він живе на Окінаві, Японія.

Inspired by the gift-giving tradition of her Japanese heritage, acclaimed gift-wrapping and packaging artist Megumi Inouye shares her clever techniques and creative designs for wrapping with repurposed materials, while also exploring how wrapping and gift-giving can be acts of gratitude that fosters connection and community.

With a combination of inventive wrapping designs, inspiring personal essays, and step-by-step techniques, Megumi Inouye invites readers to transform the act of wrapping into a gratitude practice. Drawing on the gift-giving traditions of her Japanese heritage, Inouye explores how the act of giving a thoughtfully wrapped gift can be a creative, caring act for both the giver and the receiver. Using recycled and repurposed materials, Inouye's approach inspires readers to think intentionally about the presentation of every gift, whether it's a tip for an unseen hotel housekeeper, a simple gift of fresh fruit for a neighbor, or a special birthday gift for a beloved family member. Detailed step-by-step photos teach Inouye's artful approach to every aspect of wrapping-including tape-free folding, paper and fabric bows, clever message tags, and one-of-a-kind approaches for odd-shaped items-and guide readers in creating their own unique gift presentations.

About the Author:

Megumi Inouye is a gift wrapping and packaging artist. Known for her sustainable wrapping designs and creative innovations, she encourages repurposing, utilizing everyday things around us and using organic and recyclable items. She attributes her passion for gift wrapping to her Japanese heritage and the cultural values that underlie the meaning behind the art of giving. Her work has been featured on the Ellen DeGeneres Show and in Yahoo! Lifestyle, American Craft Magazine, and the San Francisco Chronicle. Megumi splits her time between San Francisco and Sonoma in Northern CA. You can find her online at giftwrapbymegumi.com.

Японські мечі, особливо ті, що носили відомі воїни-самураї, незмінно захоплюють колекціонерів витворів мистецтва та історичної військової зброї. Ця книга покликана поглибити розуміння широкого розмаїття японських мечів (а також пов'язаних з ними древкових зброй), їх виготовлення та збереження.

Захопливий вступний розділ пояснює, як елітний клас самураїв домінував у Японії понад тисячу років, як технологічний та ідеологічний прогрес охопив самураїв у 1860-х роках, сповіщаючи про більш сучасну політичну та військову систему управління, і як такі зміни вплинули на дизайн та виробництво самурайських мечів.

Наступні розділи представляють теми, що мають найбільше значення для сучасного колекціонера мечів: а саме: сучасний японський меч; різні типи мечів, їхня конструкція та випробування; колекціонування та вивчення японських мечів (і надзвичайно важливий етикет); а також методи збереження та полірування мечів.

Ця книга чудово ілюстрована картинами, фотографіями, малюнками та картами. Крім того, є поглиблений глосарій та корисні таблиці, що пояснюють японські каліграфічні символи, пов’язані з мечами, що є дуже цінним для колекціонера.

Про автора:

Клайв Сінклер — інструктор з кендо, виду бойових мистецтв, і колекціонує японські мечі вже понад сорок років. Він є головою Британського товариства То-кен і часто пише статті про японську культуру мечів та колекціонування, які розміщені на вебсайті товариства (www.To-ken.com), а також у журналах. Він став частим гостем у Японії під час своїх досліджень та студій, зокрема на виставках мечів NBTHK (Nihon Bijitsu To-ken Hozon Kyodai).

A striking and unusual view of the rich variety of Japanese art.

Offering a superb insight into a wide array of Japanese art, the book highlights – close-up and in colour – outstanding examples of design and craft in prints, paintings and screens, metalwork, ceramics, wood, stone and lacquer and will provide endless creative inspiration.

By showing the complete artwork alongside enlarged details – sometimes virtually invisible to the naked eye – intriguing comparisons can be drawn between seemingly unrelated pieces and the full craftsmanship can be seen.

This title is ideal for anyone interested in decorative arts and design, general readers, students and art historians alike.

____________

Beautifully illustrated with an array of Japanese art, this book offers a closer look at the rich variety of styles, decoration, motifs and patterns – and the sheer craftsmanship – of Japanese culture. Opening with an introduction that asks ‘What is Japanese art?’, this book presents a selection of striking and fascinating art from Japan, organised into a series of thematic chapters in which the author provides cultural context while pointing out exceptional features. By showing the complete artwork alongside enlarged details – sometimes virtually invisible to the naked eye – intriguing comparisons can be drawn between seemingly unrelated pieces. The selection of illustrations evokes the hand and eye of the most accomplished Japanese craftsmen and women past and present. Offering a superb insight into a wide array of Japanese art, the book highlights – close up and in colour – outstanding examples of design and craft in prints, paintings and screens, metalwork, ceramics, wood, stone and lacquer and will provide endless creative inspiration.

Founded in 1852, the V&A has acquired Japanese objects from its earliest years and played a significant role in bringing the art of Japan to the attention of designers, manufacturers and the British public.

This tradition continues to the present day and in this new book some of the world’s leading researchers in this field bring their attention to the V&A’s unparalleled collection. Ten chapters focus on subjects such as the effects of Buddhism on the country’s arts and culture; the samurai; the highly aestheticized tea ceremony, which has been a notable feature of Japanese culture from the Medieval period up to the present day; Ukiyo-e and the graphic arts (prints, illustrated books, paintings and screens from the Edo period); exchanges with the West and imperialism, right up to modern and contemporary crafts and design including manga and high-tech design.

About the Author:

Gregory Irvine is Senior Curator in the V&A's Asian Department, where he specializes in Japanese metalwork.

The perfect introduction to the world of Japanese myth and legend

This is a smart and succinct guide to the rich tradition of Japanese mythology, from the earliest recorded legends of Izanagi and Izanami, their divine offspring and the creation of Japan, to medieval tales of vengeful ghosts, through to the modern-day reincarnation of ancient deities as the heroes of mecha anime. While many around the world love Japan’s cultural exports, few are familiar with Japan’s unique mythology - enriched by Shinto, Buddhism and regional folklore.

Mythology remains a living, evolving part of Japanese society, and the ways in which the people of Japan understand their myths are very different today even from a century ago, let alone over a millennium into the past. Offering much more than any competing overview of Japanese mythology, The Japanese Myths not only retells the ancient stories but also considers their place within the patterns of Japanese religions, culture and history, helping readers to understand the deep links between past and present in Japan, and the ways these myths live and grow.

Joshua Frydman takes the very earliest written myths in the Kojiki and the Nihonshoki as his starting point, and from there traces Japan’s mythology through to post-war State Shinto, the rise of the manga industry in the 1960s, J-horror and modern-day myths. Reinventions and retellings of myth are present across all genres of contemporary Japanese culture, from its auteur cinema to renowned video games such as Okami. This book is for anyone interested in Japan, as knowing its myths allows readers to understand and appreciate its culture in a new light.

Contents List:

Introduction
1. What are the Japanese Myths?
2. Age of the Gods
3. The Imperial Mythos
4. Living Kami and Divine Humans
5. Canon Foreigners
6. A World Flush with Spirits
7. Invention and Rediscovery

About the Author:

Joshua Frydman is Assistant Professor of Japanese in the Department of Modern Languages, Literatures and Linguistics at the University of Oklahoma. An expert on ancient Japan, his academic interests include the development of writing systems (in East Asia and worldwide), and the role of transregional and global cultural interactions in the development of premodern societies as viewed through literature and art. He is also the author of Inscribed Objects and the Development of Literature in Early Japan.

A major overview of Japanese residential architecture of the past five years by big names, including three Pritzker prize-winners, and emerging architects

Japanese houses today have to contend with unique factors that condition their design, from tiny plots in crowded urban contexts to ever-present seismic threats. These challenges encourage their architects to explore alternating ideas of stability and ephemerality in various ways, resulting in spaces that are as fascinating as they are idiosyncratic. Their formal innovation and attention to materials, technology and measures to coax in light and air while maintaining domestic privacy make them cutting-edge residences that suggest new ways of being at home. Contemporary Japanese architecture has emerged as a substantial force on the international scene ever since Kenzo Tange won the Pritzker Prize in 1987. This overview of 50 recent houses powerfully demonstrates Japan’s enduring commitment to design innovation.

Contents List:

Introduction • 50 Houses, including projects all over Japan by architects including ALX, Tadao Ando, ARtechnic, Atelier Bow-Wow, Atelier Tekuto, Shigeru Ban, C+A Coelacanth, Double Negatives, Eastern Design, Shuhei Endo, Masaki Endoh, Terunobu Fujimori, Sou Fujimoto, Fujiwara + Muro, Masahira Harada + MAO, Go Hasegawa, Naoko Horibe, Takeshi Hosaka, Jun Igarashi, Junya Isigami, Keiko + Manabu, Daisuke Maeda, UID/Keisuke Maeda, Norisada Maeda, Keiko Aita, Yuji Nakae, Koji Nakawatase, Satoshi Okada, Kazuyo Sejima, Hiroyuki Shinozaki, Suppose Design Office, TNA, Makiko Tsukada, Tsukano Architects and Koji Tsutsui

About the Author:

Philip Jodidio studied art history and economics at Harvard, and edited Connaissance des Arts for over twenty years. He is the author of numerous books, including monographs on Tadao Ando, Santiago Calatrava, Norman Foster, Richard Meier, Jean Nouvel and Zaha Hadid as well as The New Pavilions and Casa Moderna: Latin American Living.

The definitive overview of and ultimate resource on the iconic architect-designed houses built in Japan from 1945 to the present

Imagine a terraced house whose courtyard separates the kitchen from the bedroom. Or a tiny, triangular tower of rooms stacked one above another. Quirky, experimental and utterly fascinating, the houses produced in Japan since the end of the Second World War are among the most exceptional in the world. The Japanese House Since 1945 is a cohesive chronology of the most compelling architect-designed Japanese homes, showing developments in form, material, architectural expression and family living over almost eight decades.

Unparallelled in their conceptual purity, many Japanese houses have become icons at home as well as abroad. Presented with clear prose and accompanied by compelling photographs and drawings, this book features 97 houses, divided among nine chapters and organized by decade. In addition to acquainting the reader with individual homes, the book illuminates the social, technological, geographic and historical factors behind these era-defining houses. Developments over the period are underscored by the visual presentation, as it evolves from monochrome to colour and from hand-drawn to digital. Decade lead-ins set the historical context for each chapter, while ‘Spotlight’ segments draw attention to the separate components of the Japanese house. ‘At Home’ sections, most written by architects and their family members, bring to life the experience of living in these unique houses.

About the Author:

Naomi Pollock is an American architect, journalist and author. She has lived in Japan since the 1980s, reporting on architecture for international magazines. A special international correspondent for Architectural Record, she has written a number of books on Japanese houses and architects and is the author of Japanese Design Since 1945, also published by Thames & Hudson.

Пориньте у чарівний світ фільму легендарного режисера Хаяо Міядзакі «Мій сусід Тоторо».

Ця колекція листівок (які можна зберегти або надіслати) містить 30 різних намальованих від руки фінальних кадрів з фільму та прославляє прекрасне мистецтво та історію Тоторо.

Справжня насолода для шанувальників Studio Ghibli та анімації!

Про автора:

Studio Ghibli — це токійська анімаційна кіностудія, заснована режисерами Ісао Такахатою та Хаяо Міядзакі. Студія випустила кілька короткометражних фільмів та понад 20 повнометражних фільмів, зокрема «Мій сусід Тоторо», «Служба доставки Кікі», «Принцеса Мононоке» та лауреат премії «Оскар» «Віднесені привидами».

250 Japanese Knitting Stitches містить оригінальну колекцію в’язаних швів, вперше опубліковану Хітомі Шида в 1996 році.

Копії оригінального японського видання ревниво прагнули в’язальниці по всьому світу, і тепер видавництво Tuttle вперше пропонує вам цю класичну версію англійською мовою!

Попередня робота Хітомі Шіда, Біблія японського в’язання, була випущена компанією Tuttle у жовтні 2017 року та вже була придбана (і протестована) тисячами завзятих в’язальниць, які раді відкрити скарбницю елегантних і складних нових візерунків. 250 Japanese Knitting Stitches була першою роботою Хітомі Шида, і, як і її наступниця, вона наповнена її надзвичайно оригінальними та красивими дизайнами та варіаціями класичного в’язання.

Переклала та представила досвідчений інструктор із в’язання Гейл Рем, найвідоміший викладач японського в’язання в Америці. Roehm веде в’язальниць через деталі візерунків і пояснює, як виконувати шви.

Цей довідник з в'язання спицями містить наступне:

- Шви, призначені для бордюрів і окантовок
- Красиві кабельні шви, прості та складні
- Елегантні попкорн-стібки від тонких до жирних
- Кілька варіацій індивідуальних візерунків

Завершені проекти Shida - це диво, і досвідчені в'язальниці витримають навіть найстрашніші моделі стібків, щоб створити їх. Наповнена 250 характерними та винахідливими візерунками - зі схемою стібків і фотографією для кожного візерунка - ця довгоочікувана книга неодмінно буде на книжковій полиці кожної в'язальниці.

Про автора:

Хітоі Шидма – відомий японський дизайнер тисячі оригінальних в’язальних швів і трикотажних виробів, який має прихильників у всьому світі. Її складні та елегантні візерунки зробили її найвідомішим гуру в’язання в Японії. Вона викладає, займається дизайном і пише книги більше 20 років.

Основний огляд японських дизайнерів, ремісників, виробників і технологій, які сформували світ сучасного дизайну

Відданість ремеслу та найвища якість виробництва були невід’ємною частиною культури та повсякденного життя Японії протягом століть. Для японців концепція дизайну не обмежується функціональністю чи матеріальністю, а повністю пов’язана з давньою культурою та ритуалами. У цьому сенсі стілець – це набагато більше, ніж те, на чому ви сидите, чашка – це більше, ніж те, з чого ви п’єте: ці об’єкти потрібно розмірковувати, торкатися до них і пестити.

Коли масове виробництво набуло широкого поширення в післявоєнний період, між Японією та Заходом почали відбуватися захоплюючі міжкультурні обміни. Це породило не лише позачасові предмети надзвичайної краси та користі, але й інновації в матеріалах, формах і технологіях. Далеко за межі ікон японського дизайну – ідеально зваженої пляшки соєвого соусу Kikkoman, табурета-метелика Янагі, Sony Walkman – продукти та предмети, які з’явилися в країні протягом останніх семи десятиліть, деякі з яких були широко експортовані, викликають насолоду та захоплення. В останні роки нове покоління дизайнерів – Nendo, Yoshioka – вивели японську творчість на абсолютно нову територію, переосмисливши саме значення дизайну.

Дотепер не було зроблено жодних спроб представити повний огляд японського дизайну. У цьому томі представлено понад вісімдесят дизайнерів, сотні об’єктів і внески як японських, так і західних експертів з дизайну. Цей том стане остаточною роботою на цю тему на багато років вперед.

Список вмісту:

Передмова Маасакі Канаї • Вступ: Ремесло японського дизайну • Титани дизайну • Дизайнери та повсякденні ікони: столи та стільці • Есе Наомі Поллок • Їжа та напої • Есе Макото Шімазакі • Увімкнення та вимкнення • Есе Шіндзі Хамада • Плакати та упаковка • Основа та уток • Есе Матильди Маккуейд • Стиль життя та Дозвілля • Дизайнери від А до Я

Про авторів:

Наомі Поллок — американський архітектор, який пише про японський дизайн та архітектуру. Її роботи публікувалися в численних виданнях по обидва боки Тихого океану, зокрема A+U, Dwell, Kinfolk, Wallpaper* і Architectural Record, для яких вона є спеціальним міжнародним кореспондентом. Крім того, вона є автором кількох книг, зокрема Modern Japanese House, Made in Japan: 100 New Products, Jutaku: Japanese Houses та Sou Fujimoto. У 2018 році її було обрано до колегії стипендіатів Американського інституту архітекторів. Масаакі Канаї є президентом Ryohin Keikaku, роздрібного продавця та виробника провідного японського бренду Muji.

Унікальний підхід Кейко до ікебани, японського мистецтва аранжування квітів, поєднує традиційні техніки із сучасними смаками. Її впливи – від скульптури до сучасного західного флористичного дизайну – об'єднуються, створюючи унікальні композиції, які є автентичними та привабливими, простими та витонченими, і які може досягти кожен.

У цій книзі представлені покрокові інструкції зі створення 20 приголомшливих композицій з ікебани різних розмірів та стилів. Кожну з квіткових композицій можна виконати лише за три простих кроки, використовуючи легкодоступні флористичні матеріали та контейнери. Книга також містить вступ до історії ікебани стосовно Японії та японської культури, а також посібник з основних правил дизайну ікебани та флористичних технік. Поради щодо пошуку та вибору матеріалів і приладдя дозволяють легко навчитися аранжувати квіти та отримати практичне уявлення про мистецтво японського аранжування квітів.

Про авторів:

Кейко Кубо почала відвідувати заняття з ікебани ще підлітком у Японії. Після переїзду до Сполучених Штатів, щоб займатися мистецтвом, вона закінчила Школу мистецтв Чиказького інституту мистецтв зі ступенем магістра образотворчих мистецтв за спеціальністю скульптура, а також вивчала західне флористичне мистецтво. Кейко мешкає в Чикаго, штат Іллінойс.
Еріх Шремпп — фотограф з Чикаго, який спеціалізується на ілюстративних зображеннях. Його витвори мистецтва та роботи на замовлення можна переглянути на сайті www.schremppstudio.com.

___________

Погортати книгу Keiko's Ikebana: A Contemporary Approach to the Traditional Japanese Art of Flower Arranging на Google Books.

In 1868, Japan underwent a dramatic transformation following the overthrow of the shogun by supporters of Emperor Meiji, marking the end of feudal military rule and ushering in a new era of government that promoted modernizing the country and interacting with other nations.

Japanese print culture, which had flourished for more than a century with the production of color woodcuts (the so-called ukiyo-e, or “floating world” images), also changed course during the Meiji era (1868–1912), as societal changes and the once-isolationist country’s new global engagement provided a wealth of new subjects for artists to capture. Featuring selections from the renowned Achenbach Foundation for Graphic Arts’ permanent collection, Japanese Prints in Transition: From the Floating World to the Modern World documents the shift from delicately colored ukiyo-e depictions of actors, courtesans, and scenic views to brightly colored images of Western architecture, modern military warfare, technology (railroad trains, steam-powered ships, telegraph lines), and Victorian fashions and customs.

About the Authors:

Rhiannon Paget is the curator of Asian art at the John & Mabel Ringling Museum of Art in Sarasota, Florida. Karin Breuer is curator in charge of the Achenbach Foundation for Graphic Arts.