Перша книга, яка розповідає історії найшанованіших живих японських керамістів століття їхніми словами, простежуючи еволюцію сучасного ремесла та мистецтва в Японії, а також значний вплив цих художників, який далеко виходить за межі національних кордонів.

Listening to Clay: Conversations with Contemporary Japanese Ceramic Artists – це перша книга, яка представляє розмови з деякими з найважливіших живих японських художників-керамістів. Простежуючи еволюцію сучасного ремесла та мистецтва в Японії, цей новаторський том висвітлює шістнадцятьох людей, чиї неперевершені майстерність та творчий блиск надали їм вплив, який далеко виходить за межі національних кордонів.

Незважаючи на блискучу кар'єру та міжнародне визнання за свою роботу, ці шістнадцять художників були маловідомими з точки зору їхніх особистих історій. Віком від шістдесяти трьох до дев'яноста трьох років вони втілюють різноманітний досвід кількох поколінь, які були активними та успішними з кінця 1940-х років до наших днів, періоду масштабних змін. Тепер, вперше ділячись своїми історіями у виставці Listening to Clay, вони не лише описують свої особливі процеси, натхнення та стосунки з глиною, але й разом простежують сейсмічний культурний зсув у галузі, в якій багатовікові, але виняткові традиції гончарства відкрилися для нових практиків та видів практик.

Listening to Clay включає розмови з художниками, народженими в гончарних сім'ях, а також з деякими з перших жінок, прийнятих на керамічний факультет Токійського університету мистецтв, розповідаючи ширшу історію про винахідливість та новаторство, що сформували сучасне мистецтво в Японії та в усьому світі. Кожен художник представлений у статті, що включає короткий вступ, портрет, вибрані приклади його робіт та інтимне інтерв'ю, проведене авторами протягом кількох особистих візитів з 2004 по 2019 рік. В основі кожної історії лежить особистий зв'язок художника з глиною, який часто описують як співпрацю з матеріалом, а не як нав'язування наміру.

Найстарший художник, з яким брали інтерв'ю, Хаяші Ясуо, вступив до армії під час Другої світової війни у ​​віці п'ятнадцяти років і пройшов навчання на пілота-камікадзе. Він народився в родині, яка поколіннями випалювала кераміку в кооперативних печах, але відмовився від традиційних методів і став першим художником у Японії, який створив справді абстрактну керамічну скульптуру. Наприкінці 1960-х років інша художниця, Місіма Кімійо, розробила техніку шовкографії на глині ​​та почала створювати керамічні газети, щоб прокоментувати поширення цих медіа. Вона захопилася сміттям, відтворюючи його з глини, і працювала у відносній безвісті протягом десятиліть, поки у 2015 році не відбулася велика виставка в Токіо.

Виставка Listening to Clay з передмовою куратора, письменника та історика Гленна Адамсона та передмовою Моніки Бінчик, заступника куратора японського декоративного мистецтва в Метрополітен-музеї, була проектом, який понад п'ятнадцять років створювали авторки Еліс та Холсі Норт, шановані та обізнані колекціонери та меценатки сучасної японської кераміки, та Луїза Еллісон Корт, почесний куратор кераміки Національного музею азійського мистецтва Смітсонівського інституту. Книга також містить розмови з п'ятьма важливими дилерами сучасної японської кераміки, які відіграли та відіграють вирішальну роль у представленні робіт цих художників світові, кілька детальних додатків та глосарій термінів, відповідних людей та стосунків.

Listening to Clay – це давно очікувана та прониклива книга, яка вперше висвітлює деяких найвідоміших сучасних японських художників-керамістів через особисті, своєрідні розповіді про їхнє повсякденне життя, надаючи особливий доступ до їхнього творчого процесу та художнього розвитку.

Про авторів:

Аліса та Холсі Норт – новатори-колекціонери та прихильники сучасної японської кераміки. Вони організували керамічні тури Японією для Нью-Йоркського Японського товариства. Їхня колекція була представлена ​​на виставці «Сучасна глина: японська кераміка для нового століття», що проходила в Музеї образотворчих мистецтв у Бостоні у 2005-2006 роках, та в Нью-Йоркському Японському товаристві у 2006-2007 роках. Основним завданням їхнього колекціонування та пропаганди було познайомити нову аудиторію з цим видом мистецтва. Вони передали значну частину своєї колекції американським музеям, зокрема Метрополітен-музею в Нью-Йорку, Музею образотворчих мистецтв у Бостоні та Національному музею азійського мистецтва Смітсонівського інституту у Вашингтоні, округ Колумбія. У Метрополітен-музеї також зберігається база даних, архіви та бібліотека їхньої колекції.

Following up on Layout Now and Color Now, SendPoints continues to craft practical guidebooks for readers in the design cosmos. This time, it is about the type, which we read and use every day.

Typography Now guides readers through everything they need to know to understand, create, and use Latin, Chinese, and Japanese typefaces in an increasingly interrelated world. The fundamentals, including typographic terms, character structures, style classifications, size, weight, text families, and more will provide readers with prerequisite knowledge to understand and identify different types. Typography Now introduces readers to esteemed type foundries and their design processes and techniques to demonstrate how type is created. The coverage of layout rules will help readers grasp how to effectively design with text on the page as well as combine text with mixed scripts (Chinese, Japanese, and Roman).

In addition, you will find some of the best examples of typographic choices, as well as talks with experts at type foundries about the present and future of type, and demonstrations of some of the hottest new typefaces.

Любите все, що стосується Японії, або хочете ввібрати трохи японської мудрості у своє повсякденне життя?

Від філософії ікіґай та вабі-сабі до кітчевих вечорів караоке та футуристичних ресторанів роботів; традиційні чайні церемонії та спокійні житла онсен до культури косплею та мегазірок J-Pop; Японія сповнена інтригуючих протиріч.

Незважаючи на те, що Японія відома своєю ультрасучасною столицею Токіо - розгалуженим освітленим неоновим світлом мегаполісом зі сторінок науково-фантастичного роману, - Японія все ще глибоко вкорінена в давні традиції. І в той час як країна працює з точністю годинникового механізму, культурне життя жителів змінюється зі зміною пір року, що є свідченням тривалої сили природних ритмів.

З кожною сторінкою, наповненою фактами, історією та натхненням, Be More Japan розкриває таємниці сучасного японського життя – незалежно від того, їсте ви суші в Лондоні чи насолоджуєтеся цвітінням сакури в Сан-Франциско. І якщо ви мрієте про майбутню подорож до Японії, ця книга наблизить вас до місця призначення ще до того, як ви вирушите.

Про автора:

Відчуйте світ разом з DK Eyewitness.
Дуже наочні путівники DK Eyewitness показують вам те, що вам говорять інші, з легкими для читання картами, порадами та екскурсіями, щоб інформувати та збагатити вашу подорож.
Наші автори подорожей повідомляють про те, що можна побачити, поїсти, випити та чим зайнятися в усьому світі, а найкращі фотографії та ілюстрації оживляють міста, регіони та країни. Ми публікуємо путівники до більш ніж 200 місць у всьому світі, від зручних кишенькових довідників містами до вичерпних путівників по країнах.
DK — провідне у світі видавництво ілюстрованих довідників, яке випускає чудово оформлені книги для дорослих і дітей у понад 120 країнах

__________

Погортати книгу Be More Japan: The Art of Japanese Living на Google Books.

'a mixture of artistic sensibility and imagery that leaves nothing to the imagination'  - The Telegraph

In early modern Japan, thousands of sexually explicit paintings, prints, and illustrated books with texts were produced. These were euphemistically called ‘spring pictures’ (shunga) and were originally created by the artists of the ukiyo-e school of the floating world to advertise brothels in 17th-century Yoshiwara, including the celebrated artists Utamaro and Hokusai.

This catalogue of an exhibition in 2013/4 at the British Museum aims to answer some key questions about what shunga is and why was it produced. Erotic Japanese art was heavily suppressed in Japan from the 1870s onwards and it is only in the last twenty years or so has it been possible to publish unexpurgated examples in Japan. 

Drawing on the latest scholarship and featuring over 400 images of works from major public and private collections, this book sheds new light on this unique art form within Japanese social and cultural history.

About the author:

Timothy Clark, Head of Japanese Section, British Museum

Station to Station. A historic trail through the heart of Japan, as told by two legendary woodblock artists

This XXL edition reprints Keisai Eisen and Utagawa Hiroshige’s legendary series The Sixty-Nine Stations along the Kisokaidō, a stunning representation of the historic route between Edo (Tokyo) and Kyoto. Sourced from one of the finest surviving first editions, this vivid tapestry of 19th-century Japan is in equal parts a major artifact of its imperial past and a masterwork of woodblock practice.

The Kisokaidō route through Japan was ordained in the early 1600s by the country’s then-ruler Tokugawa Ieyasu, who decreed that staging posts be installed along the length of the arduous passage between Edo (present-day Tokyo) and Kyoto. Inns, shops, and restaurants were established to provide sustenance and lodging to weary travelers. In 1835, renowned woodblock print artist Keisai Eisen was commissioned to create a series of works to chart the Kisokaidō journey. After producing 24 prints, Eisen was replaced by Utagawa Hiroshige, who completed the series of 70 prints in 1838.

Both Eisen and Hiroshige were master print practitioners. In The Sixty-Nine Stations along the Kisokaidō, we find the artists’ distinct styles as much as their shared expertise. From the busy starting post of Nihonbashi to the castle town of Iwamurata, Eisen opts for a more muted palette but excels in figuration, particularly of glamorous women, and relishes snapshots of activity along the route, from shoeing a horse to winnowing rice. Hiroshige demonstrates his mastery of landscape with grandiose and evocative scenes, whether it’s the peaceful banks of the Ota River, the forbidding Wada Pass, or a moonlit ascent between Yawata and Mochizuki.

Taken as a whole, The Sixty-Nine Stations collection represents not only a masterpiece of woodblock practice, including bold compositions and an experimental use of color, but also a charming tapestry of 19th-century Japan, long before the specter of industrialization. This TASCHEN XXL edition revives the series with due scale and splendor. Sourced from the only-known set of a near-complete run of the first edition of the series, this legendary publication is reproduced in optimum quality, bound in the Japanese tradition and with uncut paper. A perfect companion piece to TASCHEN’s One Hundred Famous Views of Edo, it is at once a visual delight and a major artifact from the bygone era of Imperial Japan.

The editor and author:

Andreas Marks studied East Asian art history at the University of Bonn and obtained his PhD in Japanese studies from Leiden University with a thesis on 19th-century actor prints. From 2008 to 2013 he was director and chief curator of the Clark Center for Japanese Art in Hanford, California, and since 2013 has been the Mary Griggs Burke Curator of Japanese and Korean Art, head of the Department of Japanese and Korean Art, and director of the Clark Center for Japanese Art at the Minneapolis Institute of Art.

The author:

Rhiannon Paget studied at Tokyo University of the Arts and received her doctorate in Japanese Art History from the University of Sydney, Australia. The curator of Asian art at the John & Mable Ringling Museum of Art in Sarasota, Florida, she has published research on Japanese woodblock prints, textiles, board games, and nihonga.

Woodblock Wonders. A visual history of 200 Japanese masterpieces

The Japanese woodblock print is a phenomenon with no Western equivalent, one where breathtaking landscapes exist alongside blush-inducing erotica; where demons and otherworldly creatures torment the living; and where sumo wrestlers, kabuki actors, and courtesans are rock stars. This XXL book lifts the veil on a much-loved but little-understood art, revealing the stories and people behind the 200 most exceptional prints from 1680–1938. Drawing from the finest impressions in museums and private collections around the world, it features the work of 89 artists as well as 17 fold-outs.

From Edouard Manet’s portrait of naturalist writer Émile Zola sitting among his Japanese art finds to Van Gogh’s meticulous copies of the Hiroshige prints he devotedly collected, 19th-century pioneers of European modernism made no secret of their love of Japanese art. In all its sensuality, freedom, and effervescence, the woodblock print is single-handedly credited with the wave of japonaiserie that first enthralled France and, later, all of Europe — but often remains misunderstood as an “exotic” artifact that helped inspire Western creativity.

The fact is that the Japanese woodblock print is a phenomenon of which there exists no Western equivalent. Some of the most disruptive ideas in modern art — including, as Karl Marx put it, that “all that is solid melts into air” — were invented in Japan in the 1700s and expressed like never before in the designs of such masters as Hokusai, Utamaro, and Hiroshige in the early 19th century.

This book lifts the veil on a much-loved but little-understood art form by presenting the 200 most exceptional Japanese woodblock prints in their historical context. Ranging from the 17th-century development of decadent ukiyo-e, or “pictures of the floating world,” to the decline and later resurgence of prints in the early 20th century, the images collected in this edition make up an unmatched record not only of a unique genre in art history, but also of the shifting mores and cultural development of Japan.

From mystical mountains to snowy passes, samurai swordsmen to sex workers in shop windows, each piece is explored as a work of art in its own right, revealing the stories and people behind the motifs. We discover the four pillars of the woodblock print — beauties, actors, landscapes, and bird-and-flower compositions — alongside depictions of sumo wrestlers, kabuki actors, or enticing courtesans — rock stars who populated the “floating world” and whose fan bases fueled the frenzied production of woodblock prints. We delve into the horrifying and the obscure in prints where demons, ghosts, man-eaters, and otherworldly creatures torment the living —stunning images that continue to influence Japanese manga, film, and video games to this day. We witness how, in their incredible breadth, from everyday scenes to erotica, the martial to the mythological, these works are united by the technical mastery and infallible eye of their creators and how, with tremendous ingenuity and tongue-in-cheek wit, publishers and artists alike fought to circumvent government censorship.

Three years in the making, this XXL edition presents reproductions of the finest extant impressions from the vaults of museums and private collections across the globe — many newly photographed, especially for this project. Some 17 stunning fold-outs invite us to study even the subtlest details, while extensive descriptions guide us through this frantic period in Japanese art history.

Features:

- The work of 89 artists, from the world-renowned to the unfamiliar
- 7 chapters organized chronologically to trace the history of the medium from 1680 to 1938
- 17 fold-outs, which had to be hand-folded due to their size and specifications
- Exclusive reproductions from museums and private collections
- An appendix listing all artists and works

The author:

Andreas Marks studied East Asian art history at the University of Bonn and obtained his PhD in Japanese studies from Leiden University with a thesis on 19th-century actor prints. From 2008 to 2013 he was director and chief curator of the Clark Center for Japanese Art in Hanford, California, and since 2013 has been the Mary Griggs Burke Curator of Japanese and Korean Art, head of the Department of Japanese and Korean Art, and director of the Clark Center for Japanese Art at the Minneapolis Institute of Art.

A fascinating journey through the world of anime and manga, their genres and styles, roots and creators.

An accessible, informative and fascinating journey through the world of anime and manga, their genres and styles (from the most commercial to the most cutting-edge), their roots and their creators. With a wealth of iconographic content, this book will be the reference book for anyone interested in discovering the diversity and originality of manga and anime.

About the Authors:

Philip Brophy is a musician, filmmaker, writer and academic.
Carlo Chatrian is a film critic and consultant for several film festivals.
Jonathan Clements is the author of Schoolgirl Milky Crisis: Adventures in Anime and co-author of The Anime Encyclopedia.
Luca Della Casa is a selector of anime and Asian films for Bologna’s Future Film Festival.
Stephane Delorme is Editor-in-chief of Cahiers du cinéma.
Davide Di Giorgio is a film critic and author of a Japanese animation column for the webmagazine Sentieri Selvaggi.
Daniele Dottorini is a film critic, lecturer and consultant for several film festivals.
Stefano Gariglio works in movie subtitling and is a member of the neo(N)eiga cultural association.
Paul Gravett is a critic, lecturer, curator and historian specializing in international comic art.
Erwan Higuinen is a journalist and film critic for Libération, Cahiers du cinéma and Les Inrockuptibles.
Fabrizio Liberti is film programmer for Italian television channel Rai Uno.
Helen McCarthy is the author of The Art of Osamu Tezuka: God of Manga and co-author of The Anime Encyclopedia.
Fabrizio Modina is a multitalented creative and an internationally renowned collector of toys.
Giona A.Nazzaro is a film critic and programmer at the Festival dei Popoli, Florence.
Maria Roberta Novielli teaches Japanese cinema at the University Ca’ Foscari, Venice.
Grazia Paganelli is a film critic and film programmer at the National Museum of Cinema, Turin.
Gianni Rondolino is an internationally renowned cinema historian and columnist for La Stampa.
Michel Roudevitch is a cartoonist, screenwriter, animator and director who has worked in the animated cinema industry since the Sixties.
Mario A. Rumor is editor of MANGA! magazine.
Stephen Sarrazin is a film and media art critic, curator and professor.
David Surman teaches Computer Game Design at the University of Wales, Newport.

Думаєте про татуювання в японському стилі? Хочете уникнути постійної помилки?

"Japanese Tattoos" — це погляд зсередини на світ японських «ірезумі» (татуювань).

«Японські татуювання» пояснює образи японських татуювань, щоб читачі могли уникнути чорнила, яке вони не розуміють, або, що ще гірше, вони можуть пошкодувати. Ця багата фотографіями книга також простежить історію японського татуювання, помістивши іконографію та символи «кандзі» у належний контекст, щоб читачі могли краще знати, що вони означають, і глибше розуміти «ірезумі».

Представлені татуювання варіюються від традиційних татуювань «теборі» (тицяння рукою) і татуювань «кандзі» до натхненних аніме та сучасних творів, а також усього між ними. Вперше японське татуювання буде поєднано у візуально привабливий, інформативний та авторитетний спосіб.

Окрім понад 350 фотографій татуювань, у "Japanese Tattoos" також будуть інтерв’ю з японськими майстрами татуювань на різні теми. Більше того, будуть проведені інтерв’ю з клієнтами, яких зазвичай не помічають у подібних книжках, що дозволить їм обговорити, що для них означають їхні японські татуювання.

Ті, хто прочитає цей інформативний посібник із татуювань, матимуть більше знань про японські татуювання, якщо вони захочуть написати чорнило або просто цікавляться японським мистецтвом і культурою.

__________

Погортати книгу Japanese Tattoos: History. Culture. Design на Google Books

Шунга зображує еротичне вираження пари, що переживає задоволення та біль, а також красу їхніх тіл за допомогою найкращої японської техніки ксилографії. Це різновид укійо-е, яка особливо була в моді серед людей в період Едо (17-19 століття). Майже всі митці укійо-е робили сюнга в якийсь момент своєї кар’єри.

У цій великій книзі на 586 сторінках представлені різноманітні роботи шунга майстрів митців укійо-е, таких як Хокусай Кацусіка, Утамаро Кітагава, Кунійоші Утагава, Кійонага Торі та Айсен Кейсай.

Магія Кадзуя Ткаока, арт-директора цієї книги, і наша успішна назва Хокусай Манга роблять цю книгу унікальною колекцією шунга.

Japanese Erotica in Contemporary Art is a comprehensive exploration of contemporary erotic arts in Japan, covering more than 50 artists. 

Featuring work ranging from illustrations, dolls, contemporary art, comics, anime, and much more. Also included are bilingual overviews and expositions of the latest Japanese erotic art, with detailed analysis on each category. For this reason, this book is recommended for both men and women, art lover, Japanese subculture maniacs, "Gothic" and "Lolita" enthusiasts, and Anime fans. 

Featuring art by: Simon Yotsuya; Takato Yamamoto; Akira Uno; Hajime Sorayama; Junko Mizuno; Suehiro Maruo; Makiko Sugawa; Yoshifumi Hayashi; and many more.

Following the great success of Japanese Erotica in Contemporary Art, this second volume showcases even more cutting-edge underground artwork by 47 Japanese artists. 

New categories such as "Fetish Photography," "Steampunk," "Hyperrealism" and "Decadence Photography" introduce the latest preoccupations of Japanese erotic and fantasy artists, pushing the limits of the first volume by presenting ever more surreal, grotesque and gothic themes - while retaining an uncanny beauty. 

Gorgeously designed and comprehensive in scope, Erotica in Japanese Contemporary Art Vol. 2 is an essential addition to the collections of erotic art fans around the world.

Красиво оформлена та візуально вражаюча книга про японське еротичне мистецтво, шунга

Японське еротичне мистецтво або шунга має довгу історію, з тисячами високоякісних картин, гравюр та ілюстрованих книг, створених як знаменитими, так і анонімними художниками, переважно з кінця XVII до XIX століття. Часто відвертий, але також ніжний, чуттєвий і жартівливий, навіть повчальний, shunga – евфемізм, що означає «образ весни» – відзначає всі грані людської сексуальності. Надзвичайно популярні в японському суспільстві, такі зображення вважалися цілком природними та є вираженням витонченої культури «плаваючого світу», яка прагне до насолоди, якою славиться Японія періоду Едо, коли було створено багато з цих творів.

Твори шунга подобалися всім верствам суспільства, від самураїв до звичайних новоспечених пар, особливо після того, як поява ксилографічного друку зробила їх доступними за ціною – можна було навіть брати книги шунга в бібліотеках. Майже кожен художник знаменитої школи ukiyo-e, включаючи Хокусая, Утамаро та Кунійоші, створив сюнга, демонструючи блискучу уяву, великі технічні досягнення та оригінальність.

У приголомшливому розмаїтті зображень, взятих із його власної неперевершеної колекції, Офер Шаган показує нам повний спектр сексуальних практик і самовираження, включаючи оголеність і одяг, вуайєризм, богів, монстрів і тварин, оргазм, перелюб і ревнощі, і багато іншого. Ця книга, організована тематично, висвітлює символи та мотиви, часто приховані на тлі мистецтва, які є вирішальними для правильного розуміння та оцінки цього жанру.

Довгий час шунга залишалася табуйованою та виключеною з наукової сфери, але ця амбітна книга з передмовою професора Ендрю Герстла зі Школи східних і африканських досліджень Лондонського університету повертає ці чудові твори мистецтва на належне їм місце в історії японського мистецтва, культури та суспільства.

Завдяки понад 1200 ілюстрацій, усі спеціально сфотографовані та багато з яких рідко або ніколи раніше не публікувалися, ця чудово створена книга досліджує інтимне багатство шунга так, як це не робило жодне інше видання.

Про автора:

Офер Шаган написав кілька книг про аспекти своєї колекції, включно з Мудмі Ікат з Таїланду та Мистецтво та історія Південно-Східної Азії, а також понад сотню статей у періодичних виданнях, що стосуються історії, культури та мистецтва, включаючи обширні праці про шунга.

The beauty of the Japanese garden lies in its combination of natural and artificial beauty. It represents the unique aesthetic taste of the Japanese people, mainly because of the distinct seasons of the insular country. Under the influence of religion, culture, history and customs, Japanese landscapes feature delicacy in design and elaboration in materials. An exquisite garden often reflects ideas in literature, calligraphy, paintings, ikebana and teaism, becoming an art work that assembles the essence of Japanese culture. We thus can find the zen implied in the design of Japanese gardens. The concept of Zen could be found throughout their designs. In their works, a narrow space could turn into a deep, richly-layered, savoring and meaningful landscape that was poetic and somewhat zenic.

This book consists of three chapters, Japanese gardens, public landscapes and interior landscapes, including the outstanding works of Japanses landscape designers, and giving full expression to the essence of Japanese landscape. May the book a source of inspiration to all the lovers of landscaping design.

Exceptionally drawn in a realistic fashion and awash in spectacularly rich colors, this one-of-a-kind art book — masterfully reprinted from a rare and costly edition — combines the perennial appeal of flowers with the art of Japanese woodblock prints.

Nothing expresses the richness and vigor of life like blooming flowers. A stunning showcase of 120 full-color plates, this specially chosen collection features beautiful Eastern and Western botanicals that will delight flower lovers, artists, designers, and devotees of fine art. Admire such familiar and unusual blossoms as the poppy, rose, anemone, cyclamen, delphinium, water lily, lupine, passion flower, allamanda, phlox, dahlia, petunia, tulip, freesia, pansy, begonia, and many more beautiful blooms!

Tanigami Kônan (1879-1928) was a genius at the art of woodblock creation and color gradation, and he is still celebrated as one of the finest artists of this highly specialized technique. Captions and a complete index are included in this distinct keepsake edition.

Explore the art of Rodrigo Melo's Japanese style tattoos through more than 150 lush studio photographs of bodysuits, rib pieces, back pieces, and sleeves featuring traditional themes and imagery. See peonies, koi, tigers, dragons, and characters from Buddhist mythology presented in authentic form and color but with some modern techniques and stylings, like the use of "angry black" to increase contrast. In addition to the body art pieces, this contemporary study of traditional Japanese tattoo styles includes hundreds of images of Melo's flash paintings, a body suit in progress, and new aesthetics for Japanese style tattoo art. This book is a must have for tattoo enthusiasts, art and tattoo students, and anyone interested in learning about tattoo culture and history.